LOS DEVEDETECOS

VENTA DVDS EN EL MUSEO Y DVDCLUB, CALLE HERNANI, 8

2010-09-02T22:26:00.003+02:00

La Devedeteca finaliza su recorrido comenzado hace 6 años y medio.
Continuará la liquidación de su stock (películas de fondo de catálogo y novedades) en el museo y dvdclub Berverly Hills, en la calle Hernani, 8, Madrid 28020. Teléfono 915360527.
Esto ya sí es una despedida, muchas gracias a todos y en especial a nuestros clientes que han hecho posible que este proyecto funcionará.
Un fuerte abrazo a todos,
La Devedeteca.

6-05-2010 | Fuente: Tetuán 30 días

“Beverly Hills” o la catedral del cine
Por fuera, un videoclub; por dentro, todo un museo del Séptimo Arte

“Beverly Hills” es, además del famoso barrio de Los Ángeles donde residen las estrellas del celuloide, un videoclub que es también un sorprendente museo del Séptimo Arte.
Pensado para el deleite y el retiro de los amantes del buen cine, desde el clásico y el de autor hasta el más actual, “Beverly Hills” se distingue por recopilar “todos los géneros cinematográficos, incluidos infantil, musical, acción y western, tan olvidados en otros establecimientos similares”. Ade-más de contar con cerca de 8.000 títulos en DVD, otra de sus peculiaridades es que aquí las cintas de vídeo siguen vivas: se cuentan por cientos las películas en este formato, que todavía hoy un público minoritario sigue alquilando, y más de 700 filmes en el añorado Súper 8 (que su propietario querría poder mostrar algún día a sus clientes) completan la sin par colección de este videoclub.
Troquelados, pósteres, fotocromos, diapositivas, guías, programas de mano, fotografías dedicadas por estrellas del cine... un número incontable de artículos del marketing cinematográfico, auténticos fetiches de coleccionista.

EL PERSONAJE DE MANUEL CALVÍN

“Empecé a escribir, yo solo, copiando los nombres de actores y actrices que aparecían en los magníficos anuncios de cine del ABC: ‘Cary Grant’, ‘Rita Hayworth’... así practicaba mi caligrafía, y así comenzó también mi interés por este apasionante mundo”, recuerda con nostalgia el propietario de “Beverly Hills”, a sus increíbles 62 años de edad.
Más adelante, Manuel Calvín acompañaba a su padre, abogado de Samuel Bronston, productor, entre otras, de 55 días en Pekín, al rodaje de la misma, en Las Matas, “donde se construyó una asombrosa réplica de la capital china, y donde tuve la oportunidad de conocer a Ava Gardner, David Niven y Charlton Heston, con quien me unió una íntima amistad hasta su muerte”.
“Mi contacto con las figuras internacionales del cine continuó a lo largo de casi 20 años como relaciones públicas y segundo jefe de recepción de los hoteles Castellana Hilton (ahora Intercon-tinental) y Villa Magna, y se consolidó al entrar a formar parte, como ejecutivo, de Araba Films, la primera empresa española dedicada a la producción, distribución y exhibición cinematográfica. Allí trabajé durante 15 años, tiempo en el que pude asistir a todos los festivales de cine españoles y europeos, además de a la ceremonia de los Oscar. Estos viajes me sirvieron, aparte de para afianzar mi amistad con gente importante de la industria, para hacerme con todo el material que en parte se exhibe en el videoclub” –y el que no puede verse: en el sótano del local se amontonan docenas de cajas y estanterías, rebosantes de artículos relacionados con la gran pantalla–, “el mismo que antes estuviera expuesto en un piso que habilité como museo del cine, durante alrededor de 30 años, con dos salas de proyección para Súper 8, y por el que también pasaron grandes personalidades del celuloide”.
“Quien fuera mi jefe en Araba Films fue el productor de La novena puerta, en cuyo rodaje –entre París y Toledo– estuve muy implicado. Al director, Roman Polanski, le conocía desde el año 1974, pero fue en esta película cuando empezó mi estrecha relación con su protagonista, Johnny Deep, con quien todavía hoy mantengo contacto; sin olvidar mi amistad con Roman”.
“En los últimos años, he escrito seis libros sobre cine y he colaborado en sendas revistas y programas de radio (en las cadenas Radio 80 y COPE) sobre el mismo tema”.

EN BUSCA DE SUBVENCIÓN

“Manolo, este lugar debería estar subvencionado”, le insisten sus clientes más fieles desde que tuvieron la oportunidad de conocer este pequeño rincón de Tetuán. Una clientela que le anima a que promocione su “museo del cine” a través de las instituciones oficiales, ya que consideran este singular establecimiento como un “bien de interés cultural, único en España y quizás en el mundo, que debería estar subvencionado por algún organismo cultural, público o privado”.
Sea como fuere... Siempre nos quedará “Beverly Hills”… en la calle de Hernani, número 8.

CRISTINA SÁNCHEZ

LA DEVEDETECA CERRARÁ EL 31 DE MAYO

2010-04-05T14:28:00.005+02:00

La Devedeteca es un proyecto que comenzó hace más de seis años y a finales de mayo terminará su andadura, debido básicamente a tres factores, uno a la recesión económica que afecta fuertemente al consumo (incluso en bienes de tan bajo coste como es el alquiler de dvds), otro factor es la piratería, y por último problemas con la administración local.

Tras hablar con técnicos y arquitectos nos disponíamos a presentar una licencia de ampliación de la actividad, nos la denegaron supuestamente porque teníamos que presentarla por procedimiento ordinario (carísimo) frente al procedimiento comunicado. Nosotros presentamos el procedimiento comunicado ya que no teníamos que hacer obra, y teníamos informes que señalaban la adecuación de nuestro procedimiento, en fin, nos denegaron la licencia presentamos otro proyecto y no recibimos respuesta, ante la falta de respuesta de la administración y necesitar una licencia para empezar la actividad nos ha forzado a abandonar la posibilidad de ampliación de negocio.

La Devedeteca seguirá alquilando y vendiendo normalmente durante los meses de abril y mayo, pero eso si pondremos todos nuestros títulos en venta (a 5 €). Seguiremos comprando novedades para alquiler.

Los bonos no consumidos se podrán cambiar sus pases por películas, 2 pases una película. Del 24 al 30 de mayo se devolverá el importe de los bonos no consumidos y el 31 el local se cerrará.

Las series de TV se venden a 20€/temporada.

Lamentando mucho este inesperado cierre, también para nosotros porque dábamos por hecho que la administración local no iba a ponernos imposible la ampliación de negocio, nos despedimos del mercado videográfico y de nuestros clientes.

Saludos y nos seguiremos viendo estos dos meses.

EL BAILE DE LA VICTORIA

2010-03-26T17:49:00.003+01:00

A veces me resulta curioso el criterio de la academia de cine a la hora de seleccionar las películas que nuestro país manda para representarnos en los Oscar. No hace falta ser muy espabilado para darse cuenta de que “El baile de la Victoria” no era la cinta adecuada para pasar el primer corte de selección. Y no digo que sea mala película, pero desde luego ni el fondo, ni la forma son las adecuadas.

Para empezar por el principio, la estructura narrativa es defectuosa. Dividido el punto de vista en dos, incluso en tres, la tensión se diluye entre los bloques perdiendo el interés hasta llegar a un desenlace que se me antoja menor respecto al verdadero clímax de la cinta que se encuentra al final del segundo acto. El personaje de Darín (Nicolas) que ejerce de famoso “revienta-cajas” que acaba de salir de la cárcel tiene como objetivo recuperar a su familia después de cinco años resulta baldío. La empatía es la excusa para convertirse en tutor del joven Ángel (Abel Ayala) aprendiz de ladrón con ilusiones e inmadurez repartidas a partes iguales. Este joven, que realmente es el protagonista de la película, o mejor dicho, por guión debería serlo por el peso que adquiere su relación con la muda bailarina de la calle Victoria (Miranda Bodenhofer) además de con la trama “guía” del atraco. En tercer lugar el necesario antagonista con misión incierta, pero que amenaza desde las sombras al trío protagonista.

En realidad los conflictos y objetivos de los personajes están bien planteados (probablemente herencia de la novela de Skármeta), y es en los bloques que los desarrollan donde demasiadas secuencias informativas y otras repetitivas para reforzar los roles, donde se pierde el equipo guionista encabezado por el propio escritor, Fernando Y Jonas Trueba. Pero no todos los defectos vienen dados por un guión mal estructurado o unos diálogos forzados en muchas ocasiones, sino que, y esto es lo más curioso, la película está mal dirigida en varios tramos. Fallos como las voces en off de Darín y su mujer en el tenso encuentro, recuerdan al cine de un amateur, o los cambios de género del drama, a la buddy movie, al thriller, y lo que es peor a la comedia esperpéntica, como la terrible y fallida secuencia del tribunal de danza, hacen que me pregunte si es posible que este director sea el mismo que ha ganado un Oscar por una película fantástica como es “Belle Epoque”.

Respecto al fondo, ambientada en el Chile reciente, me pregunto si el discurso moral es, “quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón”… aunque con peaje, o el baldío intento de denunciar las diferencias sociales que impiden a los que están en la parte baja de la pirámide incorporarse a una sociedad que les rechaza (por no hablar de una crítica pueril del final de la época de Pinochet). No creo que sea la intención siquiera. Trueba tiene muchas virtudes, pero en esta ocasión los defectos se comen una película carente de tensión dramática que da secuencias a un Darín que se come la película con su presencia como actor, pero también por la mala distribución de las escenas, ralentizadas en la presentación sólo por el hecho de que es el único actor capaz de levantar el film. Al final dos horas de un metraje al que le sobran veinte minutos como mínimo, que da lugar por este defecto de forma, a meter el verdadero desenlace al final del segundo tercio de película mientras resuelve la que debería ser (y es) la trama guía en quince minutos, y lo que es peor, obviando todas las convenciones para que el subgénero del cine de atracos funcione. Si a eso añadimos un final incierto y negativo que hace que el público se aleje más si cabe de personajes por los que debería estar obligado a sentir al menos cierto cariño, estamos ante una película incuestionablemente fallida.

Es una pena que esta película con buena intención y buena base se vaya al garete por la falta de buen pulso en la dirección, la falta de un guión consistente y equilibrado, y unas interpretaciones sobreactuadas en los principales (con la excepción de un Darín desubicado y tópicas en los secundarios. Esperemos que sólo sea el primer impulso después de años sin ponerse detrás de la cámara de un director con sobrada experiencia y que, espero, todavía tiene mucho que aportar.

Víctor Gualda.

BONNIE AND CLYDE

2010-03-18T18:19:00.003+01:00

Estamos ante uno de esos clásicos que merece la pena revisar cada cierto tiempo. Una película que tuvo un parto difícil incluso una vez estrenada, pero que supuso un antes y un después en el cine made in hollywood, un referente del pasado siempre a recuperar como ejemplo de cine barato pero con excelente factura, que además tendría peso en el posterior cine de los setenta, rodada en su mayoría en exteriores, y que dinamitó el caro cine de estudio.

Ambientada en la América justo posterior a la depresión, nos muestra un país que se lame las heridas, una América de antihéroes, de individuos que a su pesar son utilizados por el sistema para ejemplificar el nuevo orden que está por llegar. El de la necesidad de los gobiernos por recuperar el control de una sociedad a la que se le escapan los mal llamados valores tradicionales y confronta al individuo contra un sistema culpable de los desastres del país. Antihéroes inmaduros cuya única ambición es volver a los orígenes (el personaje de CW vuelve buscando el refugio de una autoridad corrompida y amoral paterna, Bonnie que busca la imagen materna como referente a pesar de la advertencia de esta o Clyde sin más referente que su hermano).

Y es que son los personajes otro de los valores de la cinta, un Clyde inmaduro y apasionado al que le buscan los problemas, una Bonnie que siente la necesidad de salir de su burbuja. Juntos inician la road movie que les lleva a recorrer el suroeste del país atracando bancos, que pocas veces atracan, y de manera natural y no premeditada hacer banda con el chaval CW y con el propio hermano de Clyde y la mojigata mujer de este. Los problemas de impotencia sexual de Clyde llevaron en el guión original de David Newman y Robert Benton a formar un trío con CW, con el Truffaut de Jules and Jim como director, pero con el alejamiento de la cinta de la mano europea, y los complejos del propio Beatty, se consiguió un efecto fantástico: La evolución de la impotencia del personaje desaparece al tiempo que la violencia decrece, convirtiéndole en vulnerable. Una especie de semidiós mitológico condenado por superar sus propios complejos.

También intervino en el guión Robert Towne, aunque de manera indirecta, mejorando algunos diálogos, y cambiando el orden de algunas secuencias, entre ellas una fundamental, la del enterrador, que supone un punto de inflexión en el texto y la entrada en el túnel que condena a los protagonistas a una muerte anunciada, desde la aparición del peligroso antagonista que supone el policía burlado.

Casi no merece la pena mencionar la violencia que desprenden las imágenes del film. Un sello de identidad demasiado evidente que estuvo a punto de llevar al traste la película y que bajo la mano de Arthur Penn alcanza cotas impresionantes; la sangre a borbotones dentro del mismo plano en que los antihéroes disparan, o el final ralentizado mientras las balas agujerean los cuerpos sin piedad y el extraordinario montaje, barrieron a partir de su estreno las mojigatas escenas violentas precedentes y dieron paso en Estados Unidos al posterior cine de personajes sicológicamente torturados.

Os recomiendo el fantástico libro de Biskind “Moteros tranquilos, toros salvajes” para conocer los detalles de esta producción y de muchas otras que revolucionaron el cine en la década de los setenta, y por supuesto la revisión de esta cinta imprescindible en la historia del séptimo arte.

Víctor Gualda.

DIATRIBA CONTRA EL DOBLAJE

2010-03-10T13:19:00.003+01:00

Por Javier Martinez

“Lentejas; si quieres las comes, y si no, las dejas.” Prometo haber escuchado esta frase tan castiza en boca de uno de los personajes de la película Shadows (1959), dirigida por John Cassavetes, padre del cine indie (por independiente de los grandes estudios) americano. Si alguien no lo cree, al DVD me remito. No sé si Cassavetes —más conocido por su faceta de actor en películas como Doce del patíbulo o La semilla del diablo— visitó alguna vez España; no obstante, apostaría mi brazo izquierdo a que no era conocedor de nuestro refranero popular. Recuerdo que vi esta película en el cine de verano que habilita la Universidad Complutense en su Jardín Botánico, y que, tras un amago inicial en el que todo parecía ir como mi amigo y yo esperábamos, los responsables del proyector corrigieron el “error” y nos deleitaron con la versión doblada de dicha película. Unos diez minutos después y tras unas líneas de diálogo, se comenzaron a escuchar airadas protestas de un sector del público asistente. Recuerdo una que se me quedó grabada a fuego por su tono, mezcla de indignación y comicidad, y que decía: “¡¡Esto es mentira!!”. Por fin escuchaba a alguien levantar la voz ante un tema que, a sabiendas de que ha sido y sigue siendo polémico, siempre se ha tratado con desdén por considerarse fútil, pese a que esté alimentando a toda una fuerte industria en nuestro país, y aquí está el quid de la cuestión.

Muchas veces he oído la expresión “Yo no voy al cine a leer”. Qué casualidad que no pocas veces la haya pronunciado una persona que trabaja en un estudio de postproducción de sonido o de doblaje. Se trata de una postura tan lícita como la que yo defiendo aquí, mas tiene un trasfondo negativo que más adelante trataré de desarrollar.

Al igual que hay personas que leen La fortaleza digital o Ángeles y demonios por puro entretenimiento o por deseo de evasión, así hay un gran número de ellas que acuden a los multicines a ver Dos chalados y muchas curvas (largo capítulo aparte merecen las supuestas traducciones de los títulos originales o el veneno de la mercadotecnia en el cine) o Saw 3. No habría nada que objetar a estas personas si existiese una sana relación entre el cine de vocación comercial y el entendido como séptimo arte. Pero la realidad es otra; la realidad es que quienes manejan los hilos no tienen ningún afán de deleitar al espectador, sino de aligerar en lo posible su bolsillo con productos que no tienen en cuenta si dicho espectador posee inteligencia o capacidad crítica, o si se puede molestar por el ruido del maíz crujiente. Por (casi) todos es sabido que las salas de cine ingresan más dinero por las palomitas que por las entradas. Sobran los comentarios en este punto.

Un dato interesante al respecto es que de las veinticinco salas —nada menos— que tienen los Cines Kinépolis de la Ciudad de la Imagen de Madrid (un enorme complejo dedicado al esparcimiento de toda la familia), ni una sola de ellas proyecta películas en versión original subtitulada. Ni siquiera tienen la intención de maquillar su ansia de lucro habilitando una sala para los amantes de las películas en su lengua original; ésos que dicen que el cine es una forma de arte o aquéllos que arguyen que el doblaje es una perversión del trabajo actoral y, por consiguiente, de la obra cinematográfica.

Otro dato significativo y quizá más cercano se halla en la televisión. Los responsables de la programación televisiva no cesan de humillar y menoscabar al cine y a los cinéfilos. Programas como el desaparecido ¡Qué grande es el cine! o el reciente Cinema Off emiten películas que poco tienen que ver con Pretty Woman o Torrente 2: Misión en Marbella dobladas al castellano, cuando la gran mayoría de espectadores de este tipo de películas son carne de cines en versión original; personas alérgicas al doblaje. La cuestión es que los responsables de las televisiones tienen como único objetivo llegar al mayor número de telespectadores, aunque esto suponga tener que emplear estrategias como exhibir películas coloreadas (todos sabemos que el blanco y negro produce rechazo en la mayoría de los televidentes —más aún en los jóvenes—) como en el caso de Robin de los bosques (1938) , previa a la invención del cine en color, o El hombre que nunca estuvo allí (2001), filme en blanco y negro que en su edición en DVD presenta la opción de visionado en color, pero estrenado en todas las salas del mundo en su formato original. Para agravar aún más la falta de respeto hacia el telespectador, se introducen largos cortes publicitarios que convierten a la persona que consigue ver de principio a fin una película en un héroe.

El cine está más sujeto al negocio descarado que otras disciplinas artísticas como la pintura, la escultura o la literatura. Algo similar le ocurre a la música, pues cualquier mamarracho puede poner su voz en un disco y venderse millones de copias, si bien es cierto que la música goza de algunos templos sagrados, véase el Auditorio Nacional de Música de Madrid o el Teatro Real o varias salas de conciertos donde se programan actuaciones de verdaderos músicos: Galileo Galilei, El Sol, Moby Dick, Café Central.... No así el cine. Casi extinguidas las llamadas salas de arte y ensayo, los bastiones del cine con pretensión de conmover o de estimular la inteligencia, es decir, sin la abierta finalidad de enriquecerse a costa de exhibir bodrios mayúsculos previa oferta de palomitas más refresco, son cadenas como los Cines Renoir o los Verdi, en algunos de cuyos complejos se pueden encontrar palomitas, dulces, pipas y caramelos, tan molestos para el espectador con déficit de atención. La excepción que confirma la regla es la Filmoteca Española (en el caso de Madrid), el museo del cine. Las filmotecas en general, presentes en varias Comunidades Autónomas, que no en todas. La diferencia en relación a las salas de conciertos musicales estriba en que las filmotecas no proyectan estrenos. Sus funciones más destacadas son las de restauración de películas y exhibición de rarezas, así como la programación de ciclos temáticos por autores, corrientes, países, etc. Sea como sea, las filmotecas no dejan de ser círculos marginales frente a la proliferación de multicines en los que se pueden adquirir hasta nachos con queso o introducir pizzas en la sala (ej.: Cines Capitol).

Los perjuicios del doblaje

Al comienzo de este escrito he mencionado una frase que les resultará familiar a los aficionados al cine: “Yo no voy al cine a leer”. Este argumento sólo responde a un síntoma, quizá a dos: ignorancia y/o vagancia. Con los subtítulos se pierde información visual, con lo que eso conlleva: una pequeña dificultad añadida en el seguimiento de la trama y un cierto menoscabo en la labor artística de la obra cinematográfica: puesta en escena, iluminación, fotografía…. Aquí acaban los defectos siempre que los subtítulos sean fieles al diálogo original. El resto son todo ventajas:

– La versión original respeta la actuación de los actores (e indirectamente respeta a todas las personas que han trabajado en la película: autor del guión, sonidista…). Es triste que muchos fans de Robert DeNiro nunca hayan escuchado a Robert DeNiro, sino a Ricardo Solans interpretando a Robert DeNiro. La voz de un actor es tan importante como el violín de un violinista. Esto es lo mismo que decir que la versión original nos asegura el disfrute de la obra de arte tal y como fue creada y su no adulteración.

– La versión original facilita el aprendizaje de otras lenguas. Cualquier escuela de idiomas recomienda el uso de películas subtituladas como herramienta de aprendizaje (ej.: Speak Up). (El Estado podría aprovechar el tirón que tiene el cine entre los jóvenes para mejorar su pobre nivel de inglés. Esto incluye algunas, muchas, ediciones de películas en DVD sin subtítulos en español o con unos lamentables.)

– La versión original evita la mediación de la peor cara de la industria de doblaje, fruto del intrusismo que padece en los últimos tiempos (voces de famosos poco o nada satisfactorias). Sirva como muestra la desafortunada labor del cantante Dani Martín en Escuela de rock (2003). Sin duda, lo peor de la película. Asimismo, nos ahorra el desasosiego de estar viendo Bailando con lobos en una cadena, y al cambiar de canal aprovechando la publicidad constatar que tanto Kevin Costner en dicha película como Bruce Willis en Sin City tienen la misma voz, la de Ramón Langa, omnipresente en el doblaje español.

En Latinoamérica y en buena parte de Europa se proyectan las películas en versión original subtitulada. Además del ahorro de tiempo y dinero que esto supone, no es casualidad que en esos lugares se hable —en términos generales— inglés mejor que en nuestro país. Y me refiero al inglés porque nos guste o no la maquinaria norteamericana lo domina todo, y el cine no iba a ser menos. A nadie se le escapa la importancia que tiene hoy en día el manejo del inglés. Que se lo digan a los mileuristas. La mayoría de distribuidoras en nuestro país (y no sólo en el nuestro) son americanas, y por lo tanto dan clara preferencia a sus películas a la hora de exhibirlas en las salas. Aquí es donde entra en juego la industria de doblaje española, famosa por ser probablemente la mejor del mundo. Lo que no se dice es que pocos países le otorgan tanta importancia al doblaje como España.

Carlos Boyero es un importante crítico cinematográfico español. Escribe regularmente en el diario “El Pais” (anteriormente en "El Mundo") y desde hace cerca de cinco años responde semanalmente a preguntas de los internautas sobre cine, música, literatura, política y deportes. Del archivo de este chat he rescatado estas reflexiones:

«El doblaje me parece un crimen, supone desvirtuar lo que ha pretendido el director y los actores. Sin embargo tengo una impresión mucho más grata de los doblajes que oía en mi infancia que los actuales, que me parecen lamentables, afectados, todo en ellos huele a falsedad. Y si la historia va de jóvenes enrollados ya es para echarse a temblar. La interpretación de un actor descansa como mínimo en un 50% en la utilización que hace de su voz».
«Todo lo que es creíble y lírico en VO puede resultar afectado, o grotesco al doblarlo».

La excepción

Las películas de animación están dirigidas preferentemente al público infantil. Por ello tiene prioridad la comprensión de los diálogos antes que cualquier otro fin. En este caso, y por no tratarse de actores sino de dibujos, el doblaje está justificado. Del mismo modo, en el caso de los documentales, tampoco hay una labor actoral y generalmente la imagen va acompañada de una voz en off, que bien puede ser doblada al idioma que proceda. Su valor es informativo, no artístico. El lirismo de las imágenes por norma general no se relaciona con la voz interviniente.

LOS LIMITES DEL CONTROL

2010-03-06T19:48:00.003+01:00

Tiene algo que se me antoja impostado la última producción de Jarmusch, y sin embargo sigue conservando esa capacidad de atrapar con la imagen. Tal vez el encuadre y sus personajes ajenos al mundo que les rodea, pero muy integrados en sus propias existencias. Y es la suma de paradojas lo mejor de una película que hay que reconocer que si hubiésemos hecho cualquiera de nosotros no hubiese pasado del salón de la casa de un par de colegas.

Jarmusch es una caja de sorpresas, la evolución de su cine ha sido coherente dentro de su presunta independencia que le llevo de películas frescas sin presupuesto pero llenas de verdad, a otras con algo más de plata, pero más anquilosadas en “lo que esperamos de él”. Su última colaboración con Murray le dirigía directo a una producción media made in Hollywood, pero según sus propias palabras los atentados del 11 s le hicieron replantearse la que iba a ser su siguiente producción. En vez de eso se lanza con red a una producción menor casi minimalista que tampoco responde a su evolución por mucho que parezca una imagen reflejada de su propio cine. Retoma entonces la senda que inicio en “Ghost dog” que a su vez era una versión libre de “Le samurai” (El silencio de un hombre) Retoma entonces el personaje frío inexpresivo con los rasgos de Isaach De Bankolé para cumplir una misión sin concretar dada la naturaleza del propio protagonista.

Es entonces cuando esta road movie se mezcla con el falso thriller y crea un híbrido que no va a ninguna parte. Y digo esto porque de ser una posible obra maestra que mejorara su antecesora, se queda en un quiero y no puedo conceptual que no va a ninguna parte, o eso, o que mi reducida capacidad me impide analizar. Esta bien salirse de las convenciones, ya lo hizo Melville, pero le añadió un fin a su trama y a su silencioso personaje. La suma de compañeros de viaje peculiares en tierra española le hace doblemente guiri, al final los estereotipos pueden con una buena idea por lo nuevo de la narración. De la gran urbe a la casa apartada en el campo pasando por la ciudad media y el pueblecito (de la sociedad al individuo), de los cuadros premonitorios del museo a la realidad de los personajes. De la fantástica y fanática repetición a la nada. Salvan el film la fuerza de las imágenes, pero llamadme loco si pido un poco de sentido común a una trama que existe. El intercambio de cajas de cerilla nos lleva a un desenlace (por llamarlo de alguna manera). No se queda en la mera especulación, así que estaría bien que el ejercicio de minimalismo siguiera unos códigos como suspense, arco del personaje y crecimiento de la trama, que aquí son pura conjetura (y tal vez el valor añadido de la película.

Me llama la atención también el muestrario de freakis que circulan por las calles de nuestro país disfrazados de rubia peligrosa, de camello mejicano, de músico paranoico, de camarero simpático, de ninfomanía matahari. Paso de mencionar los créditos, pero todos ellos son actores solventes que aquí sobreactúan porque no saben de que va la vaina. Están dirigidos mediante el viejo sistema de no darles el guión y marcarles directamente la acción que ellos ejecutan como clowns. Es Jarmusch uno de mis directores favoritos y no voy a hacer leña, pero sin renunciar a la capacidad hipnótica de su cine, tengo que reconocer que esperaba mucho más, y si la película puede pecar de pretenciosa, se lo perdonamos porque sigue teniendo capacidades que otros nunca soñaron estando considerados grandes, la principal, dialogada por boca De Bankolé en el desenlace: la imaginación.

Víctor Gualda.

CORREDOR SIN RETORNO

2010-03-04T17:28:00.003+01:00

Después de "Shutter Island", merece la pena repasar "Corredor sin retorno". El clásico de Samuel Fuller que junto a las películas de Tourneur parece han servido de inspiración a Scorsese. Fuller es un clásico moderno, un director que con pocos medios construye una película brutal y un tanto fuera del sistema tradicional. Destacar la fantástica trama con algo así como una estructura domino, consistente en que cada pieza va dando paso a la siguiente.

Como muestra el botón que supone la primera secuencia. Una aparente sesión sicológica abre paso a nuevos personajes en plano, avanzando a nuevas situaciones. Las conclusiones del primer plano cambian paso a paso hasta el último de la secuencia con algunos de los personajes principales de la trama. El psicólogo, el jefe de nuestro protagonista, la novia de este. Todo ello para dar paso en cada nueva escena a una nueva verdad que evoluciona inexorable. La repetición nos guía para ingresar con nuestro periodista. Pero ¿qué pinta un periodista ingresado voluntariamente en un psiquiátrico? Siguiente pieza que derriba una nueva frontera a través de la que conoceremos la trama. Un reportaje de investigación requiere meterse en harina, y la mentira conducirá a involucrar a nuestro héroe poniendo en peligro su propia integridad.

Es a partir de este momento cuando se vuelve más convencional la trama. Ya sabemos cual es el conflicto que tendremos que resolver. Las entrevistas con los distintos enfermos irán dando datos poco a poco hasta dar con la clave final. Por el camino algunos personajes entrañables, violentos, víctimas de ellos mismos y de una sociedad que oprime al diferente. Crítica social fantástica tanto en esa parte que se dedica a la prensa sensacionalista, demasiado pendiente de premios y reconocimiento, como la muy destacable en la piel del negro que se cree blanco y del ku-klux-klan. Su color multiplica por cien el efecto de lo absurdo. Si sobrecogedoras resultan las deficiencias de los protagonistas, el gran mérito del film está en la evolución nuestro guía hasta acabar afectado. Se trata de una crítica descarnada a los méritos de un sistema obsoleto, que denuncia prácticas abusivas de la época como los baños helados, electroshock o lobotomía por prescripción facultativa. Un cuerdo puede acabar tan mal como los verdaderos enfermos por una praxis equivocada.

Pero la película está repleta de imágenes evocadoras, fantástica la introducción de las imágenes en color de estilo documental que suponen un salto narrativo que provocan un distanciamiento entre realidad y ficción que nos hace más consciente. Desconozco la intención de Fuller, pero el efecto que me produce la introducción de esas imágenes es el mismo que los juegos de Scorsese entre la realidad y la nueva realidad adquirida. También quiero destacar el sencillo efecto de las pesadillas que reproduce a Cathy (Constance Towers) como falsa hermana que afecta la estabilidad de Barret (Peter Breck). Otra curiosidad; si en Vértigo casi nadie recuerda cual el motor que arranca la trama (¿o acaso tú si?), pero que se desvía y acaba desapareciendo para contar la historia de una obsesión, en “Corredor…” sucede algo similar, aunque en ningún momento se pierde de vista el fin último, el desenlace que mueve al personaje se pierde (más bien pierde importancia) y sólo se utiliza como elemento de suspense.

Una película en definitiva para revisar por lo sobrecogedor de algunas imágenes. De lo único que me atrevo a renegar es de esa voz en off del sobreactuado Breck, que ralentiza el ritmo y aporta muy poco a los avances de la trama, y que sencillamente sirve para distinguir entre los momentos cordura y los de locura, pero hablando de imágenes iconográficas que hablan más que mil palabras, destacar ese pasillo infinito que separa el mundo real del paralelo y que da nombre al film. “Corredor sin retorno” hay que revisarla con la inocencia de una película del 63, prescindiendo del ritmo actual, pero sin olvidar la cruda realidad que esconde entre los muros de sus decorados.

Víctor Gualda.

SHUTTER ISLAND

2010-02-28T16:40:00.002+01:00

Por fin llegó la última producción del fantástico Scorsese, ese director que en sus últimas producciones ha perdido el pulso de la carrera que le ha convertido en un clásico incontestable, con la mayor producción de obras maestras en un solo hombre desde Wilder. Y es que su asociación con DiCaprio, desde mi punto de vista por cuestiones puramente de estrategia comercial, ha encontrado una nueva etapa en su cine, que afortunadamente avanza hacia una mejor puerto que como empezó. El aviador, Infiltrados, Gangs of New York, son películas ambiciosa que se quedaron en un quiero y no puedo, y que ahora encuentran una pequeña redención en otra obra menor, pero por encima de las tres producciones precedentes.

Y es que esta isla ha conseguido imágenes francamente desconcertantes, y eso es parte del alimento del cine. Imágenes que se quedan en el imaginario colectivo y que sirvan de referencia a los cinéfilos de futuras generaciones, igual que los clásicos lo son para el director de origen ítaloamericano. Tal vez la diferencia entre su “nuevo cine” y el “antiguo”, es el empeño en adaptar encargos, y la lejanía psicológica con los personajes. Se echan de menos aquellas interpretaciones de DeNiro, pero también el mundo que envolvía a los antihéroes que les hacia cercanos y viejos conocidos. El talento del escritor Lehane es obvio y se ha convertido en el referente de cabecera del cine negro y policiaco. Las tramas son densas y las atmósferas inquietantes, sus personajes solventes y creíbles aunando el clásico detective con las nuevas tendencias literarias, incluso la adaptación mediana (que no mediocre) del desconocido Laeta Kodogridis encaja en el último cine del director, a pesar de meterse más en harina en el subgénero policiaco con cierto aire a serie B. Aun así sale bastante bien parado a pesar de los bajones de ritmo que sufre el metraje, y la falta de mano de Scorsese para manejar el suspense que debería acompañar a la tensión dramática.

Y es que el director se mueve bien en la distancia corta del drama, y se nota su pasión por el cine de género, pero en las partes que debería mandar el suspense nos quedamos sólo con la inquietud y desasosiego del policía que va perdiendo su identidad. Esa parte en la que el espectador debe sentir que su propia estabilidad psicológica se tambalea y pierde la noción de la realidad está solo conseguida a medias, pero hay que reconocer que es aquí donde obtiene las mejores imágenes. Me quedo con alguna de las secuencias oníricas con su mujer fallecida, a pesar de que los flash-backs centrales ralentizan una película ya de por si larga (casi dos horas y media), pero me atrapan los saltos en la línea argumental injustificados como la bajada del desfiladero (alucinación y realidad se confunden), con la secuencia de las ratas y el personaje guía, casi fantasma de la imaginación del protagonista que nos explica que todo lo que pasara será fruto de la manipulación de nuestra mente. Me quedo con la sensación de angustia que planea todo el film, con los personajes manipuladores y cerrados fantásticamente interpretados (aunque no desarrollados) de Ruffalo, pero sobre todo con Kingley y el posible nazi Von Sydow. Me quedo con el giro que supone la vuelta de tuerca del plan de Dicaprio-Daniels que le convierte de golpe de verdugo a víctima atrapada. Me quedo con un desenlace que hace concesiones al espectador-lector y termina con la impresión que todo es un plan maestro, en vez de dejar el desasosiego que produce ser víctimas de nuestros propios pecados (por cierto que el director introduce la culpa como base del desequilibrio del protagonista, responsable indirecto de la muerte de su mujer (indirectamente primero, y directamente en el nuevo destino)

La tortura sicológica de los nuevos personajes de Scorsese se mueve en la delicada línea de la credibilidad, y en esta ocasión la balanza se decanta por un buen desarrollo, lo que demuestra la evolución de un DiCaprio que crece con los años, aunque todavía le falta acumular experiencia para darles el peso de su predecesor en el cargo, que curiosamente ha tomado el camino inverso. Una película para ver al menos dos veces y apreciar los detalles éticos y estéticos de esta Shutter Island.

Víctor Gualda.

INVICTUS

2010-02-17T13:20:00.000+01:00

Me resulta difícil valorar esta película que en su estructura narrativa resulta tan poco convencional. No se trata de un biopic al uso en el que seguimos la biografía del personaje y debemos entender como las pequeñas anécdotas secuenciadas forjan el carácter de un personaje histórico. En el caso de Invictus, partimos de la base de que el espectador en mayor o menor medida sabe algo de Mandela. Por si acaso, y sin entrar demasiado en rasgos personales, unas secuencias semidocumentales nos explican el proceso que lleva desde la salida de la cárcel, pasando por las elecciones que le convierten en presidente de Sudáfrica y su obsesión por integrar a negros y blancos para sacar el país adelante social y económicamente. Hay que dejar atrás el apartheid, y la imagen es tan importante como la intención.

Es aquí donde entra el deporte a formar parte de la estrategia política. El equipo de rugby de Sudáfrica, compuesto casi en su totalidad por blancos esta sufriendo una crisis, y los detractores negros pretenden eliminarlo. A fin de cuentas un nuevo orden preside el país y la revancha sobrevuela en el ambiente. Matt Damon interpreta a Francois Peinar, capital del equipo, un blanco pintado como integrador, que se convierte en cómplice de las aspiraciones del presidente, que no son otras que las de convertir al equipo en un símbolo de la reunificación del país. Una bandera a la que seguir en el futuro campeonato que se celebrará en Sudáfrica.

Sin extenderme en el argumento, Eastwood combina a la perfección dentro de una trama adaptación del libro de John Carlin “El factor humano”, que no está novelado, y dota de estructura cinematográfica para que entendamos que Mandela es un hombre de estado. Personaje positivo sin doblez, igual que el capitán del equipo, entienden que no hace falta dar peso a las personalidades si no es con una función de que la trama/historia avance. Sólo unas pinceladas siempre positivas, para mitificar al personaje ya mítico por sus acciones. Mandela es conciliador, trabajador hasta la extenuación, comprometido, carente de rencor pero con mano firme, y porque no, manipulador (curioso que en el rostro de Morgan Freeman hasta esta peculiaridad se convierta en algo positivo).

Es entonces cuando pasamos a lo que siempre acabamos criticando en este blog de las películas de Eastwood. Para llevar a cabo sus planes, necesita al hombre blanco salvador mesiánico, que tiene en su mano el futuro para salvar “la humanidad”. Tal vez con carisma, pero sin ningún rasgo de duda, el capitán toma el relevo para cumplir su misión. No se cuestiona su labor, no importa enfrentarse a los suyos. Tiene una misión que cumplir y lo hará pese a quien pese. Para mostrar la dualidad, el recurso favorito de Eastwood, luchar contra las convenciones morales de la familia, el suave antagonista cercano que aprieta pero no ahoga.

Con todos los elementos sobre la mesa, y pese a la ambigüedad de las relaciones entre protagonistas, unas secuencias para ablandar corazones pétreos. La celda real donde Mandela pasó cerca de treinta años, alguna frase maniquea para ensalzar la emotividad, y último bloque imprescindible para dotar del mayor heroísmo posible. El campeonato lleva al equipo de Sudáfrica a la final contra el equipo neocelandés. La realidad se apodera de la ficción, ya no hay especulaciones y es en el campo donde nacen los mitos. Es entonces cuando Eastwood acerca la cámara más. El espectador debe sentir que el barro le ensucia. Dos horas y media para alcanzar el éxtasis tan complicado de transmitir. Da igual que te horrorice el rugby. Es un deporte de contacto físico, una batalla en el campo que sólo puede ganar uno, y que servirá de escaparate mundial para trasladar a otra orbita algo que muchas veces está politizado pero que en este caso y en muchos otros une. El deporte.

Me quedan las dudas de si la historia ocurrió así, o fue al contrario, Mandela tal vez vio la oportunidad cuando la cosa se estaba fraguando, desde luego resulta una jugada maestra que extraña por la falta de ambivalencia de los personajes. Me resulta inaudito que personajes reales no tengan defectos. Me paso con Harvey Milk, y me vuelve a pasar ahora. Lo que si es cierto, es que la asociación de Eastwood con Freeman vuelve a dar resultado. Atención además al acento de este Mandela que se convierte en Freeman, muy trabajado y que junto a ese carisma tranquilo que desprende, le vale la nominación a los Oscar

Víctor Gualda

AFTER

2010-02-12T10:51:00.001+01:00

En honor a la verdad, hay poco que objetar a esta película que sorprendentemente se ciñe a la perfección a un guión de Rafael Cobos más sustentado en la forma que en el fondo, pero perfectamente válido y desde luego llevado con muy buen pulso por Alberto Rodríguez. Otra cosa será que el tema: La soledad a través de personajes que presuntamente no lo están, como reflejo de la sociedad demasiado volcada hacia el exterior y poco dada a cultivar el interior, tal vez esté llevado al extremo. Para mí, fallo de una película por lo demás más que correcta a nivel formal, y fantástica en sus interpretaciones.

Lo primero que hay que destacar de la cinta, es la estructura. Tres personajes: Julio (Guillermo Toledo), Manuel (Tristan Ulloa) y Ana (Blanca Romero) amigos y con vidas y ocupaciones independientes, que se reúnen presuntamente cada cierto tiempo para irse de fiesta, y no perder aquella capacidad de aislarse de los problemas diarios desfasando y buscando una adolescencia que nunca volverá. No es ningún disparate, es un reflejo sino general, si habitual. Con cuarenta años todavía eres joven, y las salidas dislocadas hacen que olvidemos los problemas diarios. Pues bien, el guión trata el tema desde tres puntos de vista diferentes, con situaciones vitales diferentes (recurso fundamental y acierto de la cinta). Lo hace de una forma sencilla y efectiva; crédito con el nombre del prota, y sobre una línea temporal que abarca prácticamente una noche, cada uno, y con ellos el espectador, vive la noche de fiesta de manera diferente. El espectador será el que decida cual es la situación más próxima a la realidad, ya que más allá de la mera repetición (que también) hay pequeñas variaciones dentro de la misma situación. Un acierto de estructura; sencilla, pero bien trabajada.

La otra característica sobre la que se sustenta la película, además de los lógicos conflictos entre los personajes, que sirven al tiempo para definir sus miedos o sus necesidades, es la fantástica interpretación de (sobre todo) un Guillermo Toledo que sencillamente está brutal. Es fácil pensar que interpretar un personaje pedo es fácil, pero Tristán Ulloa y también Blanca Romero están magistrales. He visto mucha gente puesta hasta las cejas en la calle, y lo que veía en la pantalla no desmerece y un ápice la realidad. La cara abotargada, los movimientos imprecisos, la forma de hablar, la continuidad entre los planos grabados algunos en momentos diferentes. Sinceramente me quito el sombrero ante papeles que no están suficientemente valorados porque tienen un arco interpretativo corto y poca evolución dramática, pero ayudados por las situaciones con las que se complementa cada trama, entendemos las actitudes y refuerzan la interpretación. No quiero olvidarme de Blanca (nominada a actriz revelación). No está al nivel de ellos, porque sus angustias están menos desarrolladas con situaciones concretas, y casi siempre relacionadas con Ulloa (subtrama del perro, subtrama personal con Tristán) y en menor mediada con Toledo, pero en ningún momento desentona, y brilla en alguna ocasión por encima de sus compañeros. Si no se vuelve loca (me refiero a que se crea mejor de los que es y estanque su evolución), estamos ante una actriz que nos dará muchas alegrías en el futuro.

Lo que si es cierto, es que el director Alberto Rodríguez no da opciones a los personajes. No da la opción de la esperanza, ni siquiera conforma al espectador con un plano en el que todo vuelva a la normalidad, en vez de eso aparca la película con la secuencia “caliente” como clímax, y un bajón considerable como desenlace y eso deja un desazón difícil de suplir. Necesitamos pensar que después de esa noche todo volverá a la normalidad y que hay esperanza de que cada personaje redima sus carencias, y mejor si es con un plano de los tres juntos… que resultaría igual de valido, con el mensaje claro, pero como en la vida real, con la idea de que la vida sigue y el fin de semana siguiente habrá una nueva falsa esperanza de recuperar lo perdido con los años.

Víctor Gualda.

LA CINTA BLANCA

2010-01-31T00:18:00.005+01:00

Michael Haneke se ha convertido en uno de los directores más reputados del mundo por su capacidad de hurgar en los miedos colectivos y crear sensaciones de angustia. La violencia, casi siempre implícita, pero también a veces explicita, remueve las conciencias de las clases medias acomodadas europeas (su principal público). La cinta blanca no podía ser menos. Los premios ya recibidos y los que le quedan por recibir la avalan como película indispensable en su filmografía, por no decir obra maestra indiscutible.

La acción se traslada a un pueblo alemán un año antes de la primera guerra mundial. Haneke se toma mucho tiempo (tal vez demasiado) en presentarnos la estricta disciplina moral a la que son sometidos los jóvenes del pueblo, pero no sin antes iniciar la tensión con un atentado sobre el médico. De esta forma abre una trama que podríamos considerar un falso thriller coral, y el drama cotidiano que explica el carácter de una sociedad endogámica que vive de cara al exterior, pero escondiendo sus propias miserias. La hipocresía de la religión es una presencia consciente o inconsciente a lo largo de todo el metraje, y uno de los temas que crítica la película. Un duro yugo que se cierne sobre las cabezas de los habitantes, que han acomodado su vida a las apariencias. Todos saben, pero todos callan. La religión está construida sobre los andamios de la culpa, y este es otro tema que explota el director y que enlaza el thiller y el drama, en una trama que poco o nada tiene que ver con las convenciones que nos llegan desde el otro lado del atlántico. Ese es el gran acierto de este director, que es capaz de ponernos un espejo delante, en el que los europeos y nuestro sentimiento de culpa heredado de la religión, nos hace tremendamente frágiles y maleables. Los valores morales anteriores a la guerra, aunque a veces también extrapoladles a la actualidad, estrangulan tanto que el resultado sólo puede ser la violencia, parece querer hacernos reflexionar el director

El hilo conductor de la trama es el recurso de la voz en off del maestro del pueblo, que recuerda lo sucedido en el curso del año anterior a la guerra. Fantásticamente utilizado porque tiene la habilidad de no contarnos lo que vemos en pantalla, sino complementar y seguir el drama/misterio de los “atentados” selectivos. Interesante también resulta el recurso de elegir a los protagonistas por ser los representantes morales de la sociedad dentro de este microcosmos. El médico, el cura, el maestro… así como la utilización de los niños representantes del futuro casi inmediato, y el papel de la mujer casi invalidado dentro de la comunidad. La simbología, el blanco y negro, y la brutalidad de algunas secuencias dialogadas crean un tono que empuja al espectador contra el sillón. Haneke plantea las preguntas pero da pocas respuestas, involucrando al espectador para obligarle a reflexionar (como es habitual en su cine). Las relaciones clandestinas e incluso incestuosas, son apenas sugeridas; los caracteres de sus personajes, la diferencia de clases (que dan lugar al odio y la envidia) sus miedos, sus iras... nada es explicito. Tal vez con la excepción de la secuencia en la que el maestro (y el espectador despistado) comprende el significado de los actos, que resulta incluso demasiado obvia y explicativa. Da igual, porque ni siquiera la verdad tiene cabida en una comunidad tan cerrada que prefiere vivir en una mentira perpetua.

Haneke recuerda a Dreyer y su sentido de culpa por momentos, también a Bergman y sus reflexiones sobre la muerte, pero sin perder sus señas de identidad englobando todo en el miedo y dando la solución de la violencia, el odio y el rencor como únicas vías de escape. Lo extraño es que ahora el reconocimiento le venga de EEUU, tal vez en el reflejo individual de una sociedad reprimida, pero menor en el colectivo. La cinta blanca, no es una película para todos los públicos, el ritmo compensado pero lento y la larga duración del metraje, unido a un blanco y negro que parece trasladar a otra época y una planificación sobria, hacen de esta película una obra de culto instantánea de esas que se estudian en las escuelas de cine. Una película indispensable, pero difícil de recomendar al gran público.

Víctor Gualda.

UP IN THE AIR

2010-01-26T16:48:00.002+01:00

La premisa sobre la que se sustenta esta película es sencilla. Un tipo (Clooney) trabaja viajando para despedir gente en empresas en las que los jefes no se atreven a tomar la iniciativa. En realidad poco o nada tiene que ver el mercado laboral americano con el nuestro, así que por lo que vemos la identificación está completamente descartada. Toda la película se sustenta en el simpático capullo solitario que interpreta Clooney (Ryan Bingham) y en la visión simplista de la situación socioeconómica de unos EEUU también en crisis. Opción oportunista que me recuerda a la época de las películas de Capra y su visión positiva del individuo y moralista de la sociedad.

Para empezar el conflicto de la película es prácticamente inexistente. Tal vez hubiese estado bien que el propio Clooney hubiese sido despedido para sufrir en sus carnes una situación injusta y dolorosa. En vez de eso, nos presenta al personaje como un solitario egoísta sin ninguna empatía con la gente que va a despedir. Su trabajo consiste en minimizar los costes para las empresas y evitar las posibles demandas, y para ello se valdrá de una palabrería hueca muy lejana a la realidad, y frases echas. Los guionistas Reitman (también director) y Turner, se valen del recurso en alza de las nuevas tecnologías para desbancar y abaratar los costes de los despidos, una vez desaparecidos los viajes de los matones que hacen el trabajo sucio, una sencilla pantalla de ordenador será la forma de comunicación. El personaje de Clooney, con una doble moral que parece reflejar la de su sociedad, arremete contra las nuevas formas, y trata de demostrar que el individuo es insustituible y se lleva a la joven aprendiza presunta experta en despidos on line (Anna Kendrick) de viaje para que viva por si misma las situaciones reales. Y aquí se supone que está la paradoja y el conflicto. Falso, la única que aprende, la única que se humaniza y evoluciona es Natalie-Kendrick. Clooney-Bingham permanece en su torre de cristal y nada crece en su personaje dentro de la trama principal.

Pero como el recurso manido de la repetición se hace cansino, y reiterar los planos jugando con su maletita, han introducido un personaje complementario/antagónico para que el ¿antihéroe? se de cuenta de lo desamparado que está, y otra subtrama que lo ablande con la boda de su hermana. Será entonces cuando lo ridículo de la situación se dispare hasta el infinito. No desvelaré el desenlace, pero supone una patada en los genitales del personaje de Clooney, y una constatación de que la doble moral americana es la que manda… o cómo interpretar la secuencia en la que él va en busca de su “chica”, porque se da cuenta de que no puede morir sólo y que la vida es más bonita con alguien al lado. El moralismo barato que nos vende la película es una mierda tan hipócrita como su propio personaje, la deshumanización de una sociedad capitalista que no entiende de personas sino de números está aquí, y el protagonista lejos de descubrir que dentro de el hay una persona con sentimientos, entiende que no hay esperanza para el individuo, y lejos de luchar contra la sociedad, o contra si mismo… o contra algo, sólo reacciona de manera artificial en un par de secuencias, para descubrir que en realidad todo es mentira (y no me vale la idea de que igual eso precisamente es lo que denuncia, porque entonces el personaje hubiese reaccionado). Al final te quedas con la sensación de que la única salida es la de uno de los despedidos, tirarse por un puente. Buen mensaje para una película que pretende ser una comedia negra, y que se queda en un drama blanco.

Que conste que la película me resultó entretenida y aunque conserva el tono y muchas similitudes entre los personajes, principalmente de “Gracias por Fumar”, y la idea de hacer una crítica de la sociedad aparece en ambas, el último plano de “Up in the air” rompe las buenas intenciones, mientras que “Juno” es mucho más fresca y tiene poco que ver. En esta sólo rescataría la realización en las secuencias de la boda de la hermana, que se escapan del cine convencional para resultar más dinámicas e independientes (fantástica la secuencia del tablero de fotos), pero no es suficiente para compensar un guión que arrastra un mensaje demoledor, que parece financiado por las grandes multinacionales como excusa para abaratar costes. A fin de cuentas si el que te despide también tiene sus propios dramas, todo es más llevadero… y es que todos los grandes hombres pasaron por esa situación para convertirse en lo que después fueron.

Víctor Gualda.

SHERLOCK HOLMES

2010-01-22T11:50:00.006+01:00

Después de ver esta película, mi primer impulso es decir que es una mierda, de presupuesto, pero una mierda. Dándole vueltas al asunto, tal vez esté influido por las novelas y las películas que se han hecho del detective, puede incluso que todo sea una cuestión de prejuicios puristas, así que le voy a dar el beneficio de la duda antes de sugerir esperar a que se edite en DVD.

Lo cierto es que el bueno de Ritchie no puede ser el único culpable de la caracterización de estos improbables Holmes y Watson, e imposible guión, ya que el texto lo firman Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg. Ni siquiera voy a decir que Ritchie se repite más que la cebolla y que su carencia de talento en la realización de cine (que no de videoclips) es más que evidente, y que ya ha tenido tiempo de demostrar que es capaz de hacer cosas diferentes. Desde la elección de los actores, pasando por la desmitificación del personaje, por el ritmo defectuoso y por la pretenciosidad del film, todo lo que se me ocurre es negativo.

Que conste que convertir a Downey Jr alias pseudo Sherlock en héroe de músculo no me parece mal, incluso se agradece. El problema es el resto de la caracterización. Olvidemos el pequeño detalle de que el personaje es yonki, que sólo lo recuerdo en la versión de Wilder, pero entiendo que para vender hay que obviar; olvidemos que Holmes es misógino empedernido y tal vez gay reprimido, pero no explicito como muestra esta versión; que le apasiona el violín y no las performances con cuerdas, y lo más importante; que su atractivo está en la pedantería de su deducción siempre por delante de Scothland Yard y no en la reproducción macarra de los hechos con la complicidad de la policía (como en la secuencia de la estrella en el suelo por ejemplo).

De Watson-Law poco o nada, ya que en esta buddy movie, es un personaje complementario cuyo única función (ya que la de cronista se le arrebatan con el punto de vista siempre en Downey Jr) la de médico, es anulada casi en el arranque del film, y sencillamente sirve de extensión como cinturón negro, y como niñera a tiempo completo de un enfermo mental... Del personaje interpretado Rachel McAdams poco o nada ya que está introducido como mero contrapunto femenino y apenas se notaría si se eliminara del film.

De la trama; la deficiente y un tanto equivoca mezcolanza de las sectas satánicas (luego arrebatada para no dejar nada a la imaginación) y las sociedades masónicas, lideradas por un personaje que ha perdido antes de comenzar y cuyo atractivo no es que sea una mente brillante, sino que conoce su propio plan, desmitificado casi desde el comienzo, desaprovechando el posible morbo de la inmortalidad, y arrebatando el misterio a una trama demasiado enrevesada para tan poco. Del tono; la comedia americana más burda muy lejos de la fina ironía y del humor negro ingles, olvidando el suspense y centrándose en la sorpresa. Del ritmo; deficiente y mal administrado con un metraje demasiado largo y mal distribuido, alargando demasiado secuencias que no aportan nada a la trama y dando demasiado peso a las secuencias de acción. Hasta tal punto, que el espectador llega el desenlace tan cansado que la efectista secuencia del puente resulta menos interesante que otras anteriores.

Lo peor de todo es que la presentación esquiva del personaje de Moriarty, promete una franquicia de varias partes iguales o peores que la primera. Por los mentideros corrió la voz de que cuando la Warner vio el primer montaje de la cinta, hizo a Ritchie grabar nuevas secuencias de todos los personajes y remontar todo el metraje. Me pregunto si dada su capacidad para la postmodernidad que rápidamente se quedan anticuada, la Warner volverá a contar con él para las secuelas, precuelas etc… La publicidad ha convertido la película en un éxito de taquilla, pero me temo que es un espejismo muy lejano al personaje literario de Arthur Conan Doyle, que realmente es el sustento del negocio, así que creo que puedo afirmar que no es una cuestión de purismo, sino más bien de sentido común decir que este Sherlock Holmes es una basura.

Víctor Gualda.

CELDA 211

2010-01-18T09:55:00.003+01:00

Aunque reconozco que los prejuicios ante el unánime impulso de la crítica me habían cortado a la hora de ver esta película, tengo que reconocer que eran sólo prejuicios. La ley que obliga a las televisiones a invertir dinero en cine ha conseguido que las cadenas privadas tengan un departamento dedicado al séptimo arte, y estas lógicamente apuestan a caballo ganador. Los riesgos se minimizan y eso tiene una cara negativa, pero buscar el beneficio obliga a producir cine muy concreto con clara vocación comercial, que a veces aporta algo más. El departamento de cine de Tele5 tiene poco que ver con el que da luz verde a su parrilla televisiva, y Ágora y Celda 211, son apuestas ganadoras que dignifican el pobre panorama cinematográfico español.

Y no digo que la película de Daniel Monzón sea una obra maestra, nada más lejos de la realidad. Desde la primera película el director ha dejado ver una intención de llegar a todos los públicos de forma un tanto americanizada, pero no por ello exenta de calidad. Tal vez esta Celda 211 sea su apuesta más acertada. Este director ha madurado y exprimido el cine que toma prestado del otro lado del atlántico, y en esta ocasión lo ha fusionado con aspectos patrios de nuestra sociedad (lo cual por cierto se agradece). Adaptación de la novela de Francisco Pérez Gandul y con la colaboración de Guerricaechevarria, Monzón ha conseguido un film dinámico, con los tiempos muy bien marcados, y sustentado sobre interpretaciones fantásticas. No sólo la del próximo Goya al mejor actor Luís Tosar, que sencillamente se sale de la pantalla, y del que no voy a decir nada porque esta todo dicho, sino sobre un plantel de secundarios que aportan credibilidad y buen hacer. Habría que dedicar un artículo completo a las interpretaciones acertadas de Morón, Solo, Etura, Romero, incluso las de Resines y Bardem que tal vez sean el mayor lastre de guión, que no de interpretación… pero tranquilos que no hay espacio en el blog. Baste decir que sin estas aportaciones, sumadas al acertado montaje de Mapa Pastor, la música de Roque Baños y sobre todo a la cámara dinámica de ese francotirador maravilloso que es Carles Gusi, que siempre aporta credibilidad en estas películas que dependen menos de las marcas y más de que el encuadre sea el que busca al actor.

Por poner algún “pero” a esta película más pequeña en producción de lo que ofrece en pantalla, será la definición de los roles lo que se me atraganta. Esta claro que el personaje de Malamadre está claramente definido, y convenientemente evolucionado, también el de Juan (Ammann) con algún momento de sobreactuación y un giro dramático un tanto impostado. Pero será la indefinición de los “malos”, a pesar de lo acertado de las interpretaciones, lo que menos me convenza. Ninguno de ellos está dramáticamente desarrollado. Son estereotipos que en realidad no encarnan a individuos, sino a instituciones deshumanizadas representadas por cargos públicos (o a la hipocresía de un sistema demasiado pendiente de los medios de comunicación). El mensaje parece ser que el sistema siempre aplasta al individuo, y estamos de acuerdo, por eso el personaje de Resines es sólo un peón forzado de guión que sirve de engranaje para forzar un cambio en el coprotagonista (Ammann), pero en realidad su subtrama está metida con calzador (terrible el plano de televisión en el que se levanta el casco), en un libreto por lo demás bastante homogéneo. Pasa lo mismo con el personaje del hermano Bardem, un colombiano de México que está instrumentalizado para producir un desenlace que acaba justificando de alguna manera al “malo” real, que no es otro que el estado, y que además de forzado (me refiero al desenlace) me resulta un tanto mal rodado. Esta apreciación, reconozco que es bastante subjetiva porque me da la impresión de que algo entre el punto de vista y el montaje falla en ese clímax que después de la cercanía de todo el metraje se me hace por momentos lejano y ajeno.

Me reitero; merece la pena ver esta película porque con el permiso de Ágora, Gordos, El baile de la victoria, El secreto de sus ojos (la producción es de Tornasol) e incluso la no nominada Los abrazos rotos, Celta 211 es la mejor, o al menos la más completa película española del año… aunque eso lo decidirán los académicos en un par de meses.

Víctor Gualda.

AVATAR

2010-01-09T12:49:00.004+01:00

Cuando vi estas navidades Avatar, no tenia claro que me hubiese acabado de convencer. Por eso no me animé a escribir una crítica inmediata. Mejor dejarla reposar unas semanas y luego decidiría si escribir algo. Ahora que ha pasado el tiempo, creo que en líneas generales me pareció una película emocionante, con buenas secuencias de acción y muy bien distribuido el ritmo, algo complicado para un film que dura más de dos horas y media, pero no es oro todo lo que reluce.

La película tiene la virtud de tener un guión más que correcto. Con una presentación de la trama, los personajes y sobre todo, del mundo en el que Cameron nos va a introducir (fundamental en el cine fantástico) más que correcta, diría que fantástica. El tono y los efectos visuales parece que han alucinado a todo el mundo, a mi me han parecido más de lo mismo (¿o es que alguien sabe distinguir la técnica digital que han utilizado?), aunque reconozco que no la vi en 3D. A estas alturas en las que todas las películas americanas están repletas, los efectos deben ser sólo un vehiculo efectivo (y efectista, por qué no) para contar una historia que atrape al espectador. Hasta en este punto tengo que reconocer el merito de un director con una película de tan grandes dimensiones como su ego. El problema es que cuando rasco veo más de lo mismo. Cartón piedra sin piedad e ideas moralizantes a grandes rasgos con las que cualquier individuo de a pie debe estar de acuerdo, pero que en el desarrollo lógico de la trama caen por su propio peso como lugares comunes.

Y es que por muy azules que sean los muñecos protagonistas, el trasfondo no deja de ser hipócrita y los personajes no dejan de ser estereotipos de buenos contra malos, llevados más lejos con la ayuda de la ciencia por un lado y los militares por otro. Y es que semanas después de la reunión de Copenhague sobre el cambio climático, hablar de individuos, héroes (tan necesarios en las crisis para todos los que gustamos de sentarnos en el sillón mientras otros arreglan los problemas) que son capaces de hacer frente a los sicópatas despersonalizados que representan empresas privadas, ejércitos y gobiernos, no son más que una utopía de mercadillo. Y la idea está bien, pero se ciñe tanto a los giros dramáticos de manual, que casi da vergüenza ajena cuando el héroe minusválido consigue sus propósitos contra las superpotencias bélicas, después, por supuesto como mandan las reglas del guión, de que todo parezca perdido.

Definitivamente las historias que funcionan siguen siendo las que hablan de amistad, amor, compromiso, y sobre todas las que tienen un final positivo, es decir, las de toda la vida. Pero estas buenas intenciones no son revolucionarias, así que tras una campaña de marketing devastadora que incluye anuncios, carteles, videojuegos, muñequitos, estreno para las navidades y demás parafernalia, con un presupuesto en publicidad mayor que varias películas españolas juntas, es difícil no caer en la tentación de ir al cine a ver esta superproducción. Nadie parece salir decepcionado porque la película da lo que promete; espectáculo visual a raudales. Pero por desgracia a estas alturas para mi no es suficiente con los fuegos artificiales. A día de hoy la película más cara de la historia ya ha duplicado en taquilla su desorbitado presupuesto. Hay quien dice que pasara a la historia, pero por suerte, las películas que lo hacen son aquellas que prescinden de los estereotipos. Las que tienen personajes complejos con conflicto interno (aquí levemente matizados por rasgos de personalidad del personaje minusválido, los demás son sencillos muñecos) No es suficiente con que un héroe luche contra el sistema, de paso se lleve a la chica, y salve un mundo paralelo. No es suficiente con el discurso pronaturalista sustentado en la destrucción. No es suficiente con unos efectos especiales que evitan mezclar la imagen real y la digital (los pocos planos cortos en que lo hacen cantan por bulerias). No es suficiente con que me vendan motos usadas. Avatar es igual que “La guerra de las galaxias” en simple, o peor aún Avatar es igual que Titanic pero con más efectos especiales. Eso si, le reconozco el merito a Cameron que justifica cualquier apuesta arriesgada. No creo que nadie se aburra viendo esta película… ¿acaso el cine americano es algo más que puro entretenimiento?

Víctor Gualda.

GENERATION KILL

2009-12-31T19:55:00.003+01:00

Dentro del mundo series, recientemente se ha editado en DVD esta miniserie de la HBO sobre la segunda guerra de Irak. A priori tal vez sólo sea atractiva para los que gusten de hazañas bélicas. Como no es mi caso, la vi con reservas y por recomendación. Enseguida me di cuenta de que la serie esconde realidad y crítica, y huye de los convencionalismos patrióticos y panfletarios. Basada en el libro del reportero Evan Wright y adaptada y producida por Ed Burns y David Simon cuenta la invasión de las tropas americanas a Irak a través de los ojos de una unidad de marines americanos.

Igual que me pasó con la también fantástica “Hermanos de Sangre”, al reducir el drama a un conjunto de personajes que tiene que vivir en las condiciones extremas de la guerra, nos alejamos del componente político que llega a través de las imágenes de televisión o de los periódicos. Casi de inmediato olvidamos los verdaderos intereses económicos que mueven las guerras y entendemos que los soldados son individuos que sienten y padecen. La mayoría convencidos de que están haciendo un bien para la humanidad, y por supuesto con sentimientos encontrados ante la muerte. La justicia y la injusticia tienen un nuevo matiz más personal a través de los ojos de los soldados, todos ello sin olvidar los propios conflictos entre los miembros del batallón, con el mando, las prioridades de guerra, o los conflictos étnicos y la deshumanización que producen las condiciones extremas. De hecho las secuencias con escenas en combate están reducidas a un par a lo largo de los siete capítulos que componen la miniserie.

En cuanto al formato, está rodada con cámaras digitales muy dinámicas en las escenas fuera de los vehículos y que acompañan casi en todo momento a los personajes dando la sensación de movilidad e imagen documental. También la estructura del guión en este caso, como si el espectador adquiriese el rol del periodista de Rolling Stone (alter ego de Wright) que acompaña a los soldados en la misión, que por los datos, anécdotas, desarrollo de los personajes y desarrollo de las tramas, se limitase a mostrar recortes de lo sucedido en campo de batalla, y en conjunto, el espectador sacase una visión general que compone un todo con la línea argumental que va desde la entrada en Irak hasta la ocupación de Bagdad. De esta forma el punto de vista esta desarrollado en general desde el diálogo y no desde el interior de los personajes o la acción, marcando una distancia fría y objetiva que impide identificarse con los soldados, como si por el hecho de no formar parte de su unidad, el espectador nunca pudiese pertenecer a esta particular familia de los marines. También se deja ver que la idea de reflejar objetivamente lo narrado en el libro hace que nos alejemos de la estructura tradicional del cine para acercarnos a algo parecido a la realidad. En un guión tradicional las tramas se cierran, el espectador necesita que las situaciones injustas se resuelvan, que por pequeñas que sean las subtramas, estas tengan una resolución, que el enemigo no tenga personalidad y sencillamente represente “el mal”. Aquí las resoluciones no llegan, la impotencia se adueña como en la vida real del espectador que ve como la injusticia, la culpa, los enchufes o los mandos se equivocan. Los malos prácticamente no existen, ya que sin entrar en profundidad en personajes Irakies (tan sólo un oscuro traductor) están humanizados cuando son civiles, y justificados cuando son soldados que sencillamente hacen sus trabajos. Las balas son parte de la batalla y no entienden de bandos, y como dice uno de los protagonistas, ellos no son más que guerreros ancestrales que cumplen con su obligación.

Para recrear el Irak de los últimos días de Hussein, los responsables trasladaron el rodaje a Sudáfrica y Mozambique. Como pocos hemos estado en la zona de conflicto la credibilidad está a salvo, en parte gracias a la fantástica producción. Por cierto, quiero destacar del extenso reparto a dos actores que creo que destacan por encima de los demás, a Alexander Skarsgard como jefe de grupo (Iceman) y al conductor medio yonqui interpretado por James Ransone, pero en general el nivel de todo el reparto es muy alto. La serie está dirigida sólo por dos directores (en este tipo de series suele haber uno por capítulo) Simon Celton Jones y Susana White. No se si es casualidad pero creo que los que dirige ella (caps 1,2,3 y 7) están mejor aprovechados que los que dirige él. En definitiva, recomiendo “Generation Hill” como otra gran serie de esas a las que ya nos tiene malacostumbrados la HBO, y que por supuesto son impensables en nuestra mediocre producción televisiva.

Víctor Gualda.

SEVEN

2009-12-21T20:50:00.004+01:00

En realidad creo que ya se ha dicho todo de esta película que con los años se ha convertido en un referente de los thrillers, y como algunos dicen, un clásico moderno. La reedición después de años descatalogada es lo que me ha animado a revisarla. Se trata de una gran película que consigue mantener el interés gracias a un guión sólido, y a una peculiaridad poco corriente en el cine made in Hollywood, un final negativo aunque coherente con el desenlace. Afortunadamente la película se pudo realizar como la conocemos a pesar de las presiones de algunos ejecutivos para cambiar todo el final, que la hubiesen convertido en otra película de psicópatas del montón.

A lo largo del metraje dos policías (Pitt y Freeman) lucharan por encontrar y detener a un enemigo invisible que siempre va por delante. Este es uno de los aspectos más interesantes del film. Fincher consigue crear la falsa impresión de que estamos ante una película llena de violencia y acción, pero no es cierto. Hasta más de mediado el metraje no hay una sola secuencia dinámica en la que los protagonsitas están a punto de cazar al “malo”. Y aun así, cuando esta se produce el personaje de Pitt es “perdonado” porque le espera un destino predeterminado por el asesino que ejerce de dios. Hasta este momento el director ha conseguido algo realmente complicado; mediante escenas estáticas crear una atmósfera envolvente a través de los escenarios de los crímenes o fotografías de los muertos. La película en este primer tramo está dominada por la estética que consigue una atmósfera opresiva y oscura a lo largo de una semana, y que lleva a hacer pensar al espectador que Nueva York (cuyo nombre no se menciona) es una ciudad apocalíptica directamente emparentada con el drama seguro.

Pero está a punto de llegar el momento culmen del tercer acto que hace esta película especial, la autoentrega del psicópata (dicen los expertos que los psicópatas siempre buscan que les acaben pillando) aquí justificada por el guión. A estas alturas quedan dos pecados capitales, la envidia y la ira. El personaje interpretado por Kevin Spacey es detenido y quiere llevar a los policías al lugar donde están los dos muertos que aun quedan. Fantásticos los monólogos de Spacey que con unos sencillos primeros planos en el coche desarrolla toda su teoría de la conspiración mientras la trama juega con la tensión y a la intranquilidad de descubrir como se resolverá la situación. Además funciona a la perfección porque uno de los picos climáticos ha sido en la comisaría, así que el necesario “descenso” del ritmo se aprovecha para presentar y desarrollar al psicópata sobre el que se han creado expectativas tras cada asesinato. Por vez primera el espacio se desarrolla fuera de esa babel que resulta la oscura y gris ciudad (aunque las torres eléctricas y el paisaje desangelado no son precisamente reconfortantes). La llegada de la caja que trae un mensajero producirá un desenlace inesperado y duro que deja pegado al espectador al sillón.

Y es que la clave en este tipo de películas en las que el punto de vista principal lo domina el policía que persigue al asesino, está en mantener el mayor interés posible sobre él. En otros thrillers de la misma altura como “Hunter” de Michael Mann (primera película precursora de “El silencio de los corderos” basada en el libro “El dragón Rojo”) el asesino aparece antes para crear la tensión en el espectador de si el buen policía será capaz de atraparlo, y hasta que punto el antagonista está loco. De esta forma tememos por nuestro protagonista y el guión juega con el suspense y la incertidumbre del peligro cercano. En el caso de “Seven” el suspense se condensa justo después de atraparlo (se ha utilizado la sorpresa, pues se entrega) y esto genera la tensión de saber “qué” oculta el asesino. El discurso sobre la excusa moral de los pecados capitales no tiene mayor interés que el de crear un móvil para el asesino y al tiempo un estilo estético y una atmósfera.

Los actores están además a un nivel extraordinario. El joven Pitt se desenvuelve a la perfección en el papel de pardillo recién llegado que necesita autoafirmarse, pero gracias a la subtrama de su mujer (imprescindible para que funcione el desenlace) nos acerca al personaje de Gwyneth Paltrow y hace que nos identifiquemos, el personaje del detective se humaniza y se despega del estereotipo, lejos del sencillo buddy movie con el que arranca el metraje. También temporalmente está muy bien desarrollada la trama, con pequeños matices a lo largo de las dos horas y dentro de secuencias que hacen avanzar la acción sin entorpecer el metraje (como le pasa habitualmente a Mann por ejemplo). Con todo el interés generado sobre los protas, sus situaciones personales, y el desarrollo de la trama; la caja de cartón cuyo contenido imaginamos (lo que produce un mayor desgarro psicológico) hace que el espectador se ponga en el lugar de Pitt, y apretase el gatillo el mismo si tuviese la ocasión. Fantástico final negativo, para una fantástica película que supuso un cambio en la manera (al menos estética) de rodar los thrillers, y que de momento no ha sido superada ni por el propio Fincher en su siguiente película con caza al psicópata; “Zodiac”.

Víctor Gualda.

NARANJOS EN FLOR - LA VIDA ANTE SUS OJOS

2009-12-16T19:37:00.008+01:00

Dos películas recientemente editadas más por el peso de sus actores que por el peso de sus argumentos. La argentina “Naranjos en Flor” una serie B con todas las de la ley, y “La vida ante sus ojos” un telefilme también con argumento un tanto serie B. Ambas más pretenciosas que lo que realmente ofrecen, pero ambas entretenidas una vez desechadas las aburridas superproducciones de efectos. Dos películas para experimentar y ver casi simultáneamente.

Por un lado la argentina con un argumento que recuerda a las novelas negras de aeropuerto, conducida por una actriz tan impostada como poco creíble, Maria Marull, reforzada además su ya de por si poca credibilidad con una voz en off explicativa. Malena-Marull es una sicoanalista justiciera entrometida que se mete ella sola en un lío con asesinato de por medio, al tiempo que trata de encontrarse a si misma. Las buenas acciones no tienen recompensa en los barrios bajos, y su sentido de culpa la introduce más en el charco… aunque le ayuda a conocer mundo. Mientras tanto en la peli americana un juego continuo de flash-backs que despistan y una introducción también con posible asesinato, aunque este más elaborado y mucho mejor contado, creando incertidumbre nos introduce en la vida de Rachel Evan Word-Uma Thurman-Diana. Al parecer los efectos de lo que sucedió en el high schooll son arrastrados a su (en el futuro) matrimonio perfecto. Al menos aunque el ritmo y la repetición para situar al espectador son lentos, todo indica que será una cuestión de paciencia que la situación explote. La tensión contenida es una forma como otra cualquiera de retener al espectador ante la pantalla.

Una vez presentada la situación, los Naranjos en Flor introducen el resto de los elementos de la trama. La mujer del desaparecido (Dalia Elnecavé), y sobre todo a Eduardo Blanco, un actor para causas mayores, como ya vimos en películas anteriores, pero que le da lustre a un personaje de policía ambiguo que recuerda poderosamente a los patrios de décadas precedentes de nuestra propia historia (¿será por ser coproducción?). Un extraño placer este de reconocernos en otras cinematografías que nos recuerda que estamos emparentados con ellas más allá de la peculiaridad de llamar al personaje Sabina, Sabinita, que se utilicen estrofas de sus canciones como diálogos o aparezca el propio músico cantando en pantalón de pijama. Está claro a estas alturas que la sosa protagonista, por mucho que se cambie de peinado y acorte sus faldas, esta destinada a caer en los brazos del atípico seductor, así que nada sorprendente bajo el horizonte cuando llegan las escenas de cama setenteras que mandan en todo el segundo acto de película.

Mientras tanto en la vida ante sus ojos nos dedicamos a conocer a las dos jóvenes protagonistas (hay otra actriz coprota que hace de amiga, Eva Amurri). El antagonismo de sus personalidades para reforzar la de la futura Thurman y que entendamos e interpretemos que arrastra trauma de lo que ocurrió frente a un arma semiautomática en un baño del instituto. Es curioso en este film que los acontecimientos se multiplican pero sin variar el ritmo interno del relato. Por mucho que suceda, por muchos precedentes que marque lo que será el desenlace, tenemos la sensación de inamovilidad, que es reforzada machaconamente por la repetición. A estas alturas me preguntaba cual sería la sorpresa que me esperaba, porque no puede ser casual tanto énfasis en una secuencia que sin variar el punto de vista (como hizo en Elephant Van Sant) y el tiro de cámara asistamos una y otra vez a la misma situación.

Llega el tercer acto de ambas películas, y nada nuevo en el horizonte argentino. Me pregunto si no será impostado el defecto constante de la fotografía, la imagen sucia y cutre, el montaje de colegio que edita las secuencias sin ninguna elipsis ni siquiera en los inicios y finales de la escena, produciendo un efecto teatral, reforzado además por cortes y fundidos a negro para volver al mismo sitio (no veía algo así desde principios de los noventa) prefiero pensar que el director y guionista Antonio Gonzalez Vigil tal vez intente crear un vinculo con el espectador utilizando recursos anticuados, antes que pensar que alguien se lo encontró por la calle y le propuso hace una peli, porque el desenlace que trata de jugar a la sorpresa es tan previsible y burdo que no pude dejar de reír. Mientras tanto en la otra pantalla, por fin llegan los sobresaltos. Aquí si que tengo que reconocer que me pillaron. El desenlace es tan peregrino y absurdo que sólo hay dos opciones: Creer en Dios y pensar que levanta la película de golpe, o apostatar, soltar un “venga ya” y mandar a la mierda el DVD. Tomaré la primera opción porque estoy convencido que sin ser del todo original (no puedo dar pistas por si veis la peli), la vuelta de tuerca que da el guión de Emil Stern (novela de Laura Kasischke), será aprovechada por un director que no juegue al melodrama y aproveche el efectismo para reforzar un argumento sólido, no para basar la verosimilitud del film en las ganas de que sea plausible y del acierto (que lo tiene) el montaje.

Como dije al comienzo, un dos por uno en serie B, que tiene más encanto que la otra serie B, la de robots que se convierten en coches, humanos que se convierten en robots, o cuerpos especiales que no se sabe para que sirven más que para incentivar el ese pequeño fascismo propio de épocas de recesión.

Víctor Gualda.

MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO

2009-12-10T13:20:00.003+01:00

No soy precisamente admirador del cine publicitario de Isabel Coixet. Para mi, su mejor película es “Cosas que nunca te dije”, y probablemente lo seguirá siendo porque desde aquel estreno su cine no ha evolucionado. Sigue repitiendo el mismo tema, las mismas formulas, hasta sus planos son los mismos. Llevar el argumento a Tokio no significa más que seguir en la cresta de la ola de la modernidad, de un snobismo demode que no aporta nada. Da igual que un argumento se disfrace con el exotismo japo o con la cotidianidad de un pueblo de Granada, porque son los temas lo que son universales, no el marco tras el que se desarrollen.

Para empezar, me llama la atención el camino que ha tomado. Su cine está supeditado al encuadre más que a los personajes, lo necesita para estar, para tener razón de existir, así que para que sus personajes avancen en una trama simplista que sólo lleva del amor al desamor y viceversa, necesita un narrador. Como si de un relato se tratara, el narrador se convierte en personaje fantasma que tiene la peculiaridad de no estar definido. Pasa de ser ominisciente a equisciente con una soltura literaria (aunque imagino que de forma casual). No molesta, es sólo el trazo que hay que seguir para tratar de entender al personaje protagonista de Ryu (Rinko Kikuchi). Mediante la excusa del encargo (no me quiero extender para no destapar el argumento) el espectador sabe lo mismo que ella, pero se pone en el lugar de Sergi Lopez, teme por él. Es decir, el punto de vista es compartido para que nos identifiquemos con ambos personajes. La directora catalana es espabilada y nos lleva de la mano en un tramo como si de “Catalanes por el mundo” (si es que existe) se tratara. Distrae al espectador estéticamente, pero la evolución no deja de ser la relación de sexo a través de la que nuestra protagonista descubre el amor y el deseo. Como el personaje es silencioso, entendemos inconscientemente que por su ocupación a tiempo parcial y por sus dudas hay algo oculto que nos impide entender a un personaje más complejo de lo que se atreve a mostrarnos Coixet. Y es que si la excusa es tópica pero válida. El desarrollo es monótono, más de lo mismo que en mil cintas. Escenas de sexo para turistas en anuncios publicitarios de un hotel temático, y poco más…

El gran problema del guión para mi es que el personaje de Sergi Lopez no llega a entregarse (aunque tenga excusa), entendemos que la relación está abocada al fracaso, y como Coixet se posiciona en todo momento de parte de la chica (como en todo su cine) el drama está garantizado de antemano. Por eso no sorprende, por eso no emociona, porque en realidad las normas tradicionales de la narración no entienden de genero. Por mucho que se disfrace de estética lo que llega al inconsciente no son los planos cenitales, las grúas o los travellings. Son las emociones primarias con las que el espectador se debe identificar para sentir y entender el sacrificio de Ryu. Nos tenemos que poner en el lugar de Lopez y morir un poco con él (si, si, no me he vuelto loco) cuando entienda que el máximo sacrificio no lo hizo la primera suicida esteta del espejo, sino la segunda en sus brazos (sobra la escena justificatoria-explicativa con el dependiente de la tienda). Porque nosotros espectadores somos él, y no ella.

Por último quisiera atreverme a sugerir a Coixet (sin acritud) un cambio de rumbo en su cine porque está estancado. Coixet no es Kar Wai narrativamente. Sus planos estéticos no llevan implícito un subtexto distinto a lo que vemos (por mucho que utilice torpemente el símbolo), así que mejor concentrarse en lo mejor de la cinta. Las pocas escenas en las que los personajes hablan. Los planos contraplanos dicen más que los generales buscando la diagonal, los de cámara en mano con montajes publicitarios con versiones de coplas o de temas míticos a los que sólo falta el corte del producto a vender. Para mi ser consciente en todo momento de la técnica no es más que un ejercicio de ego del director y si no están justificados por la historia que cuentan (fin último de esta forma de expresión) son sólo un artificio que lastra la esencia de un film que está contando una sencilla historia de amor imposible.

Víctor Gualda.

UP

2009-12-03T17:57:00.004+01:00

No entiendo como todavía me sigue sorprendiendo la enorme capacidad de Pixar para hacer cine de calidad. La animación es sólo una forma de expresión como otra cualquiera. Un continente que ofrece mil oportunidades que en el cine convencional seria más difícil hacer creíbles. Da igual que hablemos de superhéroes deprimidos, de muñecos en busca de dueño, de peces en busca de padre, o de historias futuristas de amor entre robots. Los principios sobre los que se sustenta este cine son clásicos a más no poder. Temas universales que emocionan a los pequeños y que identifican a los mayores para entrar en un universo paralelo, el de la imaginación.

Lasseter se vendió a la Disney probablemente con fines menos altruistas que los de hacer felices a los niños de todo el mundo, pero al menos se mantuvo fiel a sus principios y su férrea mano se nota en cada producto que acomete. Tal vez sus enemigos de Dreamworks esperaban que este Up fuese la esperada caída al vacío. Pensaron que una película protagonizada por un viejo gruñón y un niño gordo y pesado no serían los héroes escogidos por el público. Según rumores que leí, tampoco los de la misma Disney las tenían todas consigo, y su maquinaria de merchandising se contuvo antes de lanzar todo tipo de productos a un mercado saturado. Me alegra saber que se equivocaron. Que en este estudiado mercado del entretenimiento que es el cine, aun hay lugar para la sorpresa. Me alegra saber que los antihéroes no se han pasado de moda a pesar de que el hermano mayor, el cine “adulto”, este en transición. Me alegra ver que todavía hay películas que me mantienen en vilo y me hacen temer por sus protagonistas antes que desear que se los cepillen, como me sucede con las megaestrellas, estrellitas y conocidos de Transformers 2, Terminador Salvation, Star Trek o GIJOE por poner ejemplos recientes de estrenos en DVD.

No quiero decir con esto que la película sea perfecta, ni mucho menos. Tiene su “fallo” mediado el segundo acto. Pero antes hemos entrado en una historia de amor maravillosa, sin diálogos y adornada por la música. Una secuencia tramposa pero entrañable que nos hace abrirnos de cabeza ante las bondades de nuestro viejo Carl. Luego para compensar y lograr la identificación total, la presión en un mundo que nos resulta una olla Express, la dulce casita de campo en mitad de los edificios, un poco de “buddy movie”, para finalizar el accidente que le lleva a la expropiación y que supone el comienzo de la aventura. Nada que objetar a la fantástica atmósfera que Pete Docter, director de la cinta, consigue. Pero es a la hora de crear el antagonista donde yo pondría el único pero. No por él, sino por aquel pequeño grupo de secuaces que me sacan de la película con sus collares electrónicos. La credibilidad estaba salvaguardada con el principio del viaje iniciático con la busca del paraíso, pero aun así los cancerberos me resultan un elemento de relleno para el segundo acto, que suele ser el más difícil de dominar por el cine americano de cuadrante. Y es que una vez eliminados los molestos antagonistas que conducen aviones (qué horror), el personaje de Muntz es sencillamente un reflejo de Carl, pero que ha tomado el camino equivocado por dejarse llevar por la ambición. Una especie de Anakin Skywalker que cayó en el lado oscuro y no tiene posibilidad de redención después del daño causado. También es fantástico ese desenlace en el que nuestro entrañable alter ego de Spencer Tracy (por mucho que la doble Ed Asner y también tenga cierto parecido física) tiene que elegir, equivocarse, y volver a valorar la vida antes que los recuerdos. Maravilloso en la misma línea el epílogo en el que sólo por casualidad del destino, nuestro protagonista pasa página y descubre que la vida no es aquello que imaginábamos cuando éramos jóvenes, sino lo que nos sucede mientras soñamos con inalcanzables aventuras. Maravilloso (en esta) el toquecito moralista insalvable en casi todo el cine americano que nos invita a creer en principios morales altruistas y universales de la amistad. En este caso, entran dentro de lo razonable que no me importa que nos vendan. Maravilloso en general un guión trabajado de Bob Peterson (también codirector) y Pete Doctor, que consiguen un tono de comedia entrañable marca de la casa, con escenas de acción muy bien resueltas en cuanto a la tensión y el ritmo, y secuencias que buscan la sensiblería explicita de las que también disfrutará el espectador medio.

Víctor Gualda.

LA CORTINA DE HUMO

2009-11-27T17:20:00.002+01:00

Tal y como recordaba, nos encontramos ante una película menor de un director menor (Barry Levinson). Al menos a nivel formal, aunque hay que reconocer que la idea es fantástica y probablemente pase de ficción a realidad con más frecuencia de lo que sospechamos. La idea es sencilla, y la estructura del guión de Mamet (novela de Larry Beinhart) más aun si cabe. El presidente americano ha tenido un desliz con una becaria a pocos días de las elecciones, y la noticia puede ser una bomba que lastre su reelección. Para estos casos hay un “resuelveproblemas” interpretado por Robert DeNiro que se encargará de crear una cortina de humo que convierta en noticia menor el suceso. Una vez presentado el conflicto y los personajes por parte del gobierno, De Niro y la casi desaparecida Anne Heche (paradójicamente por un “escándalo” de imagen), sólo falta buscar un productor que convierta la excusa en un producto para que el pueblo americano consuma.

Este personaje será interpretado por el histriónico Dustin Hoffman. El productor de Hollywood que convierta en realidad la ficción (me encanta la frase de DeNiro “-es verdad, lo he visto en la tele”) se encargará de crear la gran bola. Un trailer que distribuir por todas las televisiones del mundo en el que una presunta inocente albanesa (Kristen Dunst) cruza un puente con su gato blanco (el color del animal por expreso deseo del presidente) huyendo de las bombas. El espectador, que somos todos, no se plantea si lo que está viendo es un croma o una realidad. Lo echan en la tele, o sea que sólo puede ser cierto. Cuando la CIA, otro poder fáctico en EEUU con suficiente mano para la ficción y las conspiraciones se entromete, la ilusión está a punto de irse al traste, así que como nuevo giro interno y metalingüístico, se crea el héroe americano necesario. Ya lo decía Kirk Douglas en “El gran Carnaval”, si la desgracia le ocurre a un pueblo entero no surge tanto efecto como si el público se identifica con el individuo, así que para la gran mentira se necesita un héroe, aunque haya que buscarlo en al agujero más profundo del sistema.

Lo curioso y destacado de esta película además del trasfondo crítico, es el tono y el ritmo en el que está narrado. La película se puede dividir en dos tipos de secuencias. Los personajes desplazándose, sea en avión, coche o sobre todo andando, en busca del objetivo y dando ritmo a una película de otra forma muy estática, y los personajes viendo la televisión, sea en una mansión, en un bar o en un aparato portátil, como gran guru que hay que controlar. “Cortina de humo” es una comedia negra casi teatral en la que la caracterización de los personajes no sale del estereotipo y tal vez este sea su mayor defecto. Pero eso si, nos encontramos mala leche en casi cada secuencia, como el héroe americano interpretado por Woody Harrelson, o la venta de cualquier producto a partir del incidente, sean camisetas, zapatillas o discos…

Poco o nada importa que el final de la cinta sea absolutamente dramático, previsible, injusto y necesario. Que nos avise del peligroso manejo del poder que hacen los políticos. No importa que seamos capaces de reírnos de nuestra propia ignorancia. Lo que importa es manipular al votante para que crea que elige libremente. La democracia solo es sostenible si unos cuantos le sacan partido, parece querer decir la película. Lo que por cierto me da pie para recomendar el libro del periodista Daniel Montero recién editado “La Casta: El increíble chollo de ser político en España”. Un catálogo de despropósitos nada ficcionados que mantenemos con nuestros impuestos. Y es que si a veces sospechamos que unas noticias aparecen para tapar otras, que los partidos políticos se encaminan al late night show más que a las ideas, o que se utiliza el deporte como interés nacional para distraernos, lo innegable es que en el país de los ciegos, el tuerto es político.

Víctor Gualda.

ROCCO Y SUS HERMANOS

2009-11-22T20:47:00.004+01:00

Que el cine americano está en declive es evidente viendo sus últimos estrenos. Como muestra un botón. Acaban de editar en DVD la superproducción Transformers 2. Se gastan un pastón en efectos, alargando a dos hora y media una película con un argumento estúpido, unos actores mediocres, sin más trasfondo que el espíritu ultrarradical nacionalista yanqui, el efectismo de la destrucción, el moralismo barato que justifica la violencia, y con todos los medios que da el dinero, no son capaces de hilar un esbozo de sentido común. Lo gracioso es que detrás del absurdo Michael Bay, está el rey midas de la causa, el venerado moralista Spielberg. Acabé pasando la película a doble velocidad porque no había un solo dialogo que mereciese la pena. Lo curioso es que recuerdo haber leído en alguna entrevista que el productor/director americano era fanático de la nouvelle vague, y del neorrealismo. Así que contra la nada, mejor esta obra maestra del cine que es “Rocco y sus hermanos”

Aunque no es realmente una película neorrealista en el sentido purista de la palabra porque utiliza actores profesionales, y por otros motivos mas prejuiciosos como que Visconti es un reconocido aristócrata, (actitud clasista que arrastramos los que no pertenecemos a esta clase social), la idea de mostrar la realidad social de la Italia de la época está muy presente en el cine del director. En este Rocco, Visconti nos cuenta la historia de una familia de pueblo que emigra a Milán en busca de una oportunidad contra la miseria. El melodrama tradicional y la tragedia al estilo clásico se dan la mano para confundirse y crear una obra maestra atemporal que es un reflejo de lo que está sucediendo ahora mismo en cualquier lugar del mundo.

La estructura es sencilla pero efectiva, y ha sido utilizada hasta la saciedad. Primero la presentación con la llegada de la familia (tema fundamental del film) a la ciudad en busca del hermano previamente emigrado como referencia, nos da el tono, nos presenta a los protagonistas y nos habla de la situación en la que viven. Nos habla de la burocracia y de como la picaresca obliga a la supervivencia para obtener un piso en el que establecerse. Nos habla de la inocencia de los recién llegados, de la búsqueda de las oportunidades. Los cinco hermanos mantienen diferentes roles que a lo largo del metraje e irán evolucionando bajo el amparo del matriarcado. Mediante un crédito que anuncia el punto de vista principal, cada capítulo se centra en un hermano avanzando la trama, pero sin dar de lado al resto. La película nos habla de la sociedad, de cómo unos entran en las cadenas industriales, de cómo se establecen las relaciones personales, de los celos, de cómo otros se buscan la vida en algo que les de dinero fácil. Y es en este punto donde entra en juego el trío que se convertirá en protagonista.

Simone (Renato Salvatore) es el hijo rebelde, de buen corazón que tiene una oportunidad en el boxeo y se deja llevar, Rocco (Alain Delon) es una especie de Jesucristo bondadoso que está dispuesto a sacrificarse él mismo para ayudar a su hermano, y es que el trasfondo cristiano de la sociedad está muy presente a lo largo de todo el metraje. Como tercer vértice del triangulo, Nadia (Annie Girardot) una prostituta que también quiere cambiar, aunque en su intento arrastre a Simone al abismo. Ambos hermanos se convierten involuntariamente en antagonistas. Increíble la secuencia de la violación y la lucha entre hermanos. Cuando a uno le va bien, al otro mal. Simone avanza a paso firme hacia el infierno mientras Rocco lo hace al cielo. La empatía del espectador con los protagonistas se alterna entre los hermanos, y Visconti consigue una dualidad complicada: que el espectador cambie sus sentimientos a lo largo de la película, al tiempo que las circunstancias hacen cambiar a los protagonistas, y en cada tramo se identifique, o entienda, justifique, o le irriten las acciones de los hermanos.

El desenlace mantiene esa dualidad. Es pesimista pero esperanzador. En una secuencia maestra (de los mejores finales que he visto) El hermano que ha roto la endogamia familiar le explica al testigo mudo que es el hermano menor (y que tal vez represente al espectador) que en el futuro entenderá su acción, mientras se aleja para volver a la fábrica (como miembro de la sociedad en vez de la familia), mientras, el rostro de Rocco ocupa las portadas de las revistas en un kiosco como testigo mudo (ganador y perdedor al mismo tiempo) de lo que ha sucedido, y el chaval se aleja hacia el futuro que él mismo representa (la esperanza).

A nivel técnico e interpretativo la película alcanza cotas impresionantes. El trío protagonista está sencillamente espectacular. La música de Nino Rota acompaña todo el metraje dando el ambiente perfecto al drama. La fotografía en blanco y negro de Giuseppe Rotunno es brutal, con especial atención a la composición, y a esos primeros planos del ángel Delon que luego han sido imitados tanto por el cine americano. El guión a cinco manos, Cecchi d´Amico, Festa Campanile, Medioli, Franciosa el propio Visconti, basado en el relato de Giovanni Testori, tiene el don de mantener en todo lo alto una trama que se sigue con interés a pesar de las casi tres horas, además de trasmitir los sentimientos y el trasfondo social de la época. Todo el conjunto está tan equilibrado que después de ver esta película, cosas como Trasformers 2 pierden completamente el sentido... si es que en algún momento lo tuvieron.

Víctor Gualda

LA ULTIMA NOCHE

2009-11-18T10:24:00.003+01:00

La idea original era ver la recién llegada “Mas allá de la duda” con Michael Douglas. La sorpresa de encontrarme un telefilm de dudosa calidad, con un guión previsible, una realización digital casi patética, y unas interpretaciones lamentables, duró quince minutos. Así que recordé que había dos peticiones en el blog para revisar un par de películas “La cortina de humo” y “La última noche”. La primera me resultó en su momento algo aburrida, así que me decidí por “La última noche”. Si el recuerdo que tenía era que se trataba de una buena película, después de volver a verla, puedo decir que se trata de un peliculón.

Lo primero que hay que destacar de Spike Lee, es que aparte de revindicar a los afroamericanos en sus films, es un gran contador de historias. Un tipo con un sentido de la narración casi literario que sabe imprimir su sello personal en la historia entregándose a los personajes, y utilizando la trama como medio en vez de cómo fin. Es decir, realiza películas comerciales y entretenidas, pero invita a reflexionar sobre los temas que plantea a través de los personajes (algo poco común en el cine made in Hollywood, demasiado preocupado en entretener). Sus películas son fáciles de contextualizar en momentos históricos concretos y hablan de los problemas que provocan en la sociedad a través del individuo. En este caso se trata de uno de los primeros dramas ambientados en Nueva York después de los atentados del 11 de septiembre, y el ambiente pesimista y desesperanzador sobrevuela todo el metraje, con un par de secuencias concretas, y en las actitudes de los protagonistas ante las situaciones personales que viven cada uno de ellos.

La trama sobre la que se sustenta este ambiente es sencilla y correcta. La información esta distribuida a lo largo de metraje sin precipitaciones, con una concepción de ritmo fantástica. Director y guionista (David Benioff) nos hablan de personajes. Sabemos a través de una secuencia de presentación que Monty (Edgard Norton) es un buen tipo que tiene tendencia a meterse en problemas. Conocemos a su novia (la espectacular Rosario Dawson, elemento racial del film) conocemos a sus amigos del instituto que aparentemente tienen poco que ver con él. Un corredor de bolsa tiburón agresivo y ambicioso (fantástico Barry Pepper) y un profesor de instituto Philip Seymour Hoffman reprimido y atraído por una alumna peligrosa, Anna Paquin. En los puntos de giro, y a través de flash-backs introducidos puntualmente, pero con muy buen criterio, recibimos la información que nos pone en situación. Todo se desarrolla a lo largo de una noche. La despedida de la vida/libertad obliga a poner las cosas en su sitio. A saber quien es quien realmente, a quitar las mascaras que sirven de defensas de los personajes con el mundo de “ahí fuera”. El interés se sustenta en saber quien fue el culpable, en saber cuales son los sentimientos reales. En hacer un viaje iniciático con los personajes por la noche que les obligue a decir la verdad por vez primera en muchos años. Todo lo demás es fino envoltorio que se dibuja a través de una estructura dramática sin grandes sorpresas. Un par de secuencias resultonas como la del monologo de Norton en el cuarto de baño, que habla del odio y que resulta un tanto artificial (tal vez por su colocación en el corte final), o la del epilogo que le da al espectador la opción de elegir la esperanza como única salida, no desmerecen una reflexión profunda de un país desconcertado que se busca a si mismo tras los atentados

Si tuviera que ponerle un pero a la película, sólo me atrevería a hacerlo en la realización/montaje (ojo: la fotografía de Rodrigo Prieto es fantástica). Demasiados planos innecesarios en algunas secuencias para darle ritmo, que resultan gratuitos. Mirar a través de la cámara a los personajes no quiere decir que haya que hacerlo desde todos los ángulos posibles (por mucho que esté emparentado con la idea última) porque nos hacen conscientes de la presencia del director. Es como si tuviese la necesidad de decir “estoy aquí”, cuando las maravillosas interpretaciones te sumergen sin artificios. También lo son los subrayados de nuevo de montaje con planos que repiten la acción en momentos importantes. Esos recursos se quedan anticuados antes de estar de moda. Pero es igual, porque los actores y la historia te meten de lleno y te olvidas para disfrutar. Un diez a esta película que recomiendo revisar ahora que contamos con un elemento de juicio más; la perspectiva del tiempo.

Víctor Gualda.

POLICIA PYTHON 357

2009-11-14T13:16:00.003+01:00

Parece que La Devedeteca ha decidido recobrar el viejo impulso de adquirir fondo de catálogo en detrimento de tanta novedad de dudosa calidad como se está editando. Creo que unos cuantos lo agradeceremos. En los últimos meses han entrado títulos fantásticos entre los que quiero destacar una de las obras maestras de Melville “Bob el jugador” , pero también otras como “Klute”, “A quemarropa”, o una decena de películas protagonizadas por Delon o Belmondo. Esta semana nos llega la magnifica “Policia Python 357”.

La película de Alain Corneau, interpretada por el mítico Yves Montand, sigue la tradición de cine negro francés e incorpora elementos nuevos que tratan de adaptarla al cine “moderno” de la época. Tal vez precisamente esa modernidad sea lo más fallido de la cinta. El arranque es lento, y lo es por una cuestión de tradición. El director se entretiene un tercio de película en presentarnos al duro policía que no lo es tanto cuando se enfrenta a un enemigo implacable. El amor. Y es precisamente esa debilidad lo que favorece al personaje de Montand, que tiene un rostro que se adapta a la perfección a estos personajes bidimensionales cuando se trata de enamorarse de la mujer equivocada. El policía se vuelve vulnerable. Lastima que la partenaire no esté a la altura de un papel casi caramelo de esos que se quedan en la memoria. La ¿actriz? Stefania Sandrelli es un tópico que no sabe sacar rendimiento a la cruda redención que le da la oportunidad de huir de su pasado en la trama. Por eso se agradece el desenlace de su personaje en el primer tramo de película.

Una vez que todo está en orden, empieza lo realmente interesante de la historia. El falso culpable tradicional que tiene que esquivar el destino para demostrar que estaba en el lugar equivocado en el peor momento posible. Este segundo tercio de película alcanza la maestría sin lugar a dudas. La tensión que acumula el fantástico triangulo no tiene desperdicio, tampoco el suspense que nos acerca al protagonista. Los otros lados del triangulo son François Perier y sobre todo el oscuro papel de Simone Signoret, mujer en la vida real de Montand, que interpreta aquí un personaje lleno de matices a pesar de la inmovilidad que la mantienen entre una silla de ruedas y una cama. Resulta curioso que un personaje tan pequeño resulte tan revelador. Representante de una clase social diferente, sus comportamientos sutiles nos resultan extraños en un mundo dominado por hombres armados que resuelven sus diferencias pistola en mano. Aunque lo intuimos, sólo en el desenlace del segundo tercio entendemos que en realidad el tema de la película no es otro que el amor sin condiciones. También resulta maestro el desenlace aquí del policía que está dispuesto a perder su identidad a cambio de su libertad. La diferencia entre Signoret y Montand, es que ella está dispuesta a perderlo todo, y él sólo está dispuesto a sufrir un rato

Pero como la película hay que terminarla como marcan las nuevas convenciones del género, si es posible con una secuencia de peligro máximo en la que el protagonista se juegue el tipo, y demuestre que moralmente es intachable, el director se adapta a los tiempos que corren para expiar los pecados del policía dispuesto a jugarse la vida por sus compañeros. Es esta parte la que lastra todo el metraje. Es innecesaria por moderna, (por tanto la que se ha quedado más antigua) y el camino a la redención no es más que un tópico, sólo una suerte similar a la de su amada hubiese convertido esta buena película en una obra maestra incuestionable, y resulta fallida una subtrama con personajes nuevos y despersonalizados a estas alturas de metraje. Aun así, esta película resulta imprescindible para aquellos directores futuros que quieran aprender y entender un género historiadamente francés, pero que funciona y gusta por igual en cualquier latitud.

Víctor Gualda.

RADIO ENCUBIERTA

2009-11-10T09:30:00.002+01:00

Casi al comienzo de la película, el personaje del político interpretado por Kenneth Branagh dice en uno de sus diálogos –“…esa es la ventaja de ser el gobierno, si no nos gusta algo, aprobamos una ley que lo declare ilegal”- era el año 1966 y como reza un crédito al comienzo del metraje, la BBC solo emitía dos horas de rock and roll a la semana. Emisoras piratas desde barcos en el mar del norte emitían veinticuatro horas de música con audiencias de veinte millones de oyentes. Cuando da fin el metraje en 1967 se convertían en legales, y se crearon 299 emisoras de música. Han pasado más de cuarenta años, y los gobiernos han entendido el mensaje de que la voluntad del individuo es inquebrantable, sólo que ahora los métodos son más encubiertos y van recortando lentamente los derechos enmarcándolos en “el estado de derecho”. Que no es otra cosa que la ley que como entonces utilizan los políticos a conveniencia. Esta película además de un homenaje a la música, es un recordatorio de que siempre hay gente dispuesta a luchar por su verdad hasta las últimas consecuencias y de que lo que al final prevalece es la voluntad del individuo cuando se une.

La estructura no es de libro. Se trata de una película probablemente menor, en tono de comedia y coral, en la que el espectador comparte las inmensas ganas de ser libres de los personajes. Toda la estructura está basada en pequeños conflictos de los protagonistas entre ellos o con el “mundo exterior”, los temas como el amor, la amistad, la competencia, la búsqueda de uno mismo, están tratados con una amabilidad excesiva, y sólo un Branagh antagonista y sobreactuado como representante del gobierno, será el que de linealidad a un argumento basado en esas pequeñas anécdotas de los personajes. Por encima de todos ellos, el siempre en estado de gracia Philip Seymour Hoffman como líder carismático de la tripulación, pero no nos equivoquemos, el reparto con Tom Sturridge, Bill Nighy, Nick Frost, Chris O´Dowd entre otros, es maravilloso, y cada uno de ellos tiene su peso en la deslavazada trama. La música, temas ya clásicos en la historia del pop-rock, acompañan todo el viaje, dando una impresión de frescura y naturalidad.

Así, la trama sin más hilo conductor que la lucha del gobierno por cerrarles el chiringuito que en principio resulta algo insulsa y lenta, va perdiendo terreno porque los personajes acaban atrapándote y pides más. Tanto, que al revisar los extras, te encuentras con una grata sorpresa. Casi cuarenta minutos de secuencias recortadas del total, pero que al contrario que en otras películas, aquí son escenas que hubiesen encajado a la perfección en el metraje. Casi te apetece que la película hubiese durado cuatro horas, o que hubiesen hecho una serie con los mismos personajes. Las desventuras amorosas de Sturridge para perder la virginidad y encontrar a su padre, con el cameo de Emma Thompson como madre. Las luchas de ego entre Seymour Hoffman y Frost por ser el mejor dj, o el drama de O´Dowd por encontrar la mujer de su vida son los conflictos principales, y uno a uno todos los personajes que habitan en el radio rock. Por otro lado es una de sus virtudes que en todo el metraje nuestros protagonistas no abandonan el barco, a excepción de la secuencia de la despedida de soltero, en la que hay suprimido parte del monólogo en el que Seymour Hoffman les lleva a Abbey Road y que sirve de homenaje especial a los Beatles, por eso no se entiende que este fragmento se haya robado del corte final.

No soy un fanático de la música, pero es fácil identificarse con este grupo humano que no sólo rinde homenaje a la música, sino a la libertad, en una película sin dramatismos, llena de aventuras divertidas y que hace pasar un rato agradable. Una película amable dirigida por el amable Richard Curtis (Love Actually) Una película de esas que merece un hueco en las estanterías de tu colección, por tratar el tema generacional y que trasmite a la perfección el ideal de la época con la música como excusa, pero que va más allá siendo un alegato del amor libre y de la diversión por encima de todo. Lo dice el personaje de Seymour Hoffman (más o menos) -“Estamos viviendo los mejores años de nuestra vida. Después de esto, todo ira hacia abajo”.

Víctor Gualda.

CALIFORNICATION

2009-11-04T17:23:00.002+01:00

Vuelve el intrépido agente Mulder-Duchovny. Solo que ahora ha decidido dedicarse a la escritura creativa y convertirse en megaestrella de la literatura americana. De hecho, en el arranque de la serie ya ha triunfado, se ha hecho una película de su libro (muy divertida la crítica a Hollywood en el título. El libro se llama “Dios nos odia a todos”, y la peli “Una cosita llamada amor”), se ha trasladado desde NY a LA con su novia y su hija, que por cierto han tenido tiempo de dejarle, y él, tiempo para follarse a media ciudad y a perderlo casi todo. En definitiva, personaje saco de estereotipos, pero que funcionan a la perfección gracias al tono cómico, a que es una perdedor/ganador, y a que no se sienta delante del ordenador a escribir ni en tres secuencias en las dos primeras temporadas. A pesar de lo previsible, tengo que recomendar ver la serie porque merece la pena echarse unas risas a costa de las desgracias que generan situaciones a veces cómicas a veces bizarras, al bueno de Hank Moody.

Desde luego, como sucede en la mayoría de las series, la primera temporada es la más interesante. El primer capítulo, que tal vez abusa demasiado del sexo, es descojonante. La presentación de Hank/Duchovny es divertidísima, e inmediatamente sentimos empatía por el desastroso escritor. La temporada avanza a toda velocidad, y los personajes comparsa del protagonista apenas tienen otra función que la de reforzar el caos en el que vive el personaje. Su ex novia y madre de su hija (Natascha McElhone y Madeleine Martin) son las motoras del conflicto principal. Su misión de recuperarlas no es tan sencilla como en un principio pinta porque ella se va a casar con otro tipo, que además es un triunfador. Por medio la familia de su antagonista. Su hija de dieciséis años que propiciará alguna de las más interesantes situaciones y pondrá en mil y un apuros al prota, además de introducir una subtrama que enganchará con la segunda. Por otro lado su representante Charlie (Evan Handler), desarrollado con sus propias subtramas a través de su ambiciosa secretaria primero, y de su mujer después. Tal vez es el personaje que más evoluciona, sencillamente porque todo el peso en Duchovnick acabaría quemando al personaje principal.

La primera temporada cierra con un desenlace que podría corresponder al de una película. Las expectativas están en todo lo alto, pero la segunda retoma desde cero tanto en tramas como en ritmo. Un nuevo personaje, en este caso un rockero (mejor dicho productor de rock) que quiere una biografía interpretada por el mítico escritor, está metida con calzador, pero dará pie a nuevas aventuras. El trasfondo y tema principal de la identidad y la idea de volver a los orígenes son a priori temas interesantes, lastima que las necesidades de entretener aplasten ese trasfondo. Además los guionistas reventaron la premisa que siempre funciona en las series de dilatar la tensión sexual entre Hank y su ex a las primeras de cambio, y en esta segunda entrega la relación se vuelve monótona. Sabemos que no será capaz de mantener lo que tiene y que sólo es una cuestión de tiempo que Moody meta el cazo. Situaciones divertidas que utilizan una y otra vez el manido recurso de planteamiento-tensión-resolución-situación ridícula y comprometida, siguen funcionando ya que la repetición es un recurso como otro cualquiera, pero al final, de manera estúpida y forzada cometen la equivocación de eliminar el personaje de McElhone. Al menos sabemos que cuando llegue la tercera temporada, Hank tendrá campo abierto para meterse en mil y un nuevos líos de faldas.

En cuanto a los diálogos, la primera está plagada de buenos textos que Duchovny sabe aprovechar porque están construidos como un traje a medida. Incluso la reflexión en forma de voz en off trascendental y reflexiva funciona. Pero debieron pensar que el éxito de la serie, que se emite por cable en EEUU (nunca se podría trasmitir en una cadena pública por los continuos tacos y escenas de cama, drogas etc) estaba basado en el gag continuo del perdedor simpático, y precisamente su interés estaba y está, en que el personaje es una niño grande que quiere ser otra persona distinta de lo que es, pero al que su propia personalidad le impide evolucionar. Corre el riesgo esta Cali-fornication de estancarse por perder la perspectiva del contraste del que el espectador es complice. De momento ya se emite en EEUU la tercera temporada, así que sólo resta esperar.

Víctor Gualda.

EL SECRETO DE SUS OJOS

2009-10-27T09:36:00.003+01:00

Campanella vuelve al cine con un pseudos-thriller-drama adaptación de la novela de Eduardo Sacheri “La pregunta de sus ojos”. Como protagonista, su actor fetiche, un grandísimo Ricardo Darin en el papel de un carismático oficial de juzgado, que se toma como algo personal la aparición de una joven violada y asesinada. Si bien los críticos coinciden en señalar que se trata de un gran trabajo, alguno se preguntaba cómo no se llevó algún reconocimiento en el pasado festival de San Sebastián. La respuesta es sencilla. Porque es comercial y sobre todo una película de género, y los miembros de los jurados parecen tener tendencia a premiar dramas y cuanto más de autor, mejor. Poco importa la crítica a las instituciones argentinas que esconde la cinta, la corrupción que permite a asesinos estar en la calle, o la tensión social instalada en el miedo. Lo único que importa para conseguir premios desde hace años en los festivales de categoría A, es que la película sea sufrida desesperante lenta y sin ambición descarada.

En realidad, la película de Campanella no tiene los secretos que su título indica. Es una buena película, pero sustentada en las convencionalismos del cine americano. Se nota la buena mano del director dominando los tempos dramáticos, mezclando los géneros, adaptando junto al autor la novela. La estructura es sencilla. Por un lado la llegada de una nueva jefa (Soledad Villamil), que pertenece a una clase social distinta (otro de los temas presentes) a la oficina, y la relación que se establecerá con el protagonista. Por otra, la relación de este mismo con su amigo y compañero alcohólico (Guillermo Francella), por otro la aparición del cuerpo sin vida de una joven que remueve por dentro al personaje de Darín, y la aparición del peculiar marido de la víctima (Pablo Rago). Una vez establecido el entorno da comienzo la investigación. No está llevada de forma obsesiva como hacen los americanos dejando de lado que el personaje principal tiene además de un caso, una vida. Más bien “El secreto…” se sustentará en el carisma y cabezonería del protagonista, ya que el giro de la fotografía que da título al film es demasiado casual, y mil veces utilizado. También lo es antes el antagonismo que produce la integridad del “héroe” en algunos compañeros de trabajo. Incluso la forma en la que los protagonistas provocan al presunto homicida. Lo que hay que reconocerle al director es su manejo del ritmo y la información, y la capacidad de producir emociones con clichés que maneja a su antojo y con soltura.

Además, lo que en una película americana convencional seria el clímax y final del drama, aquí produce una desazón de impotencia ante la injusticia, lo que lleva a un nuevo acto en el que la tensión ha disminuido, pero es remontada ante un nuevo conflicto mucho más personal. Y es que una película no está terminada hasta que no llega al final. Y es aquí donde más se ven los andamios de la estructura. Por un lado, aunque no lo había comentado, todo es un gran flash-back que retoma ahora el protagonista ante el caso irresuelto (lógicamente hasta el final del segundo acto), por otro la secuencia heroica de Francella como personaje apoyo. Por otro las trampas que utiliza el director para despistar al espectador distinguiendo entre realidad y ficción (lo peor de la película bajo mi punto de vista), pero que condicionan mediante la trampa. Por otro la resolución fantástica e inesperada que invita a la reflexión, y finalmente como epílogo convencional y concesión al espectador, la resolución de la tensión sexual que se come todo lo demás y deja satisfecho al personal.

Una gran película, combinación perfecta entre lo anglosajón y lo latino con participación de Tornasol, que parece que es la única productora en nuestro país con la capacidad de poner dinero para hacer buen cine, aunque eso si, arriesgando poco.

Víctor Gualda.

SI LA COSA FUNCIONA

2009-10-23T10:06:00.001+02:00

Woody Allen ha vuelto con su entrega anual. Irónica comedia sobre el destino, que tiene la peculiaridad de llevar escrita casi treinta años y que rompe con la dinámica de su “etapa” de películas rodadas fuera de Estados Unidos. Pero en realidad esto no es extraño. Allen decidió lanzarse a rodar fuera de su querido Nueva York no por interés de conocer y ahondar en nuevas culturas, sino porque sus condiciones con las mayors americanas estaban cambiando. A sus presupuestos reducidos habituales, había que añadir el poco rendimiento en taquilla en su propio país, así como el control y por ende la necesidad opinar que suelen tener los que ponen la pasta.

Me resulta curioso que la mayoría de los críticos hayan coincidido en señalar que la vuelta a sus convencionalismos les ha fascinado. Es como si el viejo Allen fuera preso de su leyenda, y al salirse de la guía marcada hubiese perdido calidad. No puedo estar de acuerdo. Personalmente me parece que Allen se ha ido adaptando a los nuevos tiempos y al nuevo mercado y busca su sitio en él. A lo largo de su carrera, el director ha experimentado cambios en sus intereses que han supuesto una evolución en su cine. No diré que esta haya supuesto una involución, pero si que me atrevo a decir que me parece una película desubicada en su trayectoria y que su estructura me parece antigua. Es fácil distinguir los chistes que pertenecen al guión original y los que están adaptados a la actualidad, y personalmente me resultan algo forzados. Reconozco su merito, y el mismo Allen explica en repetidas ocasiones en el libro de conversaciones con Eric Lax (Lumen), que recicla sus ideas en una cajón para retomarlas si fuera necesario. Igual es que sencillamente no soy mitómano, y Larry David nunca me ha parecido demasiado gracioso, por mucho que Seindfield o su propio show sea “lo más” del humor, pero insito en que personalmente no me ha resultado tan buena por mucho que la cosa funcione con los críticos europeos.

Lo primero que llama la atención del guión es un recurso que puede parecer original, pero que desde luego no es nuevo ni para el público ni para el propio Allen. El protagonista rompe la cuarta pared para involucrarnos en la historia y convertirnos en cómplices por medio del monologo, solo que nosotros no estamos en un bar y el cómico en el escenario, sino que a través de la comedia, que como es natural es el tono elegido, el público entra en la historia con jabón. Más al estar reforzada por la actitud nihilista y egomaniaca de su protagonista. El personaje interpretado por David y escrito al parecer originalmente para Zero Mostel es el alter ego perfecto del director en aquella época en la que a través de los propios defectos del personaje creado para él, pero adaptado a la cáustica personalidad de David, componen un antiheroe igual de histriónico pero distinto de personalidad al que hizo famoso al director. En vez de despistado e hipocondríaco, es negativo, cínico y con una concepción de si mismo alejada de la realidad. Por eso las secuencias de humor cuando aparece la inocente sureña Melody (Evan Rachel Wood) funcionan tan bien, por puro contraste. Pero lo curioso de la estructura no se encuentra en el antagonismo de personalidades diferentes pero compatibles de ambos, sino en que los originalmente protagonistas no lo son. Una vez que la situación entre ambos está normalizada, el director y guionista introduce nuevos elementos de conflicto, que roban el punto de vista principal. Primero Patricia Clarkson, luego Ed Begley y por medio Henry Cavill, son los protagonistas de esta especie de escalera que forman las tramas secundarias para luego cerrar el circulo de nuevo con Larry David como narrador adaptando el monologista (la trama como monólogo) y terminando con el mismo recurso con el que comenzó.

Tal vez lo que no me haya convencido sea la perdida de protagonismo de David en el centro de la trama con el consiguiente sentido de cambio de estilo de comedia, que pasa a convertirse en comedia de situación con la extraña evolución de los personajes, conservadores pueblerinos y republicanos a postmodernos desubicados más que democratas, y ese halo positivo que hace que el personaje principal evolucione a través del destino y todo acabe bien. Tal vez hubiese preferido que el descarnado sentido del humor del protagonista hubiese hecho que la situación se le fuera de las manos y después de pensar que todo acaba funcionando, hubiese vuelto a los orígenes del personaje, pero el caso es que esperaba más, o sencillamente otra cosa.

Por si acaso estaba condicionado por mis propias expectativas volveré a ver esta película cuando salga en DVD a ver si me sucede como con “Desmontado a Harry” que me pareció mejor la segunda que la primera vez, y de paso a ver si la imagen está mas cuidada, porque la fotografía de Harris Sabides, aparte de la calidez propia de todas las pelis del director, tenia planos completamente desenfocados y mal encuadrados. Creo que la película está funcionando bastante bien en taquilla, así que recurriendo al tópico fácil, si la cosa funciona…

Víctor Gualda.

TETRO

2009-10-19T22:07:00.002+02:00

No me voy a cortar. Tetro me ha vuelto a reconciliar con el cine. Pero el cine de verdad, el que personalmente me mueve. Aquel que cuenta historias cercanas, el de personajes. En el que se encuentran los conflictos verdaderos. Familias, amigos, la vida. Aquel en el que el antagonista es uno mismo, en el que el mayor reto es el viaje personal hacia los propios infiernos del ser humano sin elementos extraños e impostados que nos hacen reflexionar sobre la sociedad, olvidando que la sociedad se compone de individuos con conflictos propios todavía sin resolver.

Creo que Francis Ford Coppola es uno de los pocos genios vivos. Consciente de que su llama se apaga ha decidido reinventarse. Y cuando una llega a la cima es complicado hacer un ejercicio de autocrítica, un ejercicio de análisis interior para lanzarse a la reinvención. Eso es precisamente lo que hace el director, volver a los orígenes y comenzar de cero. Muchos dicen y dirán que el intento es fallido, que ha perdido la frescura, que esperaban mucho más. Pero pocos tienen las pelotas de hacer el viaje de Dante y rebuscar entre sus cenizas lo que queda de lo que les convirtió en lo que ahora son, o de lo que siempre quisieron ser. Coppola si. Él está dispuesto bajar del pedestal y buscar sus orígenes. Algo es cierto. Ya no tiene treinta años y el camino es más arduo porque las energías no son las mismas. Tampoco tiene los colaboradores ni el presupuesto. Dirán que su “nuevo” cine es impostado. Que resulta arcaico. Que es cartón piedra. Yo les digo que se equivocan. Tetro es Coppolla. Tetro es un genio maldito que tiene que luchar con su propia leyenda. La misma que le condiciona y le bloquea. Pero el Tetro personaje tiene una cuenta pendiente. Sus propios fantasmas le atormentan, y cuando sea capaz de enfrentarse a ellos será capaz de asumir su rol que no es el de mito, sino el de hombre. Y como en una tragedia griega, será a través de la sangre como lo consiga. A través de sus herederos que son su extensión. Pero ellos no tienen las cadenas de La Culpa. Toda una metáfora de su propia vida. El gran tema del cine del director que no puede esquivar sus orígenes ítaloamericanos. Por eso cuando el símbolo de la pierna inmóvil se traspasa de generación en generación el sucesor no tiene los miedos que le atenacen y se lanzará al vacío, y allí se encuentra la dura verdad que se alcanza en el clímax. Un clímax arduo y duro, nada impostado. Apenas una declaración. Son los efectos devastadores lo que falla del metraje. El final está demasiado lejos del giro y sólo ha sido sugerido. Por eso el final es eterno. Porque no entendemos que hay una batuta de director de orquesta que hay que romper, un yugo que aplasta a todos. Hay pocos directores que dominen el símbolo como lo hace Coppola. Pocos que sean tan cinéfilos. Menos aun que trasladen con soltura el símbolo a la historia. Y eso es lo que hace grande al director. Su capacidad para trascender la imagen y el maravilloso encuadre a la historia, al símbolo, al cine y por último a la vida. No es casual. No es impostado. No es un mero melodrama que algún descastado ha querido comparar con Almodovar. Almodovar se queda en la superficie. Coppola es una carga de profundidad al alcance de los que aman tanto el cine como la capacidad de contar historias con sinceridad.

Tetro es el héroe, el mito, Verdú el bastón sobre el que se apoya, Benni (Alden Ehrenreich) el heredero, la nueva conciencia, la frescura, el faro que ilumina mientras recorre su propio viaje iniciático hacia la madurez. Maura es la sacerdotisa puente entre los dioses y los hombres, entre la realidad y la ficción. Desaprovechada por su histrionismo. No creo que supiese ni de que iba el personaje y es junto a algunos tramos del guión lo único que ensombrece la película. Lo que me resulta curioso es que Coppola haya tenido que huir de Hollywood (en realidad no tanto, porque este tipo de cine está desterrado allí) para hacer esta película. Y más curioso aun, que Tornasol haya sido la productora que ha cofinanciado. Creo que no leyeron el guión, que se dejaron llevar por el nombre, porque no recuerdo ni una sola película de la productora que arriesgue en la historia lo que arriesga Herrero en esta (más viendo el cine que se autoproduce como director absolutamente carente de sangre). Mi última frase de la crítica se la quiero dedicar a Mihai Malaimare Jr por su fotografía maravillosa y a ambos directores por el encuadre (que no el plano), porque contracorriente consiguen el encuadre más estético que he visto posiblemente en los últimos diez años.

Víctor Gualda.

AGORA

2009-10-13T12:52:00.004+02:00

Las malas críticas que ha recibido la nueva película de Amenabar, no han impedido que “Agora” haga una recaudación espectacular en el primer fin de semana de proyección. Se hablan de cuatro millones y pico incluyendo el lunes festivo. Lo que la equipara con otros estrenos made in Hollywood del año. Pero el problema es que es imposible recuperar los 50 presuntos millones de coste sólo con la distribución en nuestro país. La idea es sencilla. Habiéndola rodado en Ingles y con una estrella Hollywood, la distribución americana hubiese hecho al menos recuperar fácilmente la inversión. Aunque en España la Fox ha sido la distribuidora, de momento parece que no hay empresa que se preste a asumir el riesgo al otro lado del charco.

Pero analicemos porque ha recibido tan mala crítica. El problema principal de la cinta es que no emociona. Amenabar ha preferido ser fiel a una de las versiones históricas que circulan sobre Hipatia antes que involucrarla emocionalmente en la trama. Así, la verdadera protagonista del film no es ella, sino la extensión por la fuerza del cristianismo, y como trama emocional, el amor secreto que siente por ella el primero esclavo y luego “soldado de dios” Davo (Max Minguella). Al ser un actor menos conocido, el punto de vista principal se mantiene casi todo el tiempo con ella, pero en realidad el antagonismo entre él y Orestes (Oscar Isaac) por el amor de la científica formando el triangulo clásico es lo que mueve este segmento de trama. Hipatia no llega a involucrarse casi en ningún momento en lo que convencionalmente seria el trasfondo, y aquí es la trama principal del cristianismo la que arrasa con todo.

No es de extrañar el temor ante los conservadores americanos, porque la carga crítica sobre la religión, y por mucho que se empeñe Alejandro en concreto contra los católicos, le puede hacer un flaco favor. Pero tengo que romper una lanza a favor de él, porque si bien es cierto que todos los extremismos son peligrosos y se tocan, en Agora, el retrato de los cristianos es devastador, y esa actitud me parece, por poco común, muy valiente. De hecho me extraña que los católicos y en concreto la iglesia, no mande a sus perros a quemar cines. Así, la película está dividida en bloques perfectamente diferenciados. Primero la presentación de Alejandría como ciudad cosmopolita que atrae y comparte diferentes cultos. La creciente fe cristina que va arrasando intolerante con otras creencias. En el primer bloque el enemigo a eliminar son los paganos. Aquellos que tradicionalmente habían sido los dioses del imperio, ahora son ilegítimos y la religión monoteísta se ha extendido entre las clases bajas. No es de extrañar que ante una provocación arrasen con la biblioteca de Alejandría, en una secuencia épica que sirve de denuncia ante la intolerancia. La ciencia retrocede y poco a poco se va convirtiendo en algo prohibido por atentar contra los intereses cristianos.

El segundo bloque, cerrado de forma un tanto extraña (porque no se entienden bien las consecuencias y todo parece volver a la normalidad) está dedicado a la eliminación de los judíos. De nuevo la intolerancia arrasa y pone contra la espada y la pared al prefecto que no es otro que Orestes, uno de los pretendientes de Hipatia. En este punto, hay que reconocer la habilidad para mostrar la ética de las clases dirigentes, que se adaptan a la nueva religión para mantenerse en la cúpula de poder y que a las clases sociales dirigentes, siempre tienen acceso los mismos. Finalmente un último bloque contra Hipatia, por su condición de científica, pero sobre todo de mujer, ya que no hubo más muertes en la escuela de Alejandría, que se mantuvo hasta el siglo VII.

Esta claro que los bloques están perfectamente definidos y estructurados, pero eso no es suficiente para el crítico consciente, y tal vez para el espectador inconsciente. El espectador necesita involucrarse emocionalmente con su referente en pantalla, y mientras todos los acontecimientos suceden, la protagonista vive en un mundo paralelo que la aleja de la realidad. Las explicaciones simplificadas pero atentas para descubrir el funcionamiento del universo son fantásticas, pero nuestra protagonista debería sentir, porque su autoexclusión ralentiza la acción. Tal vez el personaje real muriera virgen como se mantiene, pero en una ficción no necesitamos el cuerpo, pero si al menos la intención, que puede ser frustrada, pero aquí ni siquiera se aprovecha. Por eso digo que Davo (y también Cirilo, en realidad el gran conspirador interpretado aquí por Sammy Samir) es el protagonista, porque el personaje más ficticio de todos, el puente entre la trama y el personaje/actor poco carismático, lleva la carga sobre sus espaldas de mantener el interés por el futuro de Hipatia. Queremos que consiga su objetivo, que la cuide ante la amenaza de los suyos, siempre respetándola a ella y a su trabajo, pero necesitamos su complicidad. Nada que ver. Weisz no entra en la trama más que en un par de secuencias, incluyendo el desenlace, y su fuerte carisma (que la hace una de las actrices más interesantes) se diluye.

Amenabar transmite esa sensación de distancia en las entrevistas, y extrapola su personalidad a la pantalla. Lo curioso es que en la realidad (perdón por interpretar al hombre) me consta que es sólo una actitud. Pero en pantalla todo parece una formula matemática que tiene que dar como resultado de la ecuación un film que funcione. No nos podemos sorprender, Amenabar siempre mantiene la distancia emocional de sus personajes en todas sus películas, haciendo valer el peso de la trama al más puro estilo americano.

Técnicamente la película es superior. No sé si los mejores planos están rodados por el coguionista Mateo Gil como afirma el director, si la película funciona mejor con los veinte minutos suprimidos después de su paso por Cannes, pero está claro que el dinero invertido está bien gastado. El dinero no se puede esconder, y los decorados, el vestuario, los extras, la ambientación en general, además del montaje y el ritmo son casi inmaculados. Y es que Amenabar es un técnico reputado que esta al nivel del mejor cine de presupuesto americano. Aquí se ha arriesgado hasta el límite con un peplum, tal vez el género más demodé. Pero lo ha hecho con cabeza, y estoy convencido que Tele5 conseguirá recuperar la inversión, y que finalmente los Weinstein se arriesgaran a la distribución igual que hicieron con “Los Otros”… y más después del triunfo en taquilla de “Malditos bastardos”. Personalmente el cine de Amenabar no es el que más me interesa, pero creo que merece la pena ver Agora en pantalla grande y que el director ocupa un rol necesario en nuestro lánguido panorama cinematográfico. Hay muchos que esperan que se la pegue (por cuestión de carácter patrio) otros que se arrimarán a la foto con la excusa de que sube la cuota de pantalla, pero Amenabar se mantiene integro y no se merece fracasar en esta película, porque ha demostrado que está a años luz de lo que se hace en nuestro país.

Víctor Gualda.

MISHIMA

2009-10-10T10:44:00.004+02:00

Kimitake Hiraoka, más conocido como Yukio Mishima, es el escritor más destacado de la historia de Japón, y lo es por sus textos que le llevaron a estar nominado al premio novel en tres ocasiones, pero también lo es por su fascinante vida. Al menos así lo debió entender Paul Schrader cuando presentó este biopic en 1985. Pero la película del americano es más que una simple biografía. Es una película desde mi punto de vista fallida, pero interesante por lo bien recogidos que están los momentos más importantes de la vida del escritor, y la traslación de su obra al cine. Pero vayamos por partes.

Paul, Chieko y Leonard Schrader construyen una estructura clara y diáfana que dividen en cuatro capítulos. En todos ellos, el comienzo corresponde con los acontecimientos previos a su muerte, luego una parte autobiográfica rodada en blanco y negro planteada como flash-backs, y en los tres primeros, una traslación teatral de las obras que más autobiográficas de apenas quince minutos cada una, y que corresponden con momentos puntuales de su historia. Lo mejor es que a través de sus obras conocemos a la persona.

En la primera parte, acreditada como “Belleza”, nos muestran la infancia del personaje. Conocemos el trauma de Mishima por la influencia de una abuela castradora, que le reprime evitando que se relacione con otros niños porque según ella, él proviene de una saga de samuráis y es especial. Es entonces cuando a través de un teatro minimalista y que aúna la tradición estética japonesa con la más asequible occidental, el director traslada la obra “El pabellón dorado”. En ella vemos uno de los temas que obsesionan al escritor; y entendemos que la superación de sus complejos llegará a través de la belleza, con un alter ego tartamudo. Es bajo mi punto de vista el momento más conseguido de la película. Tal vez por la identificación Schrader, que siempre cuenta las consecuencias que produjo en su vida su propia educación calvinista.

Luego llegara el segundo bloque “Arte”. El personaje/persona crece en la obsesión de aunar la belleza física y su talento para la escritura. Pronto se obsesionará con el culturismo. El director ya había creado los antecedentes a través de la obsesión con un cuadro de San Sebastián en la primera parte. Es ahora cuando decide convertirse en el propio San Sebastián. Para alcanzar la perfección del alma, parece querer decir que antes hay que alcanzar la perfección del cuerpo. Todo en él es extremo. El director muestra la homosexualidad del personaje y su obsesión con la inmortalidad. El paso del tiempo le hace consciente de la imposibilidad, y se impone como meta además de ser traducido en todo occidente, la traslación a la pantalla de “La casa de Kioko” otra vez retoma los datos autobiográficos a través del teatro. Yo no había visto “Mishima” hasta ahora, pero se reconoce claramente la influencia que Schrader ejerció sobre Lars Von Trier, porque las secuencias cada vez se parecen más a lo que luego se tachó de original en “Dogville”, que no resulta más que una puesta a punto del mismo y premiado estilo estético.

Será entonces cuando aborde la “Acción” y su símil literario “Caballos desbocados”. Conoceremos el fin último del escritor de restablecer el código del samurai. Crea su propio ejército personal y su propio código de conducta, así como una secta o como una especie de sociedad masónica de la que él es el gran maestre, que llamará “la sociedad del escudo” y se impone la meta paternalista de restablecer la moral de Japón. En realidad su propia moral heredada de los códigos del samurai, de la que él se erige como iluminado. Él personaje entiende que sólo a través de la acción se puede alcanzar el arte, lo que dará paso al final del flash-back, y a su encuentro con el presente y con la realidad. Eso sucederá en el cuarto capítulo “Armonía entre la espada y la pluma” El secuestro del general, y la reacción al discurso ante las tropas le sumen en una realidad que según su código no puede soportar. Mishima ha vivido tan encerrado en si mismo que es incapaz de entender que la sociedad japonesa, influenciada por occidente, ya no tiene los códigos morales que él defiende, lo que le lleva al Suppuru público el 25 de noviembre de 1970. Justo antes, le vemos mandar a la editorial su obra póstuma “La corrupción de un ángel”.

Pero a pesar de lo escrupulosa de la estructura, de las buenas interpretaciones en general, de la famosa estética formada por la fotografía de John Bailey, escenografía de Eiko Ishoka y la banda sonora demasiado new age para mi gusto de Philip Glass, que le valió a “Mishima” el premio a la mejor contribución artística en Cannes 1985, de lo detallado de la vida del escritor, de la buena condensación de obra y hechos, me quedo con la impresión que casi siempre me producen los biopics. Que les falta vida, frescura. En realidad la película me parece interesante por conocer al personaje, pero a nivel de cinematográfico me parece como esta crítica, narrativa pero sin emoción. Me pareció por ejemplo, y sin ánimo de comparar, que el desarrollo del personaje de “Control” (también biográfica) llegaba más al espectador. Que tal vez por la empatía que produce la proximidad, es más fácil entender al personaje de Ian Curtis que al de Mishima. Y a pesar de que las comparaciones son odiosas, los personajes atormentados con conflicto interior siempre son atractivos, aunque no siempre funcionan con el espectador. Y por último me quedo con la impresión de que esta resulta la película menos personal de Schrader. Aún así, me parece que todo buen aficionado al cine debería verla al menos una vez ahora que se ha editado en dvd.

Víctor Gualda.

DISTRITO 9

2009-10-06T09:30:00.003+02:00

Atención a la fantástica películita producida por Peter Jackson, porque ya quisieran grandes superproducciones estar a la altura. Resulta que esta película de alienígenas destila una mala leche política digna de estudio. Y es que lo que en principio es una ficción sobre una nave extraterrestre que vara en Sudáfrica, se convierte por medio de su estructura en una crítica que es fácil relacionar con el Apartheid y la situación del Distrito 6 de Johannesburgo a mediados de los noventa, pero que creo que es extrapolable a nuestros días, y a otros lugares donde se construyen muros para crear guetos.

Cualquier película de ciencia ficción necesita unos códigos que sitúen al espectador. Aunque a muchos les pese, necesitamos reglas que nos hagan entender que sucede en la pantalla. Más, si vamos a comenzar desde el punto más cercano a la resolución de la trama, como mandan los cánones del guión. En el caso de “Distrito 9”, estas reglas vendrán expuestas a través del sistema más sencillo posible. El documental. De esta forma, los guionistas Neil Blomkamp (además director) y Terri Tatchell construyen el nuevo mundo del que vamos a ser testigos. Qué, cómo, cuando, y de paso quién será el protagonista. Lo hacen con declaraciones cruzadas de presuntos responsables, con ironía y un oscuro sentido del humor. De esta forma introducen además un espíritu crítico que es lo más destacado del film. Lejos de la concepción de los alienígenas agresivos dominantes que están listos para atacar la tierra, estos marcianitos son una raza más, que han tenido la desgracia de que se les estropease el barco en un mundo tan chungo como la tierra. La ambición del hombre por dominarlos, destriparlos, y sobre todo aprovechar su tecnología con fines poco científicos (como seria en la realidad, vamos) mientras los convierten en “bichos” a los que hay que agrupar en guetos y alejar de “los blancos” porque molestan. Una vez que están en condiciones infrahumanas (que paradoja) se puede practicar con ellos negocios tan humanos como el tráfico de drogas en forma de comida para gatos, tráfico de armas, tráfico de alienígenas, y todas las burradas a las que el ser humano suele sacar partido.

En medio de toda la vaina, un antihéroe. Colocado a capón por enchufe para la compañía MNU, que se encargará del desalojo (otra vez las empresas privadas). Un torpe con buen corazón que sirve de enlace para el desahucio, y que se convertirá en involuntario protagonista. Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley) previamente presentado en el documental sin mostrarle, despertando inteligentemente el interés, será el cabeza de turco y el que conduzca la aventura, que es el fin último y la trama principal del film. A partir de que el documental pierde peso, la película retrocede para hacerle/nos comprender que también estos marcianos tienen sentimientos, y por ende todas las razas y religiones. La aventura una vez descargada de razones mayores, esta dirigida por Blomkamp de forma dinámica y sencilla. Por supuesto el espectador se pone de parte de Wikus y desea que lleve a buen puerto su empeño. Lo consiga o no, un descubrimiento casual le introduce de lleno en la causa alienígena. Se convertirá en el paria predestinado a huir. La amistad y la confianza en otra raza, se convertirá en el sustento de su destino, y un final abierto le pregunta al espectador si seria capaz de confiar en alguien diferente. Seguro que hay un punto de desconfianza, aunque el amigo haya demostrado su posición. De momento tendrá que conformarse con esperar y mandar señales a su mujer, que también esperará el regreso de su Ulises particular.

A destacar los efectos especiales a cargo de la empresa de Jackson, que son fantásticos, y le dan la veracidad necesaria a una historia brillantemente sustentada en la credibilidad. El guión sencillo y sin trampas, igual que la dirección, que probablemente le abra las puertas a su director a los grandes presupuestos made in Hollywood. De momento disfrutemos de esta ficción que refresca el género.

Víctor Gualda.

DIETA MEDITERRANEA

2009-10-02T10:02:00.004+02:00

La comedia es desde mi punto de vista el género más complicado. Normalmente está basada en la situación y en la trama, mientras que los personajes siguen unas pautas marcadas desde el comienzo sin alcanzar un desarrollo. Encontrar el equilibrio es complicado y eso le infiere un aura de género menor que me parece algo injusta. Una buena comedia que no se quede en chavacana estereotipada es tan difícil o más que un buen drama. En “Dieta mediterránea” Joaquin Oristrell vuelve a casa y lo hace con una comedia irregular pero que trata de ser original. El sistema es clásico enredo mediante el triangulo amoroso. El punto de partida es original por el consentimiento de las tres partes implicadas, y porque está situada temporalmente hace treinta años, cuando en nuestra sociedad era impensable una situación así (tampoco ahora en realidad) dando lugar a algunos buenos momentos de comedia ligera. El problema viene cuando los guionistas se olvidan de lo que vinieron a contar y tratan de trascender.

Tal vez el peor defecto de esta comedia muy patria sea el desigual equilibrio de los actores, y una cierta, aunque disimulada, pretenciosidad. El tono (tal vez el mayor defecto de la cinta) oscila entre la comedia de situación y el drama necesario, pero sin llegar a decantarse con autoridad. Está claro que Oristrell no es Woddy Allen, pero conoce las estructuras y trata de sacarles partido. Como trasfondo el mundo de la cocina, con una heroína de andar por casa que atrapada en una sociedad anclada en la tradición, que trata de imponer su carácter en una sociedad todavía antigua, aunque la evolución a través de la cocina es uno de los temas del metraje. Un personaje fuera de su tiempo al que da vida una Olivia Molina que es el eje de la trama. Y lo hace bien. Esta actriz de saga, dibuja ya buenas maneras que espero no se quemen en la televisión, porque en algunas secuencias se adivinan los gestos de su madre y una intuición que sólo consolida la experiencia, y en otras sin embargo vemos que pierde el tono para situarse en tierra de nadie. Un Paco Leon tradicional le dará la replica. Leon es un animal escénico. Su evolución ha dado pie a un “cómico” de raza en toda regla, algo condicionado por sus papeles televisivos. Él es el único que mantiene el ritmo necesario en la comedia y hace buenas situaciones antinaturales con diálogos forzados y muy mal planteados movimientos escénicos. Su presencia es indudable y la película se alimenta de él. Al contrario que Alfonso Bassave. No es mal actor. Cumple, pero al igual que Molina no es capaz de dar el tono (tal vez más cómica con Bassave y más dramática con Leon). Su personaje es lineal y corto de registros. Sin llegar al desastre mantiene el tipo y descompensa la comedia. Las situaciones más dramáticas tienen un regusto cómico/clásico al que Bassave no saca partido. A eso hay que añadirle que Oristrell no domina del todo el ritmo, y le da escenas de peso para las que no está habilitado.

El conflicto está servido con el triangulo, pero el fantástico y necesario giro de la aparición del “cuarto elemento” , que hace que se rompa la armonía no está bien aprovechado. Que digo bien, nada aprovechado. La película pide a gritos que la aparición del segundo conflicto hubiese sido anterior, y con nuevas dosis de comedia para remontar el vuelo. En vez de eso, el director nos dirige hacia la consolidación del personaje principal en un happy end estúpido y poco probable. Ahora el secreto deja de serlo y el ánimo de provocar queda relamido y poco contundente. Es olvidable, y hay pocas cosas peores que un desenlace olvidable. A fin de cuantas, la resolución será la que deje el gusto definitivo a este plato de hora y media. Tal vez demasiado dulzón en este caso que hablamos en términos culinarios.

El ritmo no significa correr diciendo los diálogos. Significa que la situación suene ágil y natural, y algunos diálogos están faltos de naturalidad, son demasiado explicativos, o entorpecen las acciones de los personajes. Después de ver las comedias de Woody Allen, se nota la desproporción de las escenas en comparación. Allen huye de los cortes y utiliza casi planos master y el ritmo está dentro de la escena. La cámara les busca y el movimiento escénico de los actores llenando el espacio está garantizado, el ritmo es en definitiva interno de la escena. Aquí los actores están estáticos, recortados, creando el artificial ritmo del montaje, representando la escena a plano contraplano y generales estáticos y poco probables. Al espectador le dará la impresión de que acaba de ver otra comedia española que no va a ninguna parte y que no pasará a la historia de nuestro cine. Una lastima porque la comedia siempre había sido nuestro género fuerte.

Víctor Gualda.

MALDITOS BASTARDOS

2009-09-27T12:25:00.002+02:00

Me resulta complicado hacer una crítica objetiva de la nueva película de Tarantino. Tal vez por que me ha gustado y horrorizado a partes iguales. Por un lado está esa libertad del director americano para hacer lo que le da la gana como le da la gana, y por otra su propia cinefilia que le impide que sus películas sean equilibradas. Creo recordar que ya lo comente en este mismo blog con la crítica de “Kill Bill”, esa libertad le hace tender hacia el onanismo mental y acabar jodiendo películas que de otra forma serian obras maestras o la reinvención del género que aborda en cada una de ellas. Una vez más “Malditos Bastardos” mezcla lo mejor de sus cualidades y lo peor de sus defectos a partes iguales.

Lo primero que llama la atención es la división en capítulos casi literarios que componen la trama. Parece que estamos ante una reunión de relatos independientes que luego tienden a encontrarse en el desenlace, pero que por separado tienen su propio clímax final. Ya aquí vemos que hay un desequilibrio entre unos y otros. En vez de cumplir diferentes funciones en el conjunto, todos están basados en los diálogos. Y eso siempre es interesante en su caso pero descompensa el delicado equilibrio del total. La verborrea de sus personajes parecen reflejar la propia personalidad del director. Y lo hacen con talento, el problema es que parecemos asistir al mismo personaje con diferente uniforme y algún matiz propio de la situación. Así, la presentación del nazi Hans Landa (Chistopher Waltz) es sencillamente magistral. Una secuencia de veinte minutos de tensión con banda sonora reciclada de Morricone que nos conduce hacia un desenlace esperado, pero no por ello menos revelador. Tarantino no sólo es jerga de barrio. Es diálogo tenso y concreción en los desenlaces. Da igual que la larga secuencia sea puro western mezcolanza de Ford y Leone. Él consigue apropiarse de sus referentes y crear algo nuevo que trasciende. Es más, se permite reinventarse y autoreferenciarse con otra secuencia maestra en la taberna, que es una suerte de “Reservoig Dogs” comprimido. Pero el equilibrio entre ambas debería estar en la acción. Y esa responsabilidad le correspondían a los bastardos comandados por Aldo Raine/Pitt. En vez de eso, mete el cazo alargando innecesariamente las secuencias al estilo “Doce del Patíbulo” o “Grupo Salvaje” primero en la prestación incompleta del grupo, luego en la presentación del alemán desertor, y finalmente en la presentación del personaje de Eli Roth. Con lo cual el ritmo del conjunto se resiente. Y es que el ritmo depende demasiado del diálogo. Y aunque Tarantino sea un as en el manejo del texto, se echan en falta silencios dramáticos, el desborde en las resoluciones ya sean violentas o no y algo más de equilibrio en el total.

La acumulación de secuencias unas acertadas otras fallidas (para mi la del strudel es necesaria, pero alargada, al igual que el personaje de Brull me parece metido como excusa para hacer avanzar la acción, pero la personalidad no está bien definida, llevando al desastre la peor secuencia de la película, que no es otra que la de la resolución en el cine-teatro. Y es que el director es ambicioso y bajo mi punto de vista algo torpe al combinar los géneros en una secuencia que rompe todo el tono de la película al mezclar las tramas que se cruzan. Por un lado la comedia con unos bastardos pasados de vueltas (más que nunca) y el contratiempo del idioma (convertido en uno de los “temas” a los que mejor rendimiento saca el director), por otro la deserción de Landa, por otro el drama de Shosanna (Melanie Laurent) en lo que podía haber sido un final épico y por la precipitación se queda en un quiero y no puedo. Los cambios de registro están bien para descargar la tensión acumulada, pero no se pueden comer el verdadero clímax que se precipita en la cabina y no permite que el espectador disfrute de la venganza, que es el fin último de la trama (por mucho que se lance el mensaje de que la venganza es inútil), aunque sea a través de la autoinmolación. Y es que para mi el personaje del amante de Shosanna no tiene más sentido que el de resolver problemas de guión, ya que la relación entre ellos está completamente forzada a pesar del estético plano del celuloide amontonado. Mientras que la idea del atentado doble con el cine con la bobina cambiada entre las llamas es fantástica. Otra cuestión es el cambio de la historia (¿ucronía?), muy cinematográfica, pero que tal vez hubiese sido mucho más duro si no hubiesen acabado con Hitler y con Goebbels (entonces si que el tema de la venganza inútil se hubiese reforzado). Lo curioso es que el director consigue convertir el defecto en virtud, y la muerte de Hitler en el teatro es uno de los puntos más discutidos de la cinta por el poder del cine para “cambiar” la historia.

En definitiva y por no alargar una crítica. -Se puede escribir un libro más que un artículo, porque todas las secuencias tienen detalles maestros (me encanta el detalle fetichista con el que arranca la película por ejemplo)- una película incompleta porque debía haber durado cuatro horas para que el director se explayase, o cuarenta minutos menos para ser más concreto. Pero al final me quedo con la impresión de un genial experimento fallido que abre una puerta que ningún otro director del mundo puede soñar. Se puede acusar a Tarantino de narcisista pajillero y se le pueden negar premios al mejor director en festivales que se alimentan de su genio, pero lo que es innegable es que su energía y su sombra van alargándose por cada género que toca. Y ahora el cine bélico tiene un nuevo y genial (que no maestro) referente sobre el que reconstruirse.

Víctor Gualda,

MILLENIUM 1: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

2009-09-22T10:42:00.003+02:00

Uf, comenzar esta crítica sobre esta película basada en la trilogía de libros más celebrados de la década (con el permiso de los Harris Potteres, Códigos DaVincis, vampiros y demás fauna de Blockbusters literarios) para llevar la contraria a un peso pesado de la literatura como Vargas Llosa (El Pais) y a un pesado a secas como Ansón (El Cultural de El Mundo) no resulta fácil. Pero no puedo evitar primero sorprenderme y luego descojonarme al comprobar su entusiasmo calificando casi como obra maestra esta trilogía.sueca. Los libros, y la adaptación a la pantalla de la primera parte, tienen un punto a favor, eso no lo voy a negar. Resultan entretenidos, y miles de lectores/espectadores comparten el entusiasmo. No es poco en el siglo de las pantallas unipersonales, pero de ahí a subirla a los altares me parece que hay un salto cuantitativo y cualitativo importante. No entiendo porque Vargas Llosa dedica el primer párrafo de su artículo a justificarse, incluso lo reconoce al inicio del segundo con un -“A qué viene este preámbulo”- su peso es evidente, pero también él se puede equivocar, igual que él mismo dice que Donna Leon se equivoca por no gustarle, utilizando un –“¡Vaya disparate!”-

No nos volvamos locos llevados por el entusiasmo o por lo que digan los demás y sentémonos a reflexionar y a sacar conclusiones propias. La adaptación de Nicolas Arcell y Rasmus Heisterberg resulta bastante correcta y traslada las virtudes y los defectos casi a la perfección. Y digo casi, porque hay detalles que han sido convenientemente suprimidos, sirva como ejemplo ese superfluo ánimo de transgredir del Larsson formando un extraño triangulo consentido de Michael Blomkvist, su editora, y el marido de esta, que esta sencillamente suprimido posiblemente por miedo a que el espectador juzgue a un personaje al que tiene que apoyar incondicionalmente. Y claro, se trata de una adaptación y puede resultar intrascendente por no aportar nada a la trama. Pero tiene su importancia porque la base sobre la que se construye todo lo demás (la trama de la desaparición de Harriet Vanger) es cartón piedra, y es el desarrollo de los personajes, lo que sostienen el camelo (como se demuestra en la segunda y tercera entrega). Vargas Llosa habla de representantes sociales corruptos reflejos de la sociedad, olvidando que al fin y al cabo se trata de novelas de género que necesitan antagonistas oscuros contra los que luchar, y que cuanto mayor sea la entidad del enemigo, mayor el interés de la empresa.

Pero no hace mención de la plana, plana, plana personalidad de ese alter ego del escritor que es el periodista metido a detective, Blomkvist. Los personajes positivos, sin un solo defecto, moralmente intachables, sin asomo de duda, comprensivos, y luchadores no tienen cabida en una sociedad que tiende a rechazar. Todos desgraciadamente tenemos defectos, y desde el primer capítulo entendemos que este superhéroe llevará a buen puerto cualquier cosa que se proponga. Y eso, me resulta además de obvio, aburrido y mentira. Con esa personalidad, es difícil que el personaje de Lisbeth Salander (fantásticamente interpretada en la película por Noomi Rapace) no sea el que se come la novela, y en la segunda y tercera parte acapare el protagonismo. Salander es otro personaje de cartón piedra con la que es espectador/lector se identifica porque está dibujada imperfecta y con un oscuro pasado. Eso anima la curiosidad, pero no es suficiente para convertirla en una diosa intocable. Salander es otro cliche con recursos ilimitados, más inteligente que todos los demás personajes juntos, porque además de la mejor hacker del planeta, es la mejor boxeadora, la más persistente y la única “buena” que a pesar de transgredir el sistema, también es moralmente intachable. El espectador sabe inconscientemente que nada se le podrá resistir, y en ningún momento teme por su vida, es más, hasta cuando roba, lo hace a alguien que lo merece por corrupto.

En cuanto a la trama, no es más que una traslación "de barrio" de cualquier caso de Agatha Christie o Conan Doyle (o Dikens o Dumas si Vargas Llosa lo prefiere), a una desaparición de hace treinta años, y podemos decir que es entretenido, pero ni siquiera sorprende, menos en la película, que también evita en este punto la trasgresión moral del asesino, su padre, y sus costumbres sexuales. Sólo cabria resaltar la secuencia de la violación de Salander, que por supuesto está rodada a la americana, sin producir ese asco que trasmite imaginar la situación cuando la lees la primera parte de la trilogía. El resultado final de la película resulta naif y vacío. Lo bueno, es que al menos los protagonistas en la pantalla no son un actor de papel cuché, y cualquier lerda siliconada (bueno, en la segunda igual si, porque la propia trama impulse a la futura estrella) los protagonistas no son reconocibles y pensamos que asistimos a algo nuevo. A pesar de ello, la película y el libro son más de lo mismo que importamos del mercadeo USA.

Volviendo al tema que parece haber apasionado a Vargas Llosa, recordar como nació el género negro. La corrupción social de las instituciones, bancos, empresas, policía y demás, generan la desconfianza de la masa social produciendo una impresión de que cualquier vengador enmascarado o armado que luche contra/al margen del sistema merece un puesto en el imaginario colectivo (una vez más el individuo contra el sistema). Lo vimos hace poco en “Enemigos públicos” Dilinger es el último héroe romántico que transgrede el sistema, el héroe romántico antes que se restablezca el orden. Si todo es cíclico, las crisis bancarias, los constantes casos de corrupción política y económica, producen ahora el mismo efecto con el repunte del género, en el caso de esta trilogía centro de las tramas del segundo y tercer libro. Y es que la literatura y el cine, suelen tener que ver con las sensaciones sociales del momento, y si a eso añadimos un estilo directo y sencillo, la mitad del público ya está ganada. Lo que me resulta curiosa es la otra mitad. ¿por qué guardan silencio? No es una buena novela (sin entrar en las deficiencias técnicas), no es una buena película (correcta a nivel formal en todo caso). Yo no creo como algunos en las conspiraciones de encargo. Prefiero pensar que el reconocido escritor se ha dejado llevar por los recuerdos de su juventud y hace tiempo que no lo hacia… al final sólo el tiempo colocará a cada uno en su sitio. Seguro que Vargas Llosa sube al panteón de la historia de la literatura, lo que no tengo tan claro es que Stieg Larsson y su Millenium lo hagan.

Víctor Gualda.

UN BUEN HOMBRE

2009-09-19T09:58:00.005+02:00

El título, tan sintomático como la mayoría de las veces, ya nos da pistas a grosso modo lo que vamos a ver. Un buen hombre es una película sin ambición, y eso puede ser tan malo como el exceso de ella. Con una buena idea de base que se queda en un quiero y no puedo por la indefinición a la hora de lanzarse al género. Juan Martínez Moreno se ha decantado por el drama a secas a pesar de momentos puntuales algo bizarros, y un drama con asesinato pide algo más. Un extra de determinación que aquí se suple con el trasfondo de duda moral que lleva implícito el argumento.

Lo que me gusta de la cinta es que no engaña. No todos los españoles vamos a misa como el personaje de Tristán Ulloa, pero si todos (o casi todos) nos hemos criado bajo el yugo moral de la iglesia católica. Por eso cuando Ulloa es testigo de lo que es testigo (prefiero no desvelarlo porque me parece interesante también la cotidianidad con la que se expone la acción, lejos de efectismos y convirtiendo al espectador en cómplice) la duda, ambigüedad moral entre lo que debe de hacer como miembro de la sociedad y lo que debe de hacer como “amigo” (entrecomillado porque es una de las claves de la película) se hacen hueco en su mente y por ende en la del espectador. Se plantea el típico dilema de – ¿tú que hubieras hecho en mi lugar?- y se refuerza con la ambición del protagonista. También interesante en este punto la sobriedad del personaje de Ulloa que no se desgasta en parlamentos justificatorios y que hace del silencio una actitud. La ecuación se plantea al cuadrado al ver que en la determinación que toma nuestro protagonista, hay una falta de confianza con su pareja Nathalie Poza, con la que no está dispuesto a compartir oscuros secretos.

La película, que ya ha definido el tono, se lanza firme hacia el improbable futuro, con un sorprendente (y ahora si, bizarro) giro que añade más morbo a la ya de por si difícil situación. El efecto bola de nieve complica aun más la trama, y refuerza la psique del personaje atrapado. Ulloa y Gutierrez Caba tienen una deuda común y la expiación de los pecados de ambos se complica por momentos. Es curioso el desenlace de la cinta por varios motivos. Por un lado, el planteamiento de que la comunión libera al pecador de sus acciones, una vez que el causante ha cumplido con su presunto deber moral. Aunque el director ha olvidado que para el perdón completo hace falta la previa confesión, y prescinde de esa escena (no es posible la expiación de los pecados propios a través de acciones ajenas, porque eso es lo mismo que un Deus ex machina). A nivel simbólico está bien, el problema es que a nivel cinematográfico ese desenlace esta sencillamente mal contado, Resulta ajeno al espectador de forma torpe. Esa el la clave de mediocridad de la cinta, la falta de esa ambición de la que hablaba al principio.

Personalmente eché en falta que después del desenlace, de que Nathalie Poza diese a Ulloa la razón para seguir adelante, la normalidad se hubiese restablecido a través de ella, y no una vez más a través del silencio (el peso de la culpa y la tragedia debían caer sobre los hombros de Ulloa, sino pierde la coherencia el personaje). En vez de eso el personaje ni siente ni padece. Si hubiese confesado derrotado conmovido por la noticia de ella, y precisamente fuera ella la que le redimiese de la culpa, la película hubiese volado mucho más alto. En vez de eso, la indefinición, la falta de tensión de toda la cinta, y las buenas pero irregularidades maneras de dirección, lastran un film que podía ser mucho más de lo que es, paradójicamente con muy poco.

Víctor Gualda.

LA SOMBRA DEL PODER

2009-09-15T10:26:00.002+02:00

Nada que objetar a este thriller conspirativo al más puro estilo americano. Todo es correcto por no decir perfecto. Tan perfecto que mi chica a los quince minutos se levantó del sillón aburrida. ¿Por qué? Por la razón más obvia. Sabía perfectamente como iba a terminar. Dos horas después no pude hacer más que darle la razón. Puede que el espectador no pueda prever las vueltas que decidan dar los responsables para llegar al desenlace, pero el esquema es tan evidente que un no cinéfilo lo puede adivinar sin esforzarse. Tal vez su previsibilidad se deba a que está basado en una serie de televisión (de la BBC), o a que los actores no son los mejores posibles, pero esta película dirigida con buen pulso deja ver claros los andamios que la sostienen

El guión responde a la estructura clásica del género. Trama escrita de atrás adelante y personajes planos con pinceladas de personalidad pero sin profundizar. Por un lado aunque el protagonista absoluto está interpretado por Russell Crowe. Arquetipo del periodista de la vieja escuela, desastroso en lo privado, un fiera en lo profesional por encima de reglas convenciones y jefas histéricas. Como “compañía” femenina una joven inexperta pero ilusionada (la invisible pero constante Rachel McAdams) Por otro, el amigo de la universidad ambicioso que ha hecho carrera en la política llegando a ser congresista interpretado por Ben Affleck, y la mujer de este Robin Wright Penn como rubia peligrosa, completan un triangulo extraño de relaciones sexuales cruzadas poco explotadas. Por supuesto el ganador congresista Affleck se llevó a la chica. Nada de aprovechar la posible tensión sexual entre aprendiz y el maestro. Todos ellos metidos en una conspiración política con los típicos asesinatos extraños, la típica gran empresa (en este caso de seguridad privada), y el típico asesino de pago frío y calculador. En definitiva nada nuevo bajo el horizonte.

Tal vez lo más interesante de la película sea lo menos desarrollado. La confrontación entre el antiguo periodismo, y la información limitada y poco contrastada de escritores de blogs, pero con el poder de llevar la información y los rumores a cada rincón del mundo de manera inmediata. Crowe como buen profesional de la vieja escuela sirve de gurú a McAdams para que descubra el verdadero periodismo de investigación. Aunque sea sonsacando a veces con métodos poco ortodoxos la información. Siempre menos inmediatos, pero yendo a ese fondo de la noticia que muchas veces esconde una realidad de mucho más calado social. Esto es lo que lleva a la denuncia escondida en la trama. El poder que van acaparando las empresas de seguridad en Estados Unidos. Pequeños ejércitos de mercenarios que se van quedando con el negocio de la guerra fuera de las fronteras americanas. (TVE emitió en Documentos TV un fantástico reportaje/documental que no tiene desperdicio que habla de este negocio floreciente y lucrativo que os cuelgo para que lo veáis) Lo más increíble; que estos yanquis tiran la piedra y esconden la mano, y en vez de llevar la situación al extremo, deciden convertir el thriller en melodrama televisivo y dejar la denuncia en una mera anécdota (el giro final es una tomadura de pelo que trata de sorprender, y lo único que consigue es faltar el respeto al espectador). Una cagada de alto presupuesto, vamos.

En definitiva, que si, que Kevin Mcdonald tiene buen pulso a la hora de dirigir imprimiendo ritmo, suspense e incluso guiños de comedia. Que el guión de la serie de Paul Abbott está bien comprimido por Matthew Michael Carnahan, Tony Gilroy (que está hasta en la sopa) y Billy Ray, que los actores están perfectos en sus trajes, camisas de leñador o minifaldas… pero me extraña tanta buena crítica a esta película que en realidad es más de los mismo. Dentro de dos meses ya no estarás seguro de si la viste, o adivinaras lo que va a pasar en la próxima que veas del estilo.

Víctor Gualda.

THE VISITOR

2009-09-11T10:57:00.003+02:00

Película sencilla que se mueve en dos líneas argumentales bien definidas. Por una parte en la emocional centrada en la evolución del personaje y por otra dentro de la trama. Ambas están muy bien combinadas creando un cóctel homogéneo. El arranque nos muestra a un hombre solitario y poco dado a relacionarse, Walter (Richard Jenkins). Entendemos que está sólo y que su vida es aséptica y dentro de un sistema que le invita a repetir cada día como si fuera el anterior. Entendemos que ha perdido hace no demasiado a su mujer y se empeña en recordarla a través de clases de piano, para las que evidentemente no está dotado. Pero el destino que mueve a los hombres le dará una segunda oportunidad de la forma más inesperada. Unas conferencias le devuelven a su antigua casa de Nueva York, al menos durante una semana. Allí se cruzará con una pareja que sin tener nada que ver con él, cambiara su vida.

La relación entre Jenkins y Tarek (Haaz Sleiman) será el salto hacia lo desconocido. Poco a poco la rigidez ira cediendo y encontrará un motivo para cambiar. Es ese punto de giro que necesita cualquier trama para hacer avanzar la acción, Walter (Jenkins) conocerá una realidad que está presente en la sociedad de cualquier país del primer mundo, pero que la clase media a la que pertenece Jenkins prefiere ignorar. Por supuesto se involucrará, pero no hasta tal punto como para dejar de lado su vida. El guión de Tom McCarthy está muy bien tejido en este sentido. Los pequeños giros son determinantes pero creíbles para entender los cambios. Nada es gratuito o irracional. El ritmo es coherente con la historia. La burocracia es lenta, y el tranquilo profesor ira desesperando como lo hacemos todos en las colas administrativas. Pero mientras él lo hace, comienza a vivir de nuevo, y esa perdida de papeles le ha cambiado irremediablemente. Ya no es el mismo que comenzó la película. Ahora está dispuesto a levantar la voz ante la injusticia y dejar de lado por primera vez su ego.

En este punto el director y el guionista tenían dos caminos. Aquel que deja satisfecho al espectador y se resuelve al estilo Hollywood con final feliz, o aquel que se acerca a la realidad mucho más cruda y sin concesiones. Afortunadamente toman el camino de la verdad. Una crítica tan seria no se debe lanzar y luego para dejar tranquilo al espectador y que su conciencia descanse. No se trata de moralizar. Se trata de ser realistas y crear una pequeña grieta en la conciencia del individuo. A fin de cuentas es él y sólo él quien puede cambiar el futuro. De momento nos conformaremos con que la rígida mente de clase media de nuestro protagonista ha cambiado. Ha tomado conciencia y con un pequeño acto simbólico entendemos que nada volverá a ser como antes. Además Walter-Jenkins ha conseguido algo improbable. Ha aprendido que siempre hay esperanza de luchar y encontrar algo mejor.

A nivel social, me quedo con la crítica a un sistema deshumanizado que trata al individuo como un objeto al que tirar o dejar de lado, en un país que presume de democracia. En un país de colonos que se rige por el sistema de clases que por supuesto no están relacionadas entre si. Esta resulta una película para esas medias que serán las que vayan al cine, o las que valoren que Jenkins merece ser nominado al Oscar. El problema será el de siempre. La información es tanta que los problemas de un individuo, aunque representen un colectivo sólo serán una mera anécdota, y sólo si la repercusión social llega a través de los medios como mostraba Wilder en “El gran carnaval” puede trascender. Película maravillosa por sencilla, bien llevada, bien escrita, bien dirigida y extraordinariamente interpretada.

Víctor Gualda.

WATCHMEN

2009-09-07T09:30:00.005+02:00

Lo cierto es que no sé lo que esperaba de esta película. Tal vez se deba a que mis expectativas después de escuchar a tanto fanático del cómic, eran demasiado elevadas. Pero el primer visionado de “Watchmen” me ha parecido en líneas generales un coñazo insufrible. De acuerdo, estéticamente es la caña, la introducción es cojonuda, pero las dos horas y media de metraje se me han hecho eternas, y el discurso me ha parecido anticuado y pretencioso. En su favor, tengo que reconocer que me la tragué entera de una sentada (cosa que no pude hacer con “The Spirit”) y que tiene reflexiones sobre los “superhéroes” que no había visto o leído en otros cómics de la época.

Para empezar me parece complicado adaptar un cómic tan complejo y largo en una película. Se que el director (Zack Snyder) y sus guionistas (David Hayter y Alex Tse) han tenido que suprimir capítulos que ayudan a entender la trama principal o las motivaciones de los protagonistas. Incluso ese metalenguaje del cómic dentro del cómic es interesante y se ha perdido. Pero eso no me parece excusa para entender que el formato audiovisual es diferente, y por lo tanto que no se le pueden meter paliques metafísicos monologados de cinco minutos. Después de esa presentación en imágenes que tan bien resume la formación de los Héroes y que cualquier tiempo pasado fue mejor (que por cierto me recordó a “Los Increíbles”) comienza la parte narrativa propiamente dicha. Los cambios de punto de vista, alternados con flash-backs explicativos están bien introducidos. Sabemos quién es quién y cuales son los roles (aunque claramente estereotipados) El problema es que aunque estructuralmente están donde tienen que estar, este primer bloque es tan largo que casi dura una película convencional entera, con lo cual el ritmo narrativo se resiente. Por otra parte, el planteamiento del conflicto interno de los héroes que envejecen y dejan de tener sentido en una sociedad cambiante que les rechaza (“¿Quién vigila a los vigilantes?”), lo que les provoca morriña del pasado está bien, pero no hacen falta treinta secuencias para contar lo mismo en la primera que en la última, por mucho que la intención sea deconstruir el arquetipo convencional del superhéroe y la falta de superpoderes les humanice en todos los estadios.

Es cuando cambia el bloque de flach-backs y presentaciones, y se centran en el conflicto, cuando la película arranca y coge algo de ritmo (por fin). La consecuencia necesaria de tanto melodrama (historia de Espectro de Seda I y II con el Comediante, o a la de Espectro de Seda II y Buho Nocturno) no puede ser otra que la de que los personajes reaccionen dejen de lado sus miedos y retomen su “misión”. Es en este punto de giro donde más conflicto en cuanto al mensaje veo. Si es cierto (como me decía un amigo) que el tufillo fascistoide impregna toda la cinta, es con la guerra nuclear con lo que alcanza su mayor esplendor. Entiendo que la preocupación de la época (está ambientada en 1985) y el fantasma del comunismo copen todo el trasfondo, pero los valores han cambiado y el enemigo invisible que no tiene cara me resulta demasiado irreal (por no hablar de esa división simplista entre buenos y malos). La idea de que los americanos tienen el deber de salvar al mundo me aburre sobremanera, y la idea utilitarista de que haya un exterminador invisible que tiene la misión autoimpuesta de reventar al planeta para salvarlo me produce escalofríos, porque justifica moralmente cualquier acción por descabellada que sea. Los daños colaterales valen para matar mujeres y niños y tienen justificación, porque a fin de cuentas a los muertos no les conocíamos y la causa es “buena” (me recuerda demasiado a conflictos actuales)

Luego está el tema de los personajes, como dije antes estereotipos que esconden distintas tendencias nihilistas, deterministas, utilitaristas disfrazadas en las personalidades. El esquizofrénico paranoico fascista de la mascara llamado Roschach (Jakie Earle Haley) es el punto de vista principal que hace que avance la acción a través de su voz en off al mas puro estilo del cine negro, por cierto la mejor interpretación cuando le quitan la máscara. Espectro de Seda es el enlace entre dios/Dr Manhattan y los hombres; El buho, el bucólico representante de los héroes retirados; El comediante otro fascista psicópata presuntamente nihilista (al menos es lo que se entiende de sus monólogos contra todo y todos) sin la menor empatía con nadie y Ozymandias, el espabilado megalomano narcisista personificado. Hago un alto en Dr Manhattan porque me parece el más estúpido de todos. Un personaje que pierde la humanidad, pero que es el encargado de salvarla. Omnipotente pero creado por el propio hombre. Indestructible pero manipulado por un ser inferior; guardián del mundo, pero retirado en una isla (Marte) Podría llamarse doctor paradoja, pero a pesar de que está introducido en la trama pseudos policíaca, cualquier acción suya no deja de ser un Deus ex machina, con lo cual cualquier desastre puede ser arreglado con su varita mágica, como de hecho así sucede primero en Vietnam (guerra que acabo de descubrir que los americanos consideran que ganaron) y luego con el conflicto nuclear (lo digo consciente de que el final del cómic difiere del de la película). Todo ello alternado por discursos seudo metafísicos de guardería.

Lo siento por los fans de Alan Moore, que deben sentirse decepcionados dado el formato gráfico permite un desarrollo más coherente, pero lo único que me parece salvable de este coñazo de dos horas y media es la estética y algunas soluciones visuales. Me da igual que hayan contado con asesores en física quántica y que los personajes tengan una base científica como explican en los extras. La trama me parece espesa, los personajes estereotipos, el trasfondo pasado de moda. Todo con una ambición desmedida de su director sobrevalorado Zack Snyder (300). Al final me quedo con la frase hecha “el que mucho abarca, poco aprieta”.

Víctor Gualda

THE INTERNATIONAL

2009-09-04T12:16:00.005+02:00

El cine de espionaje vuelve a estar de moda. Y Clive Owen es el hombre para este tipo de papeles. Si hace poco le vimos en "Duplicity", en "The Internacional" retoma el personaje. Solo que en este caso el tono del film es diferente. Dejando a un lado la comedia, es ahora un aguerrido agente de la Interpol, y se verá metido en un oscuro caso que le supera. También aquí contará con un peso pesado como partenaire, Naomi Watts, fantástica interprete con tendencia a cambiar de look para cada papel. Owen sin embargo es siempre Owen. Duro, incorruptible, moralmente irreprochable y con esa gabardina que le hace pasar de un papel a otro como si cada personaje fuera una continuación del anterior. Pero eso no es negativo, también Cary Grant y muchos otros grandes cambian de papel pero no de traje. La clave está en un guión sin fisuras, muy bien dirigido y una realización impecable.

Lo que en principio parece un argumento de novela negra de esas en las que te pierdes con los nombres de los personajes, está pulido para que el espectador entienda de qué va todo el tinglado. Aunque la presentación arranca con una secuencia extraña, con personajes a los que desconocemos conspirando sobre algún tema que nos resulta ajeno, y con un Owen desorientado y oscuro, inmediatamente el guionista Eric Warren Singer nos pone al corriente de que va la conspiración y del carácter del personaje. Nos desvela un oscuro pasado que despierta nuestra curiosidad, nos mete de lleno en la trama. Entendemos quién es el enemigo invisible. Una institución siempre es un enemigo apetecible, sea un banco, un gobierno, o una agencia federal, el espectador siempre se pondrá de parte del individuo. Pero una macroempresa es un enemigo sin rostro, y como en aquella película que comentamos hace poco “A quemarropa”, el enemigo debe volverse tangible por medio del individuo (las instituciones también necesitan rostros) y ese rostro será el antagonista último… pero antes, hay que pasar por el peaje de las clases medias: asesinos a sueldo, matones despersonalizados con semiautomáticas y demás, comandados por el “consultor” profesional interpretado por Brian F. O´Byrne.

Una secuencia en el Guggenheim de Nueva York será el atrezzo para la acción que necesita una película de estas características. Los americanos tienen tendencia a provocar destrozos devastadores, y por qué no, el teutón Tykwer ha debido pensar que el arte engrandece la violencia. Pronto la trama se divide en tres. Y con la duda moral que se establece en la mejor secuencia de personajes, entre el viejo y antiguo coronel de la Stazi (Armi Mueller-Stahl) y Owen en la que se ponen sobre la mesa los términos amorales de cualquier acción. Owen decide cruzar la línea (ojo, es el sustento teórico del film, y lo mejor trabajado). Y es que para luchar en igualdad de condiciones contra una corporación, hay que equilibrar las fuerzas. El rudo y atractivo detective (cuanto más desaliñado más encanto tiene el personaje) decide cruzar la línea, y el planteamiento moral del personaje cambia. La experiencia es un grado en los servicios secretos, y en la vida. Las reglas las imponen las mismas instituciones para jugar con ventaja, así que el mcguffin de trafico de armas (increíblemente sencillo por bien explicado) pronto tendrá solución momentánea. Pero queda el individuo. El malo estereotipo necesario debe sufrir el castigo por sus actos, y si el coronel ha expiado sus pecados conscientemente, sólo Owen podrá redimir los del “malo”. Pero si su firmeza flaquea (no es tan fácil saltarse los propios principios), otra organización que el espectador conoce (curiosa la relación inconsciente del espectador –mafioso/italiano- por su falta de escrúpulos) se encargará de poner la bala. Así todos contentos.

La película resulta al final una crítica al sistema. A los intereses deshumanizados de los bancos para crear guerras, intervenir en el tráfico de armas. Fantástica la explicación no carente de lógica que relaciona armas con deuda, bajo la fina batuta de un Tom Tykwer que se pasa al thriller conspirativo y que ya ha dado muestras de su buen pulso narrativo y visual como director y que siempre encuentra soluciones visuales a la narración (“La princesa y el guerrero", "Corre Lola corre" o "El perfume"). Hay que felicitar al equipo por resucitar dignamente este género tan difícil, pero necesario. Peliculón que sin compartir los honores de otros estrenos, está muy por encima de créditos que lo avalen.

Víctor Gualda.

RESACON EN LAS VEGAS

2009-08-31T11:57:00.003+02:00

Tradicionalmente el verano es la época perfecta para las comedias disparatadas. Poco a poco esta tendencia está cambiando y se estrenan películas de todo tipo y catadura, lo que provoca que las comedias evolucionen y la calidad apremie. Siguiendo la estela del exitoso Apatow, aprovechando las virtudes y subiendo un escalón más (no resulta tan descaradamente moralizante), nos llega esta fantástica comedia llena de virtudes y algún presunto defecto que no tiene desperdicio.

Lo primero y más importante es el desconocido reparto. Cooper, Helms, Galifianakis (autentica revelación cómica), van a celebrar la despedida de soltero de Bartha (como novio semiausente) en las Vegas. Ya no son teenayers en busca de la madurez, aunque su comportamiento contradiga esta afirmación. Ahora son maduros que tienen que recuperarla con fecha límite. Pero antes, todo pinta fantástico. Alcohol, juego, y chicas. Unas secuencias preparatorias de presentación de cada personaje y la llegada del grupo a la ciudad del juego, es suficiente para ponernos en situación. Pero lo mejor está por llegar. Al contrario que lo habitual, la película empieza después de la juerga. El novio ha desaparecido, y hay que recuperarlo antes de la boda. La trama consistirá en reconstruir “el sueño de la noche de verano” para encontrar al futuro novio. De entrada, un bebe, un tigre y un diente son los aperitivos del desfase.

A partir de aquí se inicia el viaje iniciático a través del día tratando de reconstruir una noche al más puro estilo Max Estrella. Los skeches se sucederán casi sin descanso con situaciones dantescas que pasan por Mike Tyson haciendo de si mismo o un chino mafioso y gay o la striper (tierna Heather Gram.). Nada de flash-backs que alimenten de forma facilona la imaginación del espectador. A lo largo de todo el metraje entiendes que el desfase ha sido brutal y la imaginación del espectador debe suplir las imágenes. La droga necesaria para este tipo de argumentos les produjo un efecto demoledor y ellos mismos, al tiempo que el espectador, descubrirán los desfases de la noche mientras buscan a su amigo como base argumental que hace evolucionar la trama. Así los personajes esperpénticos irán apareciendo aportando subtramas como pruebas que deben pasar para que Ulises vuelva a Itaca con su particular Penélope. Una vez que se reestablece el orden, el final no puede ser distinto del que es. A fin de cuentas se trata de una comedia, e incluso Shakespeare utiliza las mismas convenciones para el desenlace. Es fácil acusar de facilón y previsible, pero el espectador, socio indirecto de los personajes, necesita el premio a tantos sufrimientos. Aún así, un epílogo absolutamente genial sirve de gratificación por las casi dos horas de penurias. El espectador recibe la recompensa en forma de peculiar flashback que reafirma que todo ha sido real, y que por última vez van/vamos a contemplar lo agitado de la noche (hay quien dice que esa secuencia es una equivocación, particularmente me inclino a pensar que no).

En medio del metraje un buen puñado de secuencias como la parodia de “Rain Man”, o el castigo moral por haber sido mal ejemplo para la sociedad desde el sádico sentido del humor de la policía. Un ejemplo de comedia que en EEUU ha barrido, y que presumiblemente lo debe estar haciendo en nuestro país. Y es que no hacen falta créditos de relumbrón, sino argumentos sólidos, y divertidos (en el caso de la comedia) para que el público ejerza de crítico cinematográfico incontestable. Un diez para esta comedia desbarrada ágil y divertida, basada en un hecho real (qué sorpresa) que hará las delicias de aquellos que quieran pasar un buen rato huyendo del calor. Un diez para Todd Phillips que ha sabido controlar los tempos e imprimir el ritmo que necesita el espectador para salir con una sonrisa del cine

Vïctor Gualda

SEÑALES DEL FUTURO

2009-08-27T10:11:00.004+02:00

Nicolas Cage parece el actor con menos criterio para elegir papeles de Hollywood. Atrás quedaron sus intentos por hacer películas de calidad con papeles peculiares en sus inicios como sobrino acreditado de Coppolla. Ahora es un actor autónomo encasillado en el eterno héroe de acción para grandes presupuestos. Si a eso le añadimos un tanto de ciencia-ficción, no hay producción de este tipo que se precie que no cuente con él. Películas clinex de las que lo único que debe recordar es el salario que cobró porque argumentalmente no hay por donde cogerlas.

En el caso de la que nos ocupa es encima una de las mejores en las que se ha prodigado en los últimos tiempos. Tiene todos los elementos que les encantan al espectador medio americano (y español, por qué no) un niño como coprotagonista, acción y secuencias espectaculares de efectos especiales de esos que se disfrutan en pantalla grande a raudales. Es tal vez lo más destacable de todo el metraje. Dos secuencias con mucho ruido con un avión y unos vagones de metro. Mucho extra ya sea real o digital, y el protagonismo absoluto del superhéroe mesiánico (en este caso casi literal) que tiene el deber de tratar de salvar a la humanidad a nivel social y a nivel individual a su hijo.

Todo ello englobado para destacar los valores americanos que están en peligro por la codicia de los hombres. Un poco como aquel remake que hace poco protagonizó Reeves (el otro especialista en ciencia ficción) y que comentamos en este blog, solo que desde el punto de vista del hombre. Elementos directamente importados del antiguo testamento que nos hablan de grandes catástrofes y plagas casi divinas. Extraterrestres con misiones de salvar la especie, manteniendo en un arca de Noe interestelar el futuro de la humanidad. En este caso las causas del desastre son naturales (no juegan con “la culpa” del hombre) pero las consecuencias son globales, y como todo el mundo sabe, si no nos salva un yanqui, sólo lo puede hacer un extraterrestre.

Pero el argumento está introducido a través de una mezcla de géneros. Por una parte una especie de terror de barrio a través de los números y los personajes extraños que nos vigilan, por otra, la seudo-filosofía de si todo es un cúmulo de casualidades o un cúmulo de despropósitos que hacen que los planetas se alineen para crear una consecuencia. Por supuesto el necesario drama como motivación del personaje principal, y también por supuesto el enaltecimiento de la unión de la familia como forma de enfrentarse a las adversidades. Eso si, en esta los guionistas Pearson, Nelly, Snowde, White, Hazeldine y Proyas (¿de verdad hacen falta tantos guionista para tan poco guión?) parecen dejar en manos del destino como forma de expiación las consecuencias de los actos de los hombres. Una forma de exculpación un tanto estúpida que parece querer transmitir el mensaje de que hagamos lo que hagamos será la naturaleza la responsable… pero qué graciosos son.

La estructura es lo de siempre. El héroe que tiene que proteger a su hijo de su destino y que descubre que a través de los números se han predicho todos los males de la humanidad (la humanidad sólo son los yanquis, claro). Una mezcolanza de Biblia y profecías paganas que se aúnan para que Cage las descubra y trate de cambiar el futuro. Todo ello protegiendo a su primogénito, el elegido que representa el futuro. La utilización de la coprota femenina está sólo introducida para enaltecimiento del personaje masculino en un giro inesperado, pero claro, si no se hubiese dejado llevar por sus impulsos en vez de seguir la palabra del profeta Cage… en realidad da igual, porque los guionistas juegan al despiste, y aparte de los efectos, lo mejor del film es la capacidad de dar giros inesperados y ese desenlace paradójico que tan de moda está. Una película de la marca Cage, que se ha convertido en su propio género. Y es que uno ya sabe lo que va a ver cuando se asoma a unas de sus películas.

Víctor Gualda.

ENEMIGOS PUBLICOS

2009-08-22T11:38:00.001+02:00

Vuelve Michael Mann. Y lo hace a lo grande, con un películón que sólo el tiempo decidirá si pasa a los libros de historia como obra maestra. De momento nos quedamos con una maravilla que merece la pena ser vista en pantalla grande. Una película interpretada por Johnny Depp. Un actor que, siempre hace trabajos aceptables y del que hay que reconocer que aporta lo más importante al personaje que interpreta. El carisma. Pocas veces me he alegrado tanto de que el actor que en principio estaba llamado a hacerla tuviese otros compromisos. Y es que con DiCaprio la película hubiese sido otra, y me atrevo a decir que peor.

Pero volviendo al viejo proyecto con el que Mann soñaba desde hace años, y del que ya se habían hecho al menos que recuerde un par de versiones interesantes. El director vuelve a utilizar el mismo esquema de “Heat”, con dos antagonistas carismáticos a ambos lados de la ley, que al igual que en aquella, apenas tienen una secuencia juntos en todo el metraje, pero que irremediablemente están llamados a encontrarse. Moralmente ambos están mimados desde el guión. Más en el caso de Dilinger-Depp que es el protagonista, pero también en el caso de Purvis-Bale. Es la década de los treinta y la sociedad está cambiando. Ambos tienen valores clásicos. La amistad, el honor, la eficacia. El personaje de Depp con ese aire romántico de los antiguos ladrones anclado en tiempos mejores, y el de Bale con ese aire de antagonista obsesivo pero con principios sólidos, que por encima de todo tiene que cumplir su deber, pero que acepta como buenos los nuevos métodos de investigación. Lastima que Mann no haya desarrollado un poco más la relación con el personaje de Hoover, porque el fundador de FBI es un personaje oscuro que podría servir de antagonista de su propio subordinado, por no tener esos principios morales tan sólidos.

Sin embargo en cuanto a Dilinger, el director a partir de cierto punto de la película ha ido dejando de lado al forajido para presentarnos al enamorado. Su relación a partir de la segunda mitad de metraje quita protagonismo a los robos de bancos y a persecuciones entre antagonistas. A cambio el personaje se humaniza. Ya no es un arriesgado ladrón de bancos y se convierte en un arriesgado enamorado dispuesto a todo por recuperar a su chica. Por cierto, también maravillosa Cotillard. El arranque va al grano en una presentación sin palabras que introduce al espectador de lleno en la película con un par de secuencias de acción. Primero en la cárcel para recuperar a sus socios encarcelados, para reforzar una idea que tendrá peso a lo largo de todo el metraje. -Dilinger jamás deja de lado a sus amigos-, luego atracando inmediatamente un banco. De esta forma directa entendemos el carácter de Dillinger y su ocupación sin diálogos que entorpezcan. Y es que las más de dos horas necesitan un ritmo endiablado para mantener al espectador pegado al sillón. Y lo consigue Mann. Lo consigue creando la sensación de que la constancia de Purvis acabará alcanzando al forajido. Uno a uno van cayendo los socios al más puro estilo del western americano. Sólo es cuestión de tiempo, y eso el espectador lo sabe, creando la incertidumbre de en qué momento y cómo lo hará. El espectador se pone de parte del ladrón precisamente por su manera de hacer y desea que no llegue nunca. Por eso la traición de una mujer creará una impotencia mayor que la que hubiese tenido si la muerte hubiese llegado en la acción.

Lo más increíble es que la película avanza firme, pero si al comienzo las secuencias de acción habían tomado el mando del ritmo, poco a poco son las secuencias de personajes las que se imponen, transformando la épica que ya de por si destila el film. Están por llegar los mejores momentos. La secuencia en la oficina creada para capturarlo, o la secuencia viendo “El enemigo público…”, referencia fílmica que sirve para anticipar el destino y que crea una sensación especial en un Dilinger mediático de por si (curiosa paradoja; el personaje se compone a través del cine convirtiéndose en completamente cinematográfico). Poco o nada importan las concesiones del epílogo. El corazón del espectador está con el gángster y nos quedamos con la impresión de que así tenia que ser y de que ha conseguido su objetivo, vivir al máximo y morir de la misma forma.

Hay que hacer mención al fantástico trabajo de la dirección de arte, la producción, fotografía y montaje. La ambientación en general es maravillosa y te traslada directamente a un Chicago “de cine” propiedad de los antihéroes americanos, antes de que la épica se trasladara, también mediante el cine, a los “defensores de la ley” (después de que el género negro perdiese parte de su sentido. Su aparición tuvo razones económicas y sociales, y con el cambio social había que reforzar la idea del nuevo orden moral). Los secundarios también tienen peso específico en la trama, y algunas de las secuencias rompen el principio de punto de vista, para luego acabar reforzando a los principales. Una maravilla técnica sustentada por un guión consistente que refuerza la idea de que poco importan los efectos especiales exagerados si estos no sirven para sostener la base fundamental de cualquier película; el guión. Michael Mann es consciente de ello, y siempre le gusta introducir en su cine de acción los elementos psicológicos que refuerzan a los personajes, y eso el espectador lo agradece… Estos “Enemigos Públicos” merecen al menos un par de visionados para no perderse ni un solo detalle.

Víctor Gualda.

EL REY DE LA MONTAÑA

2009-08-19T09:24:00.001+02:00

El mes de agosto tiene la peculiaridad de que las distribuidoras también se van de vacaciones. Esto da la oportunidad de ver producciones que por falta de tiempo no verías el resto del año. Lo bueno es que es posible encontrar títulos que habían pasado desapercibidos por la voraz competencia de las producciones “grandes” (de presupuesto, que no de calidad) Uno de estos curiosos casos es “El rey de la montaña”. Una producción española, más que interesante, que me ha impactado porque no me esperaba nada de ella.

Lo primero que hay que advertir al espectador es que la película se mantiene en una delgada línea de verosimilitud y esto siempre es un condicionante. Si el espectador no se deja llevar por la situación acabará pensando que el director le ha tomado el pelo, pero si acepta los hechos que se plantean y los disfruta, le resultará una película entretenida e incluso en algunos puntos bastante original.

Una vez saltado el escollo de la verosimilitud, nos encontramos con un thriller de andar por casa. Un protagonista Quim (Sbaraglia) que por las casualidades de la vida se cruza con Bea (Valverde) en una gasolinera perdida en mitad de la nada. Lo que en guión se llamaría un incidente incitador, que nada tiene que ver con lo que sucederá más adelante, pero que hará que la historia avance, y ya tenemos a nuestros protagonistas huyendo de un enemigo invisible. A partir de este momento y durante cuarenta minutos se iniciará una huida cargada de tensión y suspense. Al más puro estilo yanqui, nuestros protagonista escapan de un enemigo invisible que trata de darles caza. Nuevos personajes que se cruzan en el camino y que aumentan la tensión. Por supuesto, el guionista y director Gonzalo López-Gallego, controla los tempos de la película para que el espectador coja aire, dejando ver de paso que tiene oficio. Aquí llega el principal problema desde mi punto de vista. En vez de volver a arrancar con igual intensidad, hace un amago para volver a parar. Tal vez este justificado por el giro entre maestro y complicado que va a revolucionar la película, pero ha ralentizado innecesariamente la tensión para luego cortarla con el giro definitivo. Un triple giro que no está del todo bien administrado por el director. Hay demasiados cambios interesantes en apenas unos minutos Es entonces cuando toma el camino más difícil. Desaprovecha todo lo que dejará pegado al espectador al sillón. Cambia el punto de vista principal con una sorpresa que le puede desconectar definitivamente, pero que reconozco que es de lo mejor que he visto últimamente. Nos muestra que todo es un juego que se puede interpretar como un sencillo thriller, o como algo más; una película con un trasfondo de crítica social a la violencia sin tratar de moralizar y que invita a la reflexión… pero eso será luego. Primero falta el desenlace, que ya no sorprende, pero que tanto visualmente como a nivel de tono recupera la intensidad que había dejado de lado con la sorpresa.

Una agradable descubrimiento el de Gonzalo López-Gallego que sin apenas presupuesto y con elementos mínimos consigue cuajar un gran trabajo que me hace esperar su próxima película mientras trato de recuperar las anteriores, porque creo que tiene talento y a estas alturas soltura con el lenguaje tanto sobre el papel como visualmente (además de guionista y director es montador) aunque en este caso recomiendo “El rey de la montaña” con cautela. Parece que ya hemos visto esta película mil veces, incluso en nuestra cinematografía recientemente en “Bosque de Sombras”, pero el cambio a lo Chico Ibáñez Serrador (cuando la vean lo entenderán) y su obra maestra, es notoria y original. Ademas tengo que felicitar al director de fotografía Jose David Montero por una estética acertada y a un Sbaraglia al nivel que no había visto en España desde “Intacto”. También a María Valverde, aunque no esté en alguna secuencia al nivel. Pero en general, una película bien construida que hace buena una de las máximas del guión. Hay que conocer bien las reglas para luego olvidarlas.

Víctor Gualda.

ACID HOUSE

2009-08-13T17:34:00.004+02:00

Después de la fantástica adaptación de “Trainspotting” por John Hodge y la fantástica dirección de Danny Boyle, Irvine Welsh saltó al panorama literario mundial como una de las jóvenes promesas anglosajonas. Cronista de una década complicada en la que los jóvenes parecían no tener metas y cuyo único punto de escape eran las drogas y el sexo. Quince años después, Welsh sigue publicando novelas desiguales. Ninguna ha alcanzado las cotas de “Trainspotting”, que incluso cuenta con una secuela literaria “Porno”, que nos habla de la evolución de Renton y sus colegas (aunque se pierde en lo comercial). En realidad, Welsh está atrapado en su burbuja del tiempo y a pesar de que sus personajes se han hecho mayores, sus temas parecen no haber salido nunca de los suburbios de Edimburgo.

“Acid House” recién estrenada en DVD a pesar de ser una película de 1999, retoma los tiempos inmediatamente anteriores a su hermana mayor, y es una colección de relatos provocativos con clara vocación subversiva. Welsh se ha hecho cargo del guión, y un novel Paul McGuigan de la realización (luego dirigiría “El misterio Wells” que le mandaría al cine comercial USA donde triunfa con “El caso Slevin” y recientemente con “Push”), En “Acid house” es evidente la falta de pasta, pero también la falta de talento para una película se queda en una mera anécdota dentro de la carrera del escritor y del director. Dividida en tres historias independientes, que tal vez tengan como lazo de unión desarrollarse en los barrios obreros marginales, Welsh hace uso de su mejor arma. El humor. Y es que si algo hay que reconocerle al escritor, es su capacidad para interpretar las desgracias de sus personajes desde un punto de vista directamente entroncado con la comedia negra, para desde esa atalaya revisar los temas que le preocupan en toda su obra; la venganza, la traición, la amistad, la familia, la religión, las clases sociales y el fútbol.

Sus personajes son perdedores de antemano. No tienen posibilidades de cambiar porque están atrapados en su clase social. No tienen metas, no tienen esperanzas, y todo ira siempre a peor. El halo negativo sólo puede ser compensado con la risa. Una risa oscura y sádica que es el sello de identidad del escritor, y debe serlo de cualquier película basada en sus textos. Este es tal vez el gran acierto de un metraje que no trata de trascender. Sus personajes son como son y se aceptan como perdedores natos. Su primer protagonista del tríptico es un chaval que con veinte años está acabado. Le deja su novia, sus padres le echan de casa, le echan del trabajo, le echan de su equipo de fútbol, le detiene la policía y después de hablar con Dios se transforma en una criatura kafkiana que observa desde una posición imposible la venganza. Su segundo protagonista también es un perdedor. En este caso su cobardía y su falta de iniciativa hacen que todos se aprovechen de él, su novia, su agresivo vecino de arriba, su madre, todos le desprecia. Pero él no puede ser distinto de lo que es, y en la resolución de la historia demuestra porque el escorpión es escorpión y la rana es rana, y va más allá, mostrando porque ambos están predestinados a cruzar juntos la charca. La tercera recupera al fantástico Ewen Bremner, uno de los roles de “Trainspotting”, que en este caso está atrapado por medio de las drogas en un surrealista ser (el niño coprotagonista parece pariente de Chuky), mientras su novia empeñada en ser madre aprovecha su falta de cabeza para tomar la iniciativa y manipular a su desastroso novio.

Tengo que reconocer que la realización me parece por momentos amateur, que el montaje también, que algunos de los actores parecen estar en un tono diferente y sobreactuado o sencillamente son incapaces de interpretar la intensidad contenida de sus personajes. Sólo Bremner y sobre todo Kevin McKidd (que también aparecía en "Trainspoting") en el rol de cobarde, están por encima de los demás. La película no resulta fresca ni actual, puede servir como muestra de una década ya antigua, pero algunos diálogos y situaciones son literariamente una maravilla que conserva el tono original de los relatos de Welsh, y aunque sólo sea por eso, merece la pena ver esta película alejada de las convenciones de la manoseada comedia británica de bodas y funerales que tan buen resultado da entre la clase media, y lo que es peor, entre la misma clase obrera que retrata y critica Welsh.

Víctor Gualda.

SICKO

2009-08-10T21:42:00.003+02:00

Poco o nada hay que comentar a nivel cinematográfico sobre la última película de Michael Moore (en todo caso preguntarse por qué llegó con casi dos años de retraso a nuestras pantallas). Un nuevo documental que en esta ocasión trata sobre la sanidad norteamericana. El formato es el mismo que le lanzó a la fama en su campaña contra el anterior presidente americano y sus intereses en la guerra de Irak, o aquel contra las armas. Ahora deja de nuevo con el culo al aire a los políticos y a las empresas de seguro médico.

Se puede acusar a Moore de romper la idea primigenia del documental y observar los hechos de manera poco objetiva, de ser ególatra y protagonista, de ser autoindulgente (atención a la secuencia en la que cuenta como financió una enfermedad a la mujer de un enemigo acérrimo), de ser manipulador y paternalista, pero por encima de todo, hay que tener en cuenta que el cineasta pone sobre la mesa temas de actualidad de interés global, que en el caso de la sanidad muestra a los americanos imbuidos en un sistema que oculta la realidad, y a los europeos lo que puede acabar sucediendo con nuestras instituciones.

Esta no puede ser una crítica objetiva que trate sobre aspectos cinematográficos como la planificación o sobre la estructura del guión (que la tiene), esta tiene que ser obligatoriamente una crítica reivindicativa igual que lo es la película de Moore, porque la tendencia de nuestra sanidad pública, sobre todo en las comunidades gobernadas por el PP, aunque también en el resto de tapadillo, es la de privatizar y restar crédito al sistema público. No en vano casi cada semana encontramos en las portadas de los periódicos las protestas de médicos, enfermeros/as y demás por la falta de medios, personal, o presupuesto. Moore muestra en uno de los bloques como los políticos desde Nixon/Kaiser reventaron la sanidad pública americana, y como Hillary Clinton intento una lucha contra las aseguradoras médicas, para luego acabar convenientemente untada por estas mismas. Por no hablar de un grupo de congresistas republicanos, e incluso el ex presidente Bush también en nómina de las empresas.

El director se reitera en mostrar cómo la sociedad americana está educada en el miedo porque así es más fácilmente manipulable. Grandes sumas de dinero invertidas en publicidad, y campañas en las que se gasta en asustar con el “cuidado que llegan los comunistas”.

Moore dedica un bloque de su pseudo-documental a los políticos, pero también a diferentes casos individuales. Es más fácil involucrarse con la persona que con el sistema, pero un americano medio no podría soñar en su vida con tener una sanidad como la nuestra. Aquella que justamente criticamos, pero que salva la vida de miles de personas cada año. Luego dedica otro bloque a comparar con la sanidad publica canadiense, inglesa, y francesa, y aunque la imagen global es demasiado benevolente, la base del sistema social es real. Y es que parece que la única manera de ver de forma objetiva lo que tenemos, es compararlo con lo que les falta a otros. El país más potente del mundo no puede comparar su sanidad con la de su archienemigo Cuba, que a pesar de su falta de presupuesto, mantiene la sanidad como una de sus prioridades.

La visión de Sicko debería de ser obligatoria en las escuelas, para que nuestros políticos y sus esbirros de los medios de comunicación dejaran de manipularnos y unos cuantos dejen de llenarse los bolsillos a través de empresas privadas que poco a poco van sustituyendo las públicas. El Partido Popular incentiva con la excusa de la mejora del servicio este tipo de iniciativas tanto en la sanidad como en la educación, y sólo el votante tiene la potestad de lo que quiere para si. Ellos son piezas intercambiables elegidas por nosotros. Ya lo dijo alguien durante la guerra de Irak. Nuestros votos no son un cheque en blanco para hacer lo que quieran, sino para favorecer los intereses generales. Y los nuestros pasan por una seguridad social pública, que a fin de cuentas pagamos con nuestros impuestos… y me reitero, Moore es un manipulador ególatra que seguro no tiene ni tendrá problemas de cobertura médica, pero pone el dedo en la llaga de los problemas, y debería invitarnos a reflexionar sobre lo que tenemos y lo que podemos perder. De nosotros depende el futuro. De nada sirve quejarse a posteriori. El sistema debería servir al individuo, no al contrario…

Víctor Gualda

DUPLICITY

2009-08-06T20:58:00.007+02:00

El cine americano se ciñe a recetas utilizadas una y mil veces tratando de arriesgar lo mínimo. Un par de buenos actores de rostro reconocible y presumible solvencia, un director con una última película potente (“Michael Clayton” en el caso de Tony Gilroy) y a esperar que suene la flauta. Desgraciadamente la flauta suena pocas veces, y la mayoría de las películas pasarían completamente desapercibidas si no estuvieran apoyadas por presupuestos desorbitados en publicidad. La clave del "fracaso" está en vender productos de masa y no en buscar nuevas formas de conectar con el publico, con lo cual siempre tienes la impresión de estar viendo la misma película con diferentes actores

Eso es lo que sucede con esta presunta cinta de espionaje con cierto tono de comedia en la que tan bien se maneja Julia Roberts. Si a ella añadimos la presencia del siempre solvente Clive Owen, que se crece ante la presencia de actores consagrados como los fantásticos Tom Wilkinson y un Paul Giamatti, en esta ocasión un tanto fuera del tono que tan buen resultado le ha dado en anteriores metrajes, nos queda una película descafeinada, entretenida por la química de sus protagonistas, el ritmo de los diálogos, y poco más.

Tal vez sus defectos más acusados pasen por veinte minutos de sobra, y demasiadas vueltas temporales que reiteran una y otra vez el punto de giro principal de la película. Esta claro que el espectador tiene que comprender que está pasando, porque la repetición de dos secuencias exactamente iguales en Roma y Nueva York despistan al más espabilado, pero de ahí a dos más explicativas hacia el final del metraje, sólo consiguen ralentizar el desenlace. Por otra parte, el espionaje entre empresas no conserva el interés del espionaje a la vieja usanza. Los secretos de estado para salvar a la humanidad suelen tener más tirón que los de las formulas para cremas o lociones, aunque en este punto hay que apuntar que puede servir como reflejo perfecto de la época que nos ha tocado vivir, en las que las corporaciones son tan fuertes como los estados. Tal vez hubiese sido buena idea ocultar el mcguffin con el que el también guionista Gilroy juega a lo largo de tres cuartos del metraje. No utiliza el suspense, pero la película pierde enteros al descubrir la causa de tanta ida y venida, más después de que a pesar del tono de comedia todo el interés de la película sea una chorrada tan grande.

Aun así, me quedo con la buena química de la pareja siempre en conflicto a pesar de estar predestinados, que en sus “mano a mano” consiguen elevar el ritmo y crear una maravillosa tensión romántica. Curioso me resulta el desenlace. Hollywood nos ha enseñado a esperar finales felices para nuestros protagonistas más intrépidos. Tenemos a dos ex agentes de la CIA y el MI6, así que esperamos que sean los más listos. En vez de eso, el director nos pega una patada en la boca del estomago en un epílogo que deja tan mal sabor de boca, que nos viene a decir que las empresas siempre serán más listas que el individuo (un poco al contrario de “Michael Clayton”. No hay nada que le guste más a un espectador que un par de guapos protagonistas consigan burlar al sistema, ya sea un banco, el estado o una multinacional, pero ni siquiera nos deja la opción de pensar que lo volverán a intentar, sino más bien un regustillo amargo en un plano largo e innecesario que empieza a ser "marca de la casa" del director.

Víctor Gualda.

A QUEMARROPA

2009-07-29T14:00:00.002+02:00

Merece la pena revisitar el clásico de John Boorman para comprobar la evolución del cine de acción antes de los setenta. Lo curioso es comprobar que aunque todavía el lenguaje es un tanto artificial y más emparentado con el cine clásico de género, Boorman introduce nuevos elementos muy cercanos al cine europeo y en concreto al “film noir.

Walter (Lee Marvin) es un ladrón que es engañado por su mejor amigo y su mujer tras cometer un robo a otros ladrones. El lugar; la mítica prisión de Alcatraz ya abandonada. Símbolo presente a lo largo de todo el metraje, la película comienza y termina entre las sombras de sus rejas. Será el lugar elegido para la traición. Flash-backs cortantes con mucha presencia del sonido más que del diálogo. Un Walker malherido y con un fantástico juego de acciones paralelas mezclado con un guía que explica en off la historia de las fugas de la prisión. Entendemos que Walker es tipo duro que ha conseguido sobrevivir a los disparos y las aguas sólo para disfrutar de la venganza.

“A quemarropa” es sobre todo un western centrado en el tema clásico de la venganza del personaje (fantásticos los angustiosos flash-backs que atormentan al personaje y que parecen salir desordenados de su cabeza) que hasta utiliza el formato Panavision, pero con la peculiaridad de que la estructura se rompe casi en el primer giro dramático. La mejor forma de encontrar su dinero es que sea su propia mujer quien le conduzca a su antiguo amigo y socio. Este sería el fin último de cualquier película, pero Boorman rompe las reglas para introducir un personaje ambiguo que es “La organización” (al final la suma de nuevos individuos que bajo el amparo de la empresa no toman conciencia ni responsabilidad de sus actos delictivos), y que se convertirá en el antagonista. Esto le resta emoción al argumento. Una vez que se ha saltado a su ex esposa y al traidor, no hay involucración emocional por parte del espectador, ya que el clímax se encuentra con ellos (en una fantástica secuencia en el ático por cierto) pero las escenas de acción continuaran hasta que Walker recupere sus noventa y tres de los grandes. Supongo que esta situación será la prolongación de la novela de Richard Stark (seudónimo de Donald E. Westlake)

Si un espectador medio suele recordar un par de secuencias de las películas, “A quemarropa” tiene un buen puñado de escenas fantásticas que luego han sido imitadas hasta la saciedad. Maravillosa la secuencia en la que Walker se cuela en el ático. Fantástica la secuencia del vendedor de coches, la del tirador, y el desenlace de Alcatraz. Eso si, dramáticamente no tiene igual, ni siquiera en la actualidad, aquella en la que el amigo le convence para le ayude en el robo. La situación surrealista de ambos en el suelo rodeados de piernas crea un desasosiego y tiene un punto surrealista que sólo imagino a Tarantino siendo capaz de reinventar. Y es que Boorman (igual que Tarantino) deja ver su gusto por el cine negro francés de manera clara en este homenaje con los elementos de la venganza, la amistad y la traición como sustento de una trama desigual, en la que un Lee Marvin entre duro y tierno, se deja acompañar por la fantástica Angie Dickinson.

La maravillosa utilización de los zooms ahora tan anticuados, combinados con travellings lentos, el montaje cortado y desigual que cambia el ritmo externo, el sonido con un inusual protagonismo, los flash-backs machacones, un sugerido expresionismo en las secuencias de la cárcel, los diálogos directos y poco explicativos, y un ritmo desigual que parecen pertenecer a otro género, incluso toques de humor encubiertos, son algunas de las características de este clásico de acción en el que la cámara todavía permanece alejada del personaje para mostrarlo todo, pero que invita a cualquier cinéfilo a revisar el género que tal vez más haya cambiado con el paso de las décadas.

Víctor Gualda.

P.D.- A partir de la primera semana de agosto la Devedeteca contará con "A quemarropa".

DEJAME ENTRAR

2009-07-22T16:13:00.002+02:00

La mejor película del año es una de vampiros. Lo suelto convencido después de ver este drama con subgénero incorporado, que ha pasado por los festivales más prestigiosos. Desde San Sebastián donde se llevó el premio del público, hasta el neoyorkino Tribeca, empeñado en promocionar un cine más “serio”. Por supuesto su paso por Sitges no dejo indiferente, pero el festival catalán es un cajón desastre donde todo cabe, y por tanto no me sirve de referencia.

Lo primero que me llama la atención es lo mimados que están los protagonistas. Estos dos niños de doce años incomprendidos y asociales que encuentran refugio el uno con el otro. Una subtrama relacionada con el niño maltratado por unos compañeros deja claro cual será la excusa, y hacia donde caminará el film. Es tal vez la parte más previsible, y bajo mi punto de vista la menos interesante. Aunque el punto de vista principal estará centrado en él para mantener el misterio y el suspense, también haremos incursiones en el punto de vista de ella, sobre todo una vez desentrañadas las identidades. Por supuesto ella, motor de la extraña relación antagónica, tiene el máximo interés.

Y es que el director Tomas Alfredson juega desde las primeras secuencias a dar una de cal y otra de arena, y pronto entendemos lo oscuro de la nueva familia del edificio. Lo mejor en este punto es el tono de absoluto respeto y nada de esperpéntico con el que está tratado lo crudo de los hechos. Tal vez porque presentar el género sea menos importante que presentar la maravillosa relación que inmediatamente se establece entre los protagonistas. Aun así, la trama fantástica está mostrada con sobriedad nórdica, sin aspavientos ni efectismos baratos. Desde la normalidad de las cámaras fijas y los planos generales que se alargan, hasta la determinación del drama que acerca el objetivo a los protagonistas.

A partir de que ambos se aceptan (más bien el espectador), de que el espectador conoce los códigos, la mayoría de ellos establecidos por los cientos de películas de vampiros, pero también algunos nuevos (al menos para mi) la tensión se centra en dos puntos. Saber si la relación esta abocada al fracaso, es decir, qué pasará con la pareja, y en que momento Oskar se enfrentará a sus “enemigos”. Un primer final que establece el necesario cambio en el personaje de él, magistralmente llevado con unas acciones paralelas nos da las pistas. Pero mientras el efectismo trata de salir a la superficie de una película que se entiende de género, la historia de amor, amistad, relación imposible, gana enteros a base de golpecitos en la pared. Sólo puedo utilizar una palabra. Magistral. Me recuerda poderosamente al primer cine tenso y contemplativo de Polanski, al desasosiego que produce el de Haneke, y a la extraña forma voayeur de establecer las relaciones de Kieslovski. Un cóctel arriesgado y conmovedor que de milagro no se va al traste en el tercer acto.

Es en este punto donde Alfredson se la juega con una escena de auntoinmolación un tanto excéntrica que aleja al espectador más conservador. Me la imagino sobre el libreto y le veo la coherencia, pero ese plano general en el hospital sorprende y recuerda al cine de otras latitudes más empeñadas en el efectismo. No así la secuencia que da nombre a la cinta. Y mucho menos la secuencia que muestra el compromiso que ha adquirido Oscar con Eli. Luego el desenlace previsible tal vez ambiguo en su composición. El espectador tal vez demande que se lo muestren todo, pero ya decía Hitchcock que a veces lo que se sugiere es más impactante que lo que se muestra. Será un final difícil de olvidar, pero me queda la duda razonable.

Un amigo me añade que se queda además con la doble lectura social que contrapone el tradicional individualismo del héroe anglo, con la idea de que todos necesitamos la ayuda de otros para llegar a nuestros objetivos. Buena lectura. De cualquier forma una cinta imprescindible para ver varias veces, incluso para añadir a nuestra devedeteca personal en la edición más completa posible. Una película que marca un antes y un después en el contemporáneo cine mestizo, y porque no, en el tradicional cine de género.

Víctor Gualda.

LA TETA ASUSTADA

2009-07-16T18:25:00.002+02:00

La última ganadora del festival de Berlín es una coproducción peruana con capital español. Y es merecedora del más alto galardón del festival alemán por su capacidad de reivindicación mostrando la realidad social de Perú. El tema social asociado con la calidad cinematográfica siempre premia en este festival desde el cambio de directiva hace unos años, y la “Teta asustada” además del tema social aporta poesía visual a través de los ojos de su protagonista Fausta.

Lo más destacado, es descubrir que el movimiento europeo más importante (con permiso de la Nouvelle vague) el neorrealismo, tiene su continuación en cualquier latitud que no dependa exclusivamente del capital, en este caso latinoamericana. Es maravilloso disfrutar de un buen puñado de imágenes de esas que se guardan en la memoria por mucho tiempo, para mostrar por ejemplo la diferencia de clases (escena de la puerta del garaje que separa dos mundos radicalmente opuestos). Es maravilloso además comprobar que la tradición europea de los símbolos tiene continuidad, o mejor dicho, vida propia en esta Teta asustada, con escenas llenas de dobles significados. La escalera que parece dividir el cielo del infierno, la discusión entre tío y sobrina con una cruz de tela que los separa, cuando él le dice que tiene que desprenderse del cadáver de la madre. Es prodigiosa la escena en la que el cadáver bajo la cama superpone el vestido de novia que esta extendido encima. Y es que la directora Claudia Llosa consigue con el “abuso” de planos frontales sin perspectivas mostrar un universo lleno de matices y formas que dividen el mundo en dos. El piano muerto que simboliza la falta de recursos creativos. Las perlas en el suelo que confrontan y ponen al mismo nivel a las dos mujeres… Y es que el símbolo está aquí emparentado con la superstición del submundo que se esconde en los arrabales de una ciudad en la que conviven ricos y pobres apenas separados por un muro de hormigón.

Dentro de los muros se desarrollará la historia de amor sutil de la doncella y el jardinero. Maravillosas las escenas sin palabras, también las que les emparentan en su dialecto. Ella abriendo las puertas del reino con una flor roja en la boca dispuesta a “entregársela” al caballero en bicicleta. Él como caballero andante subiendo al infierno en tierra más cercano al cielo con su bicicleta a cuestas sólo por acompañarla. Y es que fuera de la casa Fausta se siente insegura. La superstición la tiene atrapada entre sus garras y ella necesita librarse. Sólo con el entierro de la tradición lo conseguirá. Mientras contempla la felicidad de ajenos en las celebraciones para pobres en las que trabaja con su tío, sueña cantando que es una sirena. Pero el peligro, la maldad y la mentira están también dentro de los muros. En la piel de la madrastra-dueña-reina del castillo, y va a aprender que no sólo los hombres quieren aprovecharse de ella. Si el entierro es la libertad simbólica, la operación es la física… o tal vez sea al revés.

Tengo que aplaudir a Claudia Llosa y a Magaly Solier por esa capacidad de transmitir la fragilidad dentro de un mundo sucio. Por transmitir que el dinero no da la dignidad. Por enseñar que la esperanza es el refugio de los desheredados y que las diferencias sociales no entienden de felicidad. Tengo que felicitarlas por manejar ese ritmo pausado y coherente con la historia y personajes. Por mostrar de forma natural y no didáctica o paternalista. Es un cuento. Pero lo es para lo bueno y para lo malo. Y es que la belleza se puede esconder en un barrizal, o en una chavola de un arrabal.

Víctor Gualda.

VALKIRIA

2009-07-11T18:31:00.003+02:00

Lo mas destacable de “Valkiria” es la idea. Militares nazis tratan de dar un golpe de estado y eliminar a Hitler. Basado en un hecho real, y argumento repetido o sugerido en varias producciones (la más reciente “Operación Valkiria” 2004) “Valkiria” demuestra que el pueblo alemán estaba dominado por el miedo, y que sólo unos pocos instalados en posiciones privilegiadas tuvieron opciones de eliminar al dictador. Hasta aquí todo el sustento teórico de la película, que en realidad está plantada como un mero thriller un tanto aburrido, que aprovecha el tirón del “basado en hechos reales”. El problema principal es que el espectador ya sabe el final antes de verlo. Sabemos que fracasan, y por tanto todo el interés debe estar en mostrar el fracaso con la mayor tensión posible. Pero la película tiene defectos importantes que lastran la idea principal.

La presentación de personaje interpretado por Tom Cruise Von Stauffenberg, su carácter rebelde, las heridas de guerra… chorradas en las que Cruise no consigue aportar un mínimo de humanidad al personaje, ni lo más importante, que el espectador se involucre con su causa. Y es que la identificación con el personaje principal es fundamental. Luego la presentación del descontento entre los mandos, un ramillete de caras conocidas con poco peso especifico en la trama, tratadas con desden para no quitar protagonismo a Cruise.

La involucración del personaje en el desarrollo del plan hasta el atentado copa todo el primer tercio de película, pero Bryan Singer se olvida de lo principal, la película es un thriller y hay que tratarla como tal. El mestizaje de géneros está de moda, pero querer dar el mismo peso al drama que al thriller es una equivocación en este caso, y la secuencia climática casi en el centro del segundo bloque lastra el tercero (tal vez sea Kubrick en “Senderos de Gloria” el único capaz de conseguirlo). Pero volviendo a la secuencia del atentado, que es lo más interesante, se nota una cierta falta de oficio de Singer (único responsable) en crear el elemento principal. El suspense. Y es que el director demostró en “Sospechosos habituales” con un guión convencional (mejor dicho con una estructura clásica) su habilidad para la sorpresa, pero el suspense es mucho más complejo. Es difícil encontrar una secuencia tan obvia que cumpla las exigencias del suspense, y es difícil encontrar una en la que este tan desaprovechado. Hitchcock utilizo el ejemplo de la bomba en la maleta para explicar como se debe rodar una secuencia de estas características. El punto de vista del espectador compartido con Cruise, que conoce el contenido de la maleta debe causar una tensión que se transmita al espectador. En vez de eso, la secuencia, que aun así es la mejor de todo el metraje, sólo consigue su objetivo a medias. Creo que la clave está en lo poco y mal utilizados de los tempos dramáticos. En no saber poner al espectador de parte del personaje, y después en el cambio de género que baja al mínimo la poca tensión lograda para perderse en el ramillete de caras.

Tras esta secuencia; la nada. Todavía queda todo un bloque dramático fundamental, pero los guionistas Christopher McQuarrie y Nathan Alexander, deciden que hay que justificar y mostrar las consecuencias del desaguisado. Cero interés por mucho que se intensifique el ritmo. La división en dos del mando alemán por la toma de Berlín por el ejército de reserva, la cadena de mandos comprometidos en la causa, los intereses políticos de los implicados. Nada sirve para paliar el desastre. Nada consigue levantar esta película con final absolutamente pueril y conocido de antemano por el espectador. La película está demasiado al servicio de Cruise, y lo caída de los confabuladores tiene cero tensión, y poco interés. El antagonista al que todos conocemos es Hitler, un personaje interesante encarnación del mal, que desaparece de la cinta. Vale que el espectador conoce el fracaso del plan, pero una aparición estelar (ya que hemos jugado con la incertidumbre) le hubiese dado un extra a ese desenlace dramático. Y es que una película es la dramatización de los hechos sean reales o no, y eso permite ciertas licencias que aquí están desaprovechadas.

Para el preestreno en Madrid, la producción trajo una pantalla especial que instalaron el único estreno que se ha hecho en el teatro de la Opera (luego se la regalaron al teatro por ser demasiado caro llevársela). Marketing y parafernalia insuficiente para tapar las carencias obvias. De ellas la principal; Si la estrella de turno tiene demasiado control sobre la producción, el resultado se resiente.

Víctor Gualda.

CHE: GUERRILLA

2009-07-08T11:00:00.002+02:00

Siguiendo el tono iniciado en la primera parte, esta segunda arranca con la entrada de Ernesto en Bolivia. La intención no es otra que extender la revolución cubana en Sudamérica, la intención no es otra que mostrar el periplo vital del personaje aferrado a la idea. Un arranque un tanto confuso que en pantalla está resuelto con la exposición objetiva de los hechos que ocurrieron. Las presuntas malas relaciones de Ernesto y Fidel Castro están planteadas, pero no se sigue el camino de la conspiración, sencillamente se exponen para reducir el asunto a un comunicado de Fidel, en el que dice leer una carta de Ernesto que le autoexculpa, y de paso engrandece la idea de la revolución. Una jugada maestra que parece orquestada por el cubano después de que vimos que es el personaje más carismático de la revolución, además del más inteligente y manipulador. El abandono del puesto de ministro da paso directo a la entrada del “personaje” disfrazado en Bolivia.

A partir de este punto la película recupera la estructura narrativa de la primera parte. En lo más alto de su fama y reconocimiento oficial el che desaparece, se disparan las especulaciones hasta que reaparece en Bolivia. El sistema que tan buen resultado dio en Cuba, reclutar campesinos para entrenarlos y plantar la semilla del descontento en las clases bajas se repite. Inmediatamente vemos que el planteamiento es el mismo, pero con diferencias notables. Si en la primera reconocemos la importancia de Fidel en el proceso, aquí desaparece el personaje antagónico e ideológico principal, y vemos que Ernesto se afana por luchar contra los “elementos” con desigual resultado. Los Bolivianos, mucho menos comprometidos, sin la base cultural y teórica de los cubanos, están presentados como egoístas y paletos. La oposición del propio partido revolucionario oficial, y la falta de apoyo popular hacen mella en el débil compromiso. De nuevo (también lo vimos en Cuba) se plantea que Ernesto es extranjero y genera desconfianza en los bolivianos. La guerrilla se limita a hacer pequeñas incursiones y sólo la filtración de noticias en los periódicos, alguna huelga alentando la revolución o una entrevista al propio Ernesto, personaje tan carismático internacionalmente que le da peso a la idea, hacen que el gobierno se plantee la posibilidad de eliminar la mosca cojonera e insignificante que supone la guerrilla. Es decir, hasta este punto se repite la estructura narrativa, reconocible y el paralelismo con la revolución cubana, pero se introducen nuevos elementos que le desalientan y ayudan a entender el por qué del fracaso. A fin de cuentas, el espectador menos informado sabe del trágico final del personaje, es sólo cuestión de tiempo, y el interés se centra en saber cómo llega el fin del personaje y el principio del mito.

A partir de la involucración del gobierno boliviano en la figura de Joaquim de Almeida, la película cambia de género y está planteada como una especie de western encubierto, algo así como en “Dos hombres y un destino”. Se forma un equipo especial para capturar a los rebeldes. Se divide el punto de vista principal para que el espectador conozca los movimientos del ejército boliviano, y crear la tensión dramática necesaria incluyendo el suspense. No creo que los propios guerrilleros sean capaces siquiera de ver que se ha iniciado al caza. Es sólo una cuestión de tiempo que caigan. Inteligente combinación la de Soderbergh que introduce los géneros en el metraje de manera encubierta para dotar de estructura narrativa sin perder el tono casi documental de la primera. Nunca pierde el horizonte, y a pesar de lo sesgado del personaje, lo dota de humanidad y refuerza el halo de pesimismo que lleva implícito. De nuevo recurre al asma para mostrar sus debilidades. De nuevo recurre a los personajes secundarios para que entendamos que la idea necesita del sustento comunitario que el pueblo boliviano no está dispuesto a dar. Todo ello hasta llegar a la secuencia definitiva.

El clímax se centra en la captura con una secuencia de acción para aportar el heroísmo, el desenlace en el personaje tratando de mostrar la humanidad en un último acto heroico. Soderbergh nos hace recordar la frase mítica sin pronunciarla. Mejor morir de pie que vivir de rodillas… y fundido a blanco. Pero añade una imagen más. La del mito. La última que el inconsciente debe recordar, la del héroe que se dirige hacia el destino y que personaliza el símbolo.

Che y Guerrilla no son dos películas. Es una e indivisible, por mucho que los intereses económicos de las salas obliguen a partir el metraje. No se puede entender como dos porque se rompe la esencia y se convierte en negocio. El personaje se ha convertido en mito en parte gracias a Korda, a una imagen. Soderberg y del Toro han intentado dotar de vida el icono, pero poco importa la vida del héroe. Lo único que importa es lo que representa… y que haya muerto joven.

Víctor Gualda.

MENTIRAS Y GORDAS

2009-07-01T22:46:00.002+02:00

… o tal vez “pirulas y polvos” es el título más adecuado para el peor cine español de la década. Si el cine es un reflejo de la sociedad, el nuestro, igual que la economía, está en crisis y con esta producción ha tocado fondo. Lo bueno, que ya sólo se puede ir hacia arriba. Y es que si la mayoría de los espectadores reconoce abiertamente que la televisión de nuestro país es basura, la extrapolación al cine de esta, no puede ser otra cosa que basura en pantalla grande. Ya sólo faltan los cortes publicitarios a machete en mitad del metraje.

Como siempre el guión es la base sobre la que se cimenta el despropósito. Para este, han utilizado varios puntos de vista que se cruzan y cada uno de los personajes se presupone que tienen un conflicto introducido en una trama que tiende a converger en un punto de encuentro. Hasta aquí bien. El problema es que el conflicto sólo está planteado (más bien presentado en pequeñas secuencias narrativas) pero jamás desarrollado. Normalmente con una frase justificatoria, rompiendo el principio de “acción”. Y no me refiero a acción física. No se puede poder a un actor en una secuencia rasgando una guitarra y decir que quería ser músico, dejarlo ahí y luego meter catorce secuencias del mismo metiéndose rayas o follando porque no hay conflicto. No se puede introducir un personaje como camello, decir que es buena chica y que quiere sacar a un amigo de la cárcel, dejarlo ahí, y meter catorce secuencias poniéndose y follando. No se puede meter un personaje cuyo conflicto sea que estar gorda, y para arreglarlo meter una secuencia en la que una amiga le mete un par de pirulas en una copa y el resto de la trama ponerla follando o colocada. No se puede meter una secuencia en la que un chaval enamorado de su amigo (tal vez el más desarrollado) se “desvía” porque no se siente a gusto en un trío y se pone hasta el culo de pastillas, se lo follan en un cuarto oscuro y pierde los papeles sin más para convertirlo en mártir. Qué clase de visión simplista de la realidad es esta.

Señores Albacete y Menkes, entiendo siguiendo la trayectoria de su cine, cuyo “tema” se ha ido puliendo a lo largo de los años hasta la mínima expresión, que para ustedes follar y ponerse sea el centro del universo de los veinteañeros de nuestro país. Señor Herrero, entiendo que recolectar a todos los chavales de las series de televisión, sea una formula garantizada de llevarse un buen pellizco de la abultada taquilla. Entiendo que las secuencias de sexo y drogas censuradas en la pequeña pantalla vendan en la grande, pero sin ánimo de moralizar señora Gonzalez Sinde, qué tal si se desarrollan las tramas y los conflictos de personajes perdidos que buscan su identidad y su sitio sin recurrir al tópico, ni dar una imagen manipuladora. Qué tal asumir la responsabilidad de mostrar la realidad. Una realidad igualmente dura pero con criterio que no sea sólo la fiesta y los niños/as guapos/as de las teleseries españolas. Tal vez escribieron la película colocados, pero este cine nos aleja del cine de calidad que se está haciendo en el resto de Europa, y demuestra que seguimos siendo el culo del mundo cinematográficamente. El tema es muy interesante, pero necesita un desarrollo inteligente, no amarillismo y sensacionalismo barato.

Con los actores no me voy a extender, sencillamente porque no están dirigidos. Se limitan en el mayor número de los casos a soltar la frase como en televisión sin pensar lo que están diciendo, totalmente carentes de comunicación y ritmo interno. Por respeto al trabajo siempre complicado de los actores que quieren hacerlo lo mejor posible, destacaré a Mario Casas con el personaje más y mejor desarrollado. La planificación es tan de teleserie que resulta teatral, con las acciones siempre de frente a la cámara y en la que hasta sorprenden un par de primeros planos para algún diálogo intenso que consiguen sacarnos de la presunta historia. La música de hilo musical para ahorrar en derechos es vergonzante. Hasta la fotografía (tal vez lo mejor de todo el conjunto), resulta artificial en interiores a los que se les da una continuidad con los exteriores, como si la gente viviera en penumbra, sólo por huir de una imagen más televisiva. Un despropósito general que me llevan a recomendar cambiar de canal antes de perder casi dos horas con esta película. Pero bueno, siempre se puede justificar todo diciendo -“si es lo que la gente quiere”-

Víctor Gualda.

LA CRUZ DE HIERRO

2009-06-28T16:22:00.006+02:00

Stransky - Le enseñare como lucha un oficial prusiano.
Steiner -…Y yo le enseñare dónde crecen las cruces de hierro.

Recién estrenados en Cannes los malditos bastardos de Tarantino. Ahora que se multiplicarán las películas bélicas, es necesario revindicar una obra maestra. Y es que este maestro del cine de género que es Sam Peckinpah, especializado en perdedores, da en “La cruz de Hierro” una magistral clase con esta película en la que se alternan las secuencias narrativas y su personal forma de rodar las secuencias de acción. Un tanto olvidado en la actualidad, Peckinpah abrió las puertas de la modernidad en el lenguaje de cine de acción, con sus montajes picados y sus ralentizados característicos, con la violencia como trasfondo de su obra.

Para su pandilla de perdedores, Peckinpah se pone del lado de los nazis, aunque sería más correcto decir alemanes, pues estos bastardos no creen en la patria ni en la ideología. Son soldados que cumplen con su obligación a pesar de saber que todo está perdido. Eso le da un encanto especial a la película, acostumbrados como estamos a que los alemanes estén planteados como meros muñecos despersonalizados que siguen ciegamente a un líder. El director los convierte en hombres con sentimientos y personalidad, iguales a los del bando aliado. Los antihéroes están dirigidos por el cabo Steiner (James Coburn) un soldado carismático que cree en la justicia, y que se enfrenta al enemigo sea del bando ruso en las trincheras (nunca la hubiese podido dirigir si el enemigo fuesen los americanos), o del alemán en los “despachos”. Y es que en el trasfondo de la película se observa con facilidad la lucha de clases entre Steiner (Coburn) y su antagonista Stranski (Maximilian Schell) un oficial prusiano con ansias de la gloria que representa la simbólica cruz de hierro (que tiene su origen además en el ejército prusiano).

A lo largo del metraje el tema de la diferencia de clase está continuamente presente. A través del antagonismo de los protagonistas, así como en el genial bloque que de desarrolla en el hospital en el que es internado Steiner-Coburn después de ser herido. La llegada de los mandos para ver a los internos mutilados por la guerra, y la orden de introducir la carne y el vino para que sólo los oficiales la disfruten, mientras los heridos se tienen que conformar con las verduras, produce la reacción violenta ante la injusticia del mermado Coburn, y el desfase entre los heridos que pelean por la migajas. Pero igualmente memorable es la secuencia en la que el coronel le exige que diga si Stransky dirigió una contraofensiva que supondría la famosa cruz. Maravilloso Coburn escupiéndole a la cara que los mandos y el uniforme le dan asco, porque en la guerra sólo el valor y no los galones les hacen diferentes. Así Coburn representa al antihéroe por excelencia. Un soldado que corre tras la muerte porque no cree en los rangos. Un soldado que salva a un adolescente, que deja que un grupo de mujeres le den su merecido a un oficial amoral en un granero, o que en uno de los mejores finales grabados jamás, después de pasar las líneas enemigas y ser disparado por las propias, da una lección de pundonor y venganza al más puro estilo del western clásico (fantástico el plano contrapicado en el que Coburn refleja el odio y la incomprensión, con el humo de las bombas cubriendo el cielo), para dar lugar al épico desenlace con el que comenzábamos la crítica.

Una fantástica cinta con muchos puntos en común con la otra obra maestra del director “Grupo Salvaje” que una vez más tiene como tema central de la trayectoria de Peckinpah la violencia incontrolada, o más bien, los atisbos de humanidad dentro de la violencia, entendida esta como un rasgo muy humano. Espectaculares secuencias de acción y destrucción con bombas, tanques, muertos con sangre a borbotones y como anunciaba al comienzo a pesar del escaso presupuesto. Los subrayados en forma de ralentizado en las secuencias más espectaculares. Pinceladas de carácter que humanizan a los personajes principales atrapados en una espiral de la que primero no pueden (fantástica la secuencia subtextual gay de la película) y luego cuando pueden no quieren escapar, porque no les queda otra cosa que una guerra irracional.

Víctor Gualda.

CUESTION DE HONOR

2009-06-24T13:04:00.002+02:00

Siguiendo la estela de James Gray, y viendo el buen resultado que da este tipo de cine que desarrolla los problemas personales de los personajes dentro de un thriller policiaco, nos llega esta “Cuestión de honor” de Gavin O´Connor. Ya el planteamiento nos recuerda poderosamente a “La noche es nuestra”. Familia de policías de origen irlandés, en la que todos sus miembros son policías. De esta forma entramos en el carácter y las costumbre de los inmigrantes europeos en Estados Unidos, con lo que supone un elemento tan importante como introducirnos en los valores del individuo dentro del grupo, enfrentados a los valores de otros grupos étnicos tal vez menos tradicionales (o al menos no basados en el patriarcado) como los hispanos en este caso, o los rusos en el caso de “La noche...”

La trama, algo forzada en muchos momentos, es sencilla en realidad. La familia de policías encabezada por el patriarca Jon Voight, y sus hijos Noah Emmerich y un Edward Norton retirado de las calles por un problema reflejado en su rostro con una cicatriz como símbolo de un pasado aun presente, pero con un férreo código de valores. También pertenece a la familia Collin Farrell, cuñado de ellos por estar casado con unica hermana mujer, y que recibe el trato de "un hermano más". Este elemento es muy importante a la hora de la resolución de la trama, porque indica que se trata de un grupo endogámico fuertemente machista, reforzado por el trato de Voight a su mujer, y un desenlace que justifica a la familia de los miembros externos.

Todos los personajes principales están cuidados con mimo. Todos ellos tienen problemas personales difíciles, que les hacen comportarse de manera especial dentro de la trama de acción. Norton además de sus problemas sicológicos por el pasado, trata además de equilibrar su vida, desecha por una separación traumática. Emmerich, el hermano mayor, jefe del distrito, demasiado preocupado por su mujer enferma de cáncer como para ver lo que está sucediendo dentro de su comisaría. Farrell con deudas que le asfixian que le llevan a hacer tratos con mafias para mantener su nivel de vida, y líder de un grupo de policías corruptos, que si en un primer momento parece que son simples secundarios, pero que luego tienen una importancia primordial para el desenlace de la trama.

Dividido en bloques el punto de vista para poder explorar en el drama de cada personaje, tal vez el punto de vista principal se asiente sobre Edward Norton, que será el personaje clave para entender lo que sucede. Norton es el punto de vista del espectador porque desconoce, a través de sus ojos vamos desentramando la red de corrupción. Involucrado directamente para plantear la duda moral que va en contra de su personalidad, su pasado, la familia, que trata de proteger a los suyos, Norton se enfrenta ante el conflicto como un héroe de película. Por eso el desenlace resulta demasiado forzado. Elementos externos demasiado impostados son los que se imponen para que el espectador americano quede tranquilo, pero que dan al traste para elevar la película a otro nivel.

Los personajes secundarios, casi con un Deus ex machina un tanto absurdo, inician el ciclo de restauración del orden, mientras de forma paralela los dos no hermanos resuelven sus diferencias. Una vez demostrado que el bien triunfa sobre el mal, el castigo por la traición es demasiado pequeño e insuficiente para que llegue el equilibrio, así que O´Connor (junto al coguionista Joe Carnahan) deciden darle una segunda reparación a través de la comunidad damnificada, y el autoinmolamiento del personaje de Farrell (que además sirve como expiación de sus pecados), uniendo de forma interesante las subtramas. El espectador sabe inconscientemente que los hombres de la casa se ocuparan de la hermana desconsolada, a fin de cuentas, toda la trama esta concebida para demostrar que el orden moral de la comunidad está por encima del interés de las ovejas negras. Por otro lado, el personaje de Norton, recibirá además su recompensa necesaria con la recuperación de su ex mujer por su integridad.

Hay que reconocer que el casting es muy interesante. Cada personaje responde a su rol con eficacia. Pero por encima de unos siempre solventes Voight, Norton o Farrell , quiero destacar a Emmerich. Un actor acostumbrado a personajes secundarios, tal vez condicionado por su físico, pero que no sólo está al nivel, sino que además aporta humanidad, alejándole de un papel mucho menos resultón cercano al estereotipo, pero que él defiende con uñas y dientes. Gray recuperó aquel cine policiaco de las calles de los setenta como alumno aventajado de Scorsese y le ha dado solidez, y O´Connor se ha situado como continuador al que habrá que observar de cerca, porque puede ser uno de los directores de futuro, aunque le falte la solidez de introducir secuencias determinantes que marquen la diferencia con el resto… pero si los productores no le cortan las alas, eso también se aprende.

Víctor Gualda.

RESISTENCIA

2009-06-19T17:42:00.002+02:00

Hay películas que es necesario comentar por razones extracinematográficas. El caso de “Resistencia” es el más obvio con el que me he encontrado desde hace tiempo. El motivo; es una película de propaganda política encubierta de las más descaradas de los últimos años. No creo que sea necesario explicar que los inicios de los grandes estudios fueran judíos inmigrantes que se asentaron en los estates y visionarios en el negocio. Tampoco que actualmente gran parte de la industria es controlada por judíos. Si en un inicio pusieron a disposición del estado su cadena de montaje para hacer películas panfleto-patrióticas bélicas, luego la cosa derivó en concienciar al gran público de la gran injusticia que sufrieron en la Alemania nazi. Hasta aquí bien. El problema es que tienen además la peculiaridad de no admitir voces discordantes. O estas con ellos, o contra ellos. Y me da la impresión que entre el blanco y el negro hay una gran variedad de tonalidades. Ya lo hicieron con el otro tema político que les ocupa. El palestino, y cinematográficamente el boicot a “Paradise Now” cuando intentaron expulsarla de los Oscar. No lo consiguieron porque los premios habrían perdido toda credibilidad, pero al menos consiguieron que no ganara (a pesar de merecerlo). “Resistencia” va más lejos del mero panfleto.

Ambientada durante la ocupación de Bielorrusia por los nazis, cuenta como un grupo de partisanos judíos liderados por la familia Bielski, se convirtieron en comunidad, refugiándose en los bosques y defendiéndose contra el invasor. Un drama bien construido, equilibrado en las tramas por tópicas, aunque en algún momento se haga lenta y pesada, pero con una estructura clara y diáfana. Dos hermanos (tres en realidad) campesinos y competitivos que buscan su sitio, y que darán la ayuda a su pueblo de la mejor manera posible. Pero ya desde el arranque es evidente la metáfora que cubre todo el entramado. Craig que interpreta al hermano Tuvia Bielski, podría llamarse Moisés, porque sólo le falta bajar del monte Sinai con las tablas. Se convierte en líder profético, y sigue los designios que Dios le transmite llegando a cruzar su propio mar Rojo, huyendo en busca de la tierra prometida.

O al menos eso es lo que yo saco en claro. Por supuesto al tratarse de una comunidad, habrá otros personajes que interpretaran roles necesarios para entender a la comunidad judía. El intelectual rabino y su aprendiz, el egoísta que es eliminado con el mismo despotismo que haría un Dios Vengativo, y que refuerza al líder. Las mujeres como fieles compañeras de viaje sin voz mi voto, y por supuesto el drama de los hermanos que están condenados a entenderse y que tienen la correspondiente lucha moral por la envidia, el liderato, el despotismo y la violencia siempre tratando de que sea justificada. Incluso la continuidad de la comunidad está expuesta con el personaje del hermano menor Jamie Bell (Asael) como líder sucesor.

Llegados a este punto, lo que más atención me ha llamado aparte de un conjunto paternalista y didáctico, ha sido la clara extrapolación con la actual situación con Palestina. Sobre todo en aquella secuencia aislada en la que atrapan a un militar alemán, casi única personificación del nazi como individuo aislado, pero que han utilizado para justificar no la fuerza o la defensa ante la injusticia, sino la violencia irracional del pueblo que tiene derecho a vengarse. Y es tan clara manipulación que llega a asustar. Es fácil identificarse con las víctimas después de mostrarnos los horrores y entrar en el juego del ojo por ojo. Pero ya no es la empatía refinada de “La lista de Schiller” que mostraba al enemigo mediante un personaje despiadado, y la voluntad de sobrevivir de los judíos, mostrando sus “armas” en la inteligencia y el apoyo de alguien externo a la comunidad, pero siempre con variedad de matices cambiantes en cada escena. Los hermanos Bielski utilizan y justifican la fuerza como único medio para sobrevivir, siempre con la etiqueta de “historia real” que da credibilidad a cualquier estereotipo. Los personajes han sido tratados con benevolencia extrema y acaban siendo héroes indiscutidos, con una moral intacta a pesar de tener las manos manchadas de sangre.

En cuanto a la interpretación poco o nada que decir. Craig con su habitual frialdad construye un personaje inexpresivo sin matices que pasa igual ante muerte, el amor o cualquier matiz que tenga que interpretar. Es el paradigma para el experimento Kulechov. Liev Schreiber (Zus) borda estos personajes sarcásticos que parecen siempre enfadados, pero también ofrece poco repertorio. Es tal vez Jamie Bell, el hermano menor, al que se le adivina mayor variedad de registros en este drama bélico.

En definitiva, noto una intención política de extrapolar situaciones e introducir poco a poco en el subconsciente colectivo la idea de que están haciendo lo correcto en oriente medio, castigando con toda su maquinaria militar al no reconocido estado palestino, apareciendo como víctimas en vez de cómo verdugos. Y ellos podrán considerarse (con razón o no) perseguidos y odiados, pero ni la fuerza militar ni el dinero, ni la manipulación dan la razón, solo engendran más odio y más violencia.

Víctor Gualda.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

2009-06-16T08:34:00.004+02:00

Imagino que casi todo el mundo sabe que la última película de David Fincher es una adaptación del cuento de F. Scott Fitzgerald, pero supongo que no tantos habrán leído el cuento. Llamar adaptación a lo que Eric Roth y Robin Swicord han hecho con el texto original del escritor americano me parece demasiado atrevido. A no ser que la intención sea darle un peso especifico al metraje, lo único que conserva del texto original es el título, y la peculiaridad de que Benjamin Button cumple años de atrás adelante, es decir que nace como anciano y muere como un bebe. Circunstancia extraordinaria y que desde luego invita a la reflexión. Lástima que la reflexión se haya quedado por el camino, y al final hayan decidido dar prioridad a los efectos y maquillaje que al drama de un personaje diferente.

Dos horas y cuarenta minutos para desarrollar un cuento de apenas treinta páginas, con un ritmo sostenido y bien llevado, pero tan vacía de fondo que acaba aburriendo. Y es que la única conexión que tiene sentido de la película es la historia de amor entre Benjamín (Pitt) y Daisy (Blanchett). Ella crea los cimientos sobre los que se asienta la película. Un recurso manido del flash-back de la anciana, que en el lecho de muerte le pide a su hija que lea un diario, para luego pasar a la historia a tiempo real. Pero si los intercalados en el presente y en pasado paran la acción, peor aun es ver como en cada arranque de bloque, una voz en off va explicando lo que vamos a ver en pantalla. Y es que el recurso (no sé si atreverme a llamarlo epistolar) que no aparece en el cuento, cansa, ralentiza, y añade secuencias perfectamente prescindibles que definen al personaje desde un punto de vista externo de aprendizaje, pero no internamente, que insisto es lo realmente debería crear interés.

En cuanto a los meritos, me quedo con el control absoluto de la imagen (encuadre y estética) de Fincher, que hace de la fotografía (tal vez por su etapa como publicista y director de video clips), del buen control del ritmo narrativo, por paradójico que resulte, ya que la película resulta lenta. Por supuesto los recursos visuales más relacionados con la publicidad que con el cine están en alza. Me estoy refiriendo a la mejor secuencia de la película, aquella que habla de la casualidad y el destino. Fantástica como arranque de otra película o cortometraje, pero que aquí aporta poco al drama. Y es que, insisto que lo que empobrece la obra es la falta de un objetivo claro del personaje principal. ¿Dónde quiere llegar el director? ¿Por qué deja de lado el conflicto del personaje (apenas planteado) y se centra en efectismos? Dándole vueltas al asunto, llego a la conclusión que las pequeñas subtramas que alargan una hora más de lo necesario la película, son la excusa sobre la que se sustenta la nada. Si las hubiese eliminado, la falta de objetivo del guión y dirección hubiese cantado demasiado. Así, al menos nos acordaremos de secuencias puntuales prescindibles, pero efectivas y estéticas. Me refiero a la del ataque al barco en el que muere el patrón tatuado (Jared Harris; el mejor de la película a pesar de estar algo sobreactuado); me refiero a las del hombre al que le caen siete rayos; o incluso aquella que habla del reloj que corre hacia atrás en el tiempo para intentar recuperar a los hijos perdidos en la guerra. Secuencia prescindible, pero que trata de dar peso especifico al argumento y se queda en una explicación infantil.

Así que Fincher y su equipo centran su esfuerzo en los efectos especiales, en que un Pitt descafeinado quede perfectamente maquillado en cada bloque para que llame la atención. Y como centro argumental de la película, en la imposible relación de él y Blanchett. Pura mercadotecnia industrial para el espectador medio. Pero el conflicto de un personaje desubicado, que por fuerza debe tener un conflicto de identidad (desastroso el planteamiento del giro en el que conocemos al patriarca Button), y sobre todo un personaje que no toma el mando de su conflicto en ningún momento y se limita a ver y que veamos pasar la vida ante sus/nuestros ojos sin intervenir (me recordó al protagonista de “El pianista” otro personaje cronista sobrevalorado, ni héroe, ni antihéroe).

En definitiva, todo aquello a lo que le puede sacar partido está sencillamente tirado a la basura. Ni siquiera los actores salvan la película. Soso Pitt, tal vez demasiado concentrado en dar credibilidad a cada edad del personaje, una Blanchett sobrevalorada (propongo un juego, editar cualquiera de su películas intercambiando secuencias, seguro que siempre vemos el mismo personaje). Una película pretenciosa, con trece nominaciones en la última edición de los Oscar, que como no, se llevó los de maquillaje, efectos y dirección artística. Es decir, todos aquellos que casi siempre paga el presupuesto desorbitado de estas producciones, pero que en modo alguno suplen lo más importante de una película. Una buena historia bien desarrollada.

Víctor Gualda.

LA DUDA

2009-06-12T08:38:00.006+02:00

No importa que la película sea pequeña con aire teatral, que no haya un solo efecto especial, que la historia y el tema estén más o menos presentes en la sociedad, que sea una adaptación del libreto para teatro de John Patrick Shanley. Si hay un motivo para verla, es la increíble interpretación de todos sus protagonista. Una de esas películas que deberían ser obligatorias en las escuelas de interpretación. Ya sabíamos de la solvencia de Meryl Streep y de Philip Seymour Hoffman. Lo que me ha fascinado, es a que nivel pueden brillar estos dos actores. Dos generaciones de monstruos de la pantalla que llevan a cotas superiores el noble arte de meterse en la piel de personajes dibujados sobre el papel y convertirlos en personas.

Y es que el planteamiento de la película es sencillo, directo, sin más artificio. La subtextualidad, los movimientos del cuerpo que reflejan el pensamiento sin pronunciar palabra tienen un protagonismo inusual en el cine americano, acostumbrado a suplir la interpretación con mascaras de artificio que distraen del fin último. Contar una historia a través de los personajes.

Si en el arranque se desliza con algo de tensión al fin último del drama, con una presentación que va directamente al grano. Un Seymour Hoffman que establece la duda como forma de acercamiento a la fe, una Streep como vigilante rígida e inmisericorde dará pie al conflicto. Nada es seguro, todo es sugerido, pero mientras exista la duda, hay que extirpar el mal por si acaso…
No hay protagonista y antagonista. Aunque el punto de vista acompañe con cronometro en mano más tiempo a la Streep, aunque el suspense se centre en lo que no vemos de Seymor Hoffman, esto es una lucha de gigantes que pelean por el plano cada segundo, y que están dispuestos a hundir a su adversario con un gesto, una mirada, un silencio.

Una vez planteada la guerra, sólo hay que sentarse a disfrutar, a mirar quien de los dos ganará. Y el vencedor lo decidirá el texto. Pero lo mejor es que los acompañantes están al nivel. Si ellos manejan el conflicto, los secundarios les engrandecen. La monja primeriza inocente y justa manipulable y en conflicto con ella misma Hermana James (Amy Adams), pero sobre todo esa secundaria de lujo que en una sola secuencia trasmite más que muchas principales en cien secuencias. Esa madre dispuesta a sacrificar la dignidad de su hijo a cambio de un futuro. La grande Viola Davis en su papel de señora Miller. Hay que quitarse el sombrero ante esta actriz que en un mano a mano con Streep es capaz de lo imposible. Comérsela. Pero si esta secuencia es intensa por el drama que esconde, como no destacar una de las secuencias de tensión mejor llevadas de la última década. La del te. Aquella que enfrenta por vez primera a los protagonistas en un juego de silencios elocuentes, de verdades sugeridas y mentiras lanzadas a la cara, con la hermana Davis como juez y parte. Tan contundente que se come a la secuencia climática en la que la guerra entre los protagonistas es abierta y objetiva.

Si lo que buscas son las emociones primarias de la acción, las planificaciones complejas con cientos de planos picados, o los héroes incorruptibles pero sin matices de personalidad, mejor que no pierdas el tiempo en las casi dos horas de metraje. Pero si te interesan los cara a cara de personajes, el lenguaje subtextual, o la intensidad de las interpretaciones, no te puedes perder esta obra de teatro ganadora de cuatro premios Tony y el Pulitzer, convertida en película, dirigida por el propio autor Patrick Shanley en su segundo acercamiento a la gran pantalla, a la que sólo le puedo reprochar (y casi por decir algo) la utilización de algunos planos inclinados para sugerir el estado anímico de los personajes, cuando los actores suplen a la técnica y no necesitan extras para hacer un trabajo monumental.

Víctor Gualda.

MI NOMBRE ES HARVEY MILK

2009-06-09T08:48:00.002+02:00

Es curioso observar la delgada línea que separa la reivindicación del mercadeo. Es fácil pensar que Gus Van Sant, crea un panfleto, y el siempre comprometido Sean Penn sencillamente busca el reconocimiento. Si observamos desde un punto de vida objetivo la película, y sin tener en cuenta el tema, o la importancia social del reconocimiento de los derechos gays, nos encontramos una película vacía. Casi de diseño en la forma, y demasiado sesgada en el fondo. Una película con claras intenciones de manipular, tan necesaria como prescindible.

Está claro que Gus Van Sant era el mejor director posible para una película de estas características. Los derechos civiles de los homosexuales han evolucionado en los últimos veinticinco años en Estados Unidos, y una de sus figuras carismáticas ha sido este Harvey Milk. Quién mejor que un director que domina a la perfección el lenguaje cinematográfico, siempre reivindicativo, y gay para llevar a la pantalla la lucha de su comunidad. Quién mejor que un actor camaleónico, concienciado y comprometido para resucitar la figura del político más carismático de San Francisco. Así que la combinación es de antemano “caballo ganador”.

Pero me pregunto; ¿es que este Milk no era humano? ¿No tenía defecto alguno? Y es que el guión de Dustin Lance Black muestra al personaje como si fuera un extraterrestre. No es posible plantear una película biográfica de un personaje real como si fuera Ulises. Incluso él mostraba defectos. Está planteado Milk un individuo sin doblez que se enfrenta ante una sociedad injusta de tal forma que la empatía con él, (que tiene motivos para que la sintamos sin artificios) me resulta demasiado forzada. Y es que analizando la estructura del guión, vemos que sus sufrimientos están utilizados para reforzar su causa más que su persona.

Su constancia queda patente presentándose tres veces antes de ser elegido para concejal. Su tolerancia está fuera de duda, aunque sólo sea por su lucha, su comprensión con su novio que le abandona por estar demasiado inmerso en la causa es intachable (y eso que su novio Scott (James Franco) es su director de campaña), su bondad por recoger de la calle a su nuevo amor e incorporarlo a su vida, a pesar de ser hispano, maniaco compulsivo Jack (Diego Luna), no tiene límites. Su inteligencia por saber bregar con Dan White (Josh Brolin) intolerante gay reprimido, más interesado por su puesto que por su comunidad no tiene parangon… pero qué me estás contando Van Sant. Que la causa sea digna y necesaria, no justifica que el personaje este tratado como un Cristo... Si sólo le falta convertir el agua en vino…

Pero aparte de las consideraciones internas, hay que reconocer que Vant Sant es un director fantástico, que sabe lo que quiere y como conseguirlo, capaz de hacer la película más comercial “El indomable Will Hunting” y la más independiente y personal “Elephant”, que alterna una planificación clásica, con una más estética sin que apenas se note, que sabe acompañar al personaje con la cámara para mostrar su lado más personal, asociado además con un tótem sagrado como Penn, que imprime verdad a sus personajes, y que se deja la piel en cada interpretación (aunque sigo opinando que el Oscar tenía que habérselo llevado un fantástico Rourke) es lógico que Van Sant se sienta orgulloso de su trabajo, y por supuesto de su condición sexual. Es necesario normalizar la situación de los homosexuales, porque independientemente de su opción sexual, sienten y padecen igual que todos, y a estas alturas, cuando se supone que la sociedad es suficientemente madura, deben tener los mismos derechos que todos, pero mejor sin manipulación panfletaria.

Víctor Gualda.

EL JUEGO DEL AHORCADO

2009-06-05T09:02:00.002+02:00

Meses sin que aparezca una película española en DVD decente (desde “El patio de mi cárcel” que yo recuerde), y albergo esperanzas con la última de Gómez Pereira. El que en otros tiempos se asoció con Iborra, Oristrel y García Serrano para convertirse en uno de los referentes de la comedia española, trata ahora de volver a la senda del éxito junto al también director, y en este caso guionista, Salvador García Ruiz, (buen desglosador de personajes, quién no recuerda “Mensaka”). Para este juego del Ahorcado se basaron en la novela de Inma Turbau, y contaban con Mendizábal para la banda sonora y con Salcedo para el montaje. Con lo que las expectativas eran altas. No así el resultado.

Pereira tiene una cuenta pendiente con el thriller después del fracaso de “Entre las piernas”. Esta inició el declive del que no acaba de reponerse. En el caso de la que nos ocupa, hay que reconocer que aunque la intención es buena, el mayor “fallo” de la película esta en el guión y en la ineficacia para mantener el interés de una película que no acaba de definir el tono, transitando entre el thriller y el drama. Al tratarse de una adaptación, una película que a priori parece “de personajes”, se convierte en una película “de trama”, pero en el mestizaje se pierde.

El arranque establece las pautas de lo que vamos a ver a lo largo de las casi dos horas de metraje. Una relación especial entre dos personajes sustentada por la obsesión de él. Enseguida comprendemos por una evolución demasiado pormenorizada que acabará resultando enfermiza. Interesante propuesta, pero los guionistas tienen que sustentar ese fondo de la condición humana en una trama articulada para que ambos desarrollen su personalidad. Es entonces cuando se meten en el embarrado del que apenas salen. Una situación violenta de un personaje recurso (un mcguffin vamos) sirve de giro dramático. La ilógica, infantil, o al menos no suficiente explicada reacción del personaje de Clara Lago consigue romper la empatía del espectador. Es entonces cuando David toma el mando de la situación, y el director intenta (por decir algo benévolo) jugar con la tensión y el suspense. Mal jugado. La tensión se rompe igual que se planteó.

Ahora es David (Álvaro Cervantes) quien ha evolucionado de forma un tanto extraña. Sabemos que ocurre algo, pero sus cambios de humor apenas están justificados por flash-backs incompletos perfectamente suprimibles. Demasiadas explicaciones para tan pocas expectativas, que Pereira, o Salcedo (no sé quien es el verdadero culpable) destrozan, tal vez como giro del segundo acto. La resolución de la trama excusa es precipitada en la estructura. El espectador controla la información cuando debería permanecer en el punto de vista de ella en todo momento (para alimentar la incertidumbre, el suspense, la sorpresa) En vez de eso vuelven a narrar.

El giro no empuja el desenlace, y paran la película para arrancarla en Londres (intuyo que por respeto a la novela). Pero ya nos lo han contado todo, así que la tensión se evapora y lo único que queda es resguardarse en los personajes y esperar la tontería un tanto infantil de la resolución. Y por supuesto llega, pero de nuevo cagada monumental. NO están juntos espacialmente, así que una carta, que rompe cualquier posible magia, dilapida el desenlace que por muy bien que quede el croma o transparecia o lo que sea, no sirve para paliar un desenlace en forma de flash-back...

Como siempre Luís San Narciso tiene buen tino en la selección de actores , y tanto Álvaro Cervantes como Clara Luna, están a la altura del personaje. En general también el resto del reparto, aunque en la trama tengan poco peso. Tampoco ha podido ser esta vez. ¿Qué tal una comedia para la próxima?

Víctor Gualda.

LA CLASE

2009-06-01T09:33:00.005+02:00

El último festival de Cannes ha dejado como vencedor a Michael Haneke y su “El Lazo Blanco”. También la “guerra” entre Almodóvar y Boyero a la vuelta del festival. Pero lejos de la polémica, el año pasado la ganadora del festival fue “La clase”. Recién estrenada en DVD en nuestro país, la mejor película del festival fue este análisis sociológico de los adolescentes franceses, tal vez extrapolable a nuestro país. Una película que cautiva por su sencillez y autenticidad.

La película dirigida por Laurent Cantet de dos horas de duración, tiene la facultad de mantener el interés sin que decaiga en ningún momento el ritmo, prescindiendo de la estructura narrativa tradicional. Amparándose en un estilo casi documental, la cámara se mantiene alejada de los actores, utilizando planos largos o teleobjetivos para no interrumpir “la verdad” de las situaciones. (muchas de ellas improvisadas). El punto de vista dominante a los largo de (casi) todo el metraje es el de François (el propio escritor de la novela y coguionista) profesor de lengua y tutor de una clase cualquiera, de un instituto de la periferia de París. De esta forma conocemos a los alumnos y las relaciones con los adultos y entre ellos mismos. Entendemos que muchos de ellos son rebeldes, la mayoría inmigrantes, inadaptados, pero a fin de cuentas alumnos que se encuentran en institutos públicos de Francia y por extensión en cualquier país de Europa. Conocemos las pequeñas competencias entre profesores, las relaciones jerárquicas dentro del centro (relaciones de poder). Las de los profesores con el sistema. Asistimos a las tutorias con los padres, a las relaciones de padres e hijos, y al distanciamiento del profesor y alumno. El guionista resulta ser el propio Francois Begaudeau (junto al director y a Robin Campillo) y se posiciona claramente de parte de él mismo, pero hace concesiones a la historia para crear incomodidad en el público.

Si a lo largo de más de hora y media Cantet juega con una calma tensa que puede estallar en cualquier momento, el último tramo de película introduce un conflicto. Un pequeño detalle que desencadena una reacción en cadena que afecta a François y a alguno de los alumnos. Muy buena jugada la de crear la incomodidad de la injusticia de forma clara. La duda, la reflexión y la culpa se encuentran para que se produzca una situación que altera el delicado equilibrio que acaba resultando incluso deprimente.

Lo mejor es la reflexión a la que el director invita al espectador con la consulta al final de la clase y la película, en la que el profesor pregunta a sus alumnos qué han aprendido. Todos tratan de aportar algo, pero cuando han salido, una de las alumnas se acerca a François y le dice que no cree que haya aprendido nada. La reflexión sobre el aprendizaje, los valores, la disciplina, está encima de la mesa, y el espectador, posible padre de ese futuro que son los hijos, debería saber qué contestar. Cómo un final así sería demoledor y deprimente, se ha incluido una escena en la que profesores y alumnos juegan un partido en el patio del instituto. Puede ser una imagen simbólica, pero me inclino por el descanso para apaciguar la tensión.

Al recoger opiniones, me doy cuenta de que la clase media ve desde una perspectiva alejada la posibilidad de que sus hijos tengan esos problemas o preocupaciones. No son inmigrantes (la inmigración es un tema muy presente en la película), sus familias les proporcionan una estabilidad que les hace creer que están lejos de esas situaciones. Todos ven el germen de las revueltas de Francia el año pasado. Y es que siempre es fácil sentir empatía por el personaje más cercano. En este caso el profesor planteado como justo, inteligente y ético. Pero François no representa la actitud general de la clase media, y me da la impresión de que rechazan (como buena parte de la sociedad), la integración de los inmigrantes, creando ese muro que distingue las clases sociales (muy bien representada en los padres de los únicos alumnos blancos y nacidos en Francia del film) convirtiéndose al final la difícil situación en la pescadilla que se muerde la cola.

Víctor Gualda

SITCOM

2009-05-27T08:30:00.001+02:00

Qué agradable sorpresa encontrarme con la recién editada opera prima de François Ozon. Si el cortometraje es una escuela para los futuros directores de cine, el director francés aprendió con más de una docena de cortos a manejar el lenguaje cinematográfico, en “Sitcom” da una lección de estilo, manejo del ritmo, mezcla de géneros, inteligencia narrativa llevada al esperpento y mala baba, que en los tiempos de mediocridad que corren es de agradecer. Más, después de visionar las decepcionantes “The Fall” del realizador publicitario Tarsem y la pretenciosa “Siete almas” con un Will Smith que busca el reconocimiento en el drama. Ambas un quiero y no puedo con presupuesto pero sin ideas.

Resulta que para su puesta de largo, Ozon decide hacer una película arriesgada como pocas, y lanzarse a retratar a una típica familia burguesa francesa que todos hemos visto en un centenar de películas de otros consagrados burgueses, que a estas alturas sólo enganchan a los que han evolucionado como ellos. Por medio de un sorpresivo (casi de ciencia ficción), pero familiar incidente incitador (que diría el otro) darle un repaso a la clase media francesa. Un experimento de laboratorio con poderes paranormales que desnuda sin tapujos la hipocresía, los complejos, los trabas de los presuntos liberales franceses.

El título (tan importante para definir el tono y atraer al espectador) no puede ser más acertado. “Sitcom” es eso, una comedia de situación que no huye del gag televisivo, que juega con los tempos, que sorprende y que despierta la carcajada más sádica. La llegada del “nuevo miembro de la familia” hace perder los papeles a todo el que se atreve a acercarse a ella. La compulsión del primer giro dramático únicamente abre la puerta de un nuevo tiempo, en el que las cosas van a cambiar radicalmente, con los tabues sexuales como excusa. El sadismo, la homosexualidad, el vouyerismo y hasta el incesto tienen espacio en la trastienda de esta arquetípica “buena” familia llevada hasta el extremo. Así, sin apenas darte cuenta, cada nuevo tabú es esquivado con una situación más bizarra. Las relaciones de familia, padres, hijos, asistentas españolas, novios gays, etc avanzan hacia el infinito, con la única referencia de cordura de un psicólogo que apenas aparece, pero que nos recuerda que en el mundo real las cosas son de otra manera. Sino seria fácil que nada acabase por emocionarnos. Pero hay algo más increíble. Si el director ha conseguido llevarnos a un plano paralelo en el que todo es posible con credibilidad, uno se puede preguntar hacia dónde nos llevará el desenlace. Y es que es este, después de un segundo acto que no hace más que crecer, lo que define el recuerdo que posteriormente tengamos de la película. Pues un Ozon arriesgado hasta la extenuación se atreve con un alucinante más difícil todavía. Un desenlace Kafkiano que o te llevan a la tumba o te consagran (algo así como el desenlace de Magnolia) y supera el envite con nota. Pero además, nos deja un epílogo con una escena irónica que nos devuelve a la cotidianidad y nos recuerda que esta siempre es más absurda que la ficción.

Una comedia negra que supone el debut de uno de los contemporáneos franceses más interesantes, siempre original y arriesgado, en el que los temas de la violencia, crítica social y sexo están presentes como radiografía de una sociedad hipócrita, más preocupada por la moral y la apariencia que por los dramas que esconde en su interior, pero que inevitablemente siempre surgen.

Víctor Gualda.

BRIGADA 21

2009-05-23T14:57:00.003+02:00

“Brigada 21” y “Asalto a la comisaría del distrito 13”. Dos películas de este “subgénero” del policiaco, con veinticinco años de diferencia en las que se aprecia la evolución de los tiempos, los temas que interesan al espectador, la forma de rodar y las maneras de interpretar. Ambas sin estar en el olimpo de las obras maestras, son más que apreciables y pertenecen a dos directores que han pasado a la historia del cine, que dan muestra de oficio y buen hacer. Pero aparte de la evidencia de que ambas se desarrollan prácticamente íntegramente dentro de una comisaría de policía, tienen la peculiaridad, cada vez menos frecuente de desarrollarse casi a tiempo real y definidas por la unión de historias paralelas..

En el caso de “Brigada 21”, lo primero que hay que saber es que su prácticamente única localización, se debe a que está basada en una obra de teatro. La vida de esta comisaría, algo light para los tiempos que corren, no tiene desperdicio. Una ludópata (que ganó un discutible premio en Cannes por su interpretación) Un par de ladrones pillados desvalijando un piso (que por cierto parecen sacados de la comedia del arte); un chaval guiado por sus complejos hacia el éxito de su novia, y su enamorada cuñada, y por fin, un policía recto e inflexible que también esconde oscuros complejos que le enfrentarán al amor de su vida.

Tal vez lo mejor de “Brigada 21” sea la puesta en escena. Si en una película convencional, las localizaciones y la cámara delimitan los movimientos escénicos y el ritmo. Aquí en apenas unos metros cuadrados se concentran más de una docena de actores, que darán vida a las diferentes tramas. El ritmo de las entradas y salidas, los cambios de escenario dentro de la misma comisaría, dejan ver la evidencia de que es un texto para Broadway de Sydney Kingsley. Todo ello con un ritmo interno en los diálogos y las pausas casi frenético, que apenas da tiempo a coger aire al espectador, y con una interpretaciones llenas de vitalidad y sentimiento. A destacar (cómo no) el fantástico policía interpretado por Kirk Douglas, al que tradicionalmente se le atribuye un personaje unidimensional, cuando en realidad se trata de un personaje complejo, que en el crescendo de la película tendrá que enfrentarse consigo mismo y con sus miedos, aunque menos desarrollado de lo necesario, por la propia estructura teatral. El desenlace como redención, algo previsible, pero hasta el último aliento, Douglas hace una interpretación soberbia y llena de energía. El guión le reserva además la única sorpresa narrativa, con la trama que juega con la tensión y la anticipación del espectador. Va dando pistas y centra la curiosidad sobre un extraño triangulo que pondrá en jaque al personaje, y le llevará de cabeza hacia su destino, en una mezcla de tramas. El destino le da una oportunidad de justificar su falsa indolencia en un estilo casi shakespiriano, alejado de las convenciones del cine y más cercano al teatro… una vez más magistral. Por destacar un par de puntos más de la adaptación de Philip Jordan y Robert Wyler, la presentación de Douglas a través de terceros y los antecedentes antes de la aparición del propio personaje, para crear la ilusión de conocerlo de toda la vida. Visualmente, la secuencia de la transparencia en el furgón policial, que a pesar de estar rodada en estudio, es con el arranque y la secuencia del beso en el taxi parado, lo único que se desarrolla en presuntos exteriores.

En definitiva, una maravillosa película del maestro William Wyler para aquellos que disfruten con una buena puesta en escena, e interpretaciones magistrales, basada en el texto y con medios limitados.

Víctor Gualda.

ASALTO A LA COMISARIA DEL DISTRITO 13

2009-05-23T14:49:00.002+02:00

Por su parte en “Asalto …”, su escasa escenografita se debe a lo escaso del presupuesto. Unas secuencias en exteriores que presentan a los distintos personajes, y que van a desembocar en una comisaría desvencijada por traslado, a cargo de un policía novato. Será el violento escenario en el que unos pistoleros tendrán que hacer frente a los vengativos (la venganza mueve toda la trama) pandilleros sin rostro. Al héroe Bishop, le acompañara el antihéroe Napoleón Wilson y la chica, como socios de este western urbano.

Quiero destacar la capacidad narrativa de Carpenter que también firma el guión (además del montaje, música) utilizando un par de elementos, prescinde de la coherencia narrativa y busca una situación extrema que defiende a lo largo de más de una hora de metraje con un ritmo y potencia visual imparable. Y si al texto se le puede atribuir cierta falta de coherencia, es por que claramente el director prescinde de las florituras tradicionales, pero no hay que olvidar que los diálogos son fantásticos, y que la unión de personajes antagónicos por un mismo objetivo es magistral, contra un enemigo despersonalizado y sin más matiz psicológico que la violencia por violencia. De esta forma, se lanza a un western clásico (se le atribuye un homenaje a Howard Hawks en Rio Bravo) en el que un trío protagonista tendrá que enfrentarse contra el mal en forma de pandilla urbana.

Me gustaría destacar en esta, la presentación de los personajes por medio de tramas paralelas en la primera media hora de película. Los presos en el autobús, el novato que se queda a cargo de la comisaría desmontada por traslado, los malos malísimos, que buscan víctimas y crean la tensión que se alargara en toda la película. Y cómo no, la premisa necesaria para que la trama arranque, que le cerraría las puertas a cualquier director a Hollywood, con el cruel asesinato de la niña y la huida del padre vengativo buscando refugio.

A partir del encierro en la comisaría, pura acción a tiempo real (incluso hay referencia a este por parte de Bishop). La sensación de agobio y asfixia presente a lo largo de todo el metraje y aumentada por el corte de luz, la relación entre los antagonista, Ethan Bishop (Austin Stroker) como personaje recto y moral dispuesto a cumplir su cometido hasta las últimas consecuencias, y sobre todo el de Napoleón Wilson, como antagonista antihéroe que tanto le gusta a Carpenter. El buen ritmo, los buenos diálogos e interpretaciones, con la excepción de Leigh (Laurie Zimmer) que tal vez debería haber muerto en el envite (de lo mala que es), y las secuencias de acción a tiro limpio, hacen el resto. En cuanto a la música, compuesta por el mismo Carpenter, consigue crear sensación de agobio, aunque es un tanto ochentera (con sintetizador incluido), y tal vez esté sobrevalorada. En definitiva, un clásico mejor que su remake, y uno de los títulos emblemáticos del director. Imprescindible.

Víctor Gualda.

MUERTE EN BANGKOK

2009-05-20T09:08:00.003+02:00

El primer largometraje de los hermanos tailandeses Pang, causó cierto impacto en cine made in Hong Kong, que les situó en el punto de mira de Hollywood y tanto esta, como “The eye”, tuvieron sendos remakes de dudosa calidad en EEUU. Pero este "Bangkok Dangerous" tiene tantas cualidades como defectos.

Tal vez entre los defectos, se note ciertas carencias narrativas tanto en el guión como en la planificación, saltos en la continuidad de la historia que se pueden entender por tratarse de una primera película, pero que no empañan el merito de un muy buen trabajo visual y una historia con un lado violento, pero no exento de ternura.

La primera parte del film, está concebida para presentarnos a los dos protagonistas. Se tratan de un par de asesinos a sueldo. Kong se ocupa de los asesinatos, y tiene la peculiaridad se ser sordomudo. Es en este punto en el que los Pang centran todos los esfuerzos. Es una característica del cine oriental que sus asesinos a sueldo tengan taras físicas que contrastan paradójicamente con su violenta ocupación, y que sin embargo sitúan al espectador casi directamente en su orbita.

Una serie de flash-backs nos cuentan los antecedentes para que nos vayamos familiarizando con los personajes y no les cojamos antipatía, flash-backs muy detallados que no hacen sino ralentizar el arranque de una trama principal variable. Conocemos a Aon, la striper exnovia de Joe (el sicario que ejerce de hermano mayor) a través de la que se hacen los encargos y la metodología. Todo ello para tras más de media hora de metraje, dar paso a una trama secundaria que sirve a Kong para descubrir su lado más sensible. Las taras físicas o la ocupación separan al joven de la conciencia de las relaciones humanas, y será a través de la farmacéutica Fon cuando nuestro protagonista comience a descubrir un mundo nuevo. Pero como nada es perfecto, y los Pang no quieren abandonar el lado más violento de la historia, introducen un giro determinante primero para Joe y luego para Kong

A partir de este punto las venganzas serán la única motivación. Y por supuesto (esto no cambia sea cual sea la latitud del cine) la culpa sólo puede ser expiada a través de la sangre. Poco importan los esfuerzos de los personajes, la historia ha tomado su camino, y después del antecedente de un asesinato injusto a un inocente, el espectador conoce cual será el final a través del camino de un destino marcado.

Curiosos resultan ciertos detalles de la película. Los ralentizados, los efectos visuales tan trillados en el cine made in Hong Kong tal vez tengan una justificación, pero al ver esta película del año 1999, nos damos cuenta lo rápido que pasan de moda. Y es que secuencias visualmente fantásticas, como la del desenlace (de la que no hablaré por no estropear la sorpresa del que no la haya visto y se anime) como la del asesinato del metro; fantástica por el tempo narrativo perfecto. También otras que parecen sacadas directamente del manga y que son prescindibles, como por ejemplo la del fundido encadenado de la primera venganza o la de la violación. Tal vez hubiese sido interesante ver la secuencia a través de la videocámara del secuaz que la graba mezclando formatos (igual que en las escenas de la infancia de los protagonistas en 8mm) en vez de recurrir al picado de cortes intensificado por las luces estroboscopicas del club….) En definitiva que la modernidad tiene el problema de dejar de serlo con rapidez. De todas formas, tengo que decir que “Muerte en Bangkok” me recuerda poderosamente a las películas de John Woo. Una especie de mezcla entre “The Killer” y “Hardboiled”, pero algo más preciosista. Como queriendo tomar algo prestado de la estética de Wong Kar-Wai. Sean estas sus influencias o no, la película les granjeó un buen número de fans, y les llevó a ganar un premio en el Festival de Toronto, que les puso en el punto de mira internacional.

Víctor Gualda.

TIME

2009-05-16T00:06:00.001+02:00

Pocas veces una película tan ridícula en el planteamiento, me parece tan profunda y necesaria para la reflexión. Y es que Kim Ki-duk se pasa por el arco (perdón por el chiste fácil) el principio de credibilidad que cualquier narración necesita. Pero no importa, porque consigue algo que sólo unos pocos directores en todo el mundo logran. Engancharte a la pantalla por la necesidad de saber qué va a pasar con esta surrealista pareja y de paso hacerte pensar.

Ki-duk, consigue una mezcla de géneros sorprendente y sorpresiva con unos pocos elementos y sólo un par de personajes, ni siquiera necesita un tercero como elemento desestabilizador, y es que la inestabilidad habita en ellos. Sobre todo en el personaje de See-Hee Una chica insegura y celópata, que da muestras de una psicosis que le lleva a hacer una locura presuntamente por amor (para el que considere eso amor) Si el planteamiento es un alarde de economía narrativa (aunque algo menos que en otras producciones del director) la actitud de los personajes está llevada a la ciencia ficción. Las acciones y reacciones son arbitrarias y teledirigidas. Lo que me sorprende en este punto es la capacidad para enganchar de la que hablaba. Lo normal es que cuando se pierde la credibilidad, el espectador aproveche para hacer otras actividades lúdicas. Pero Ki-duk cambia de género y tono con total desparpajo y se pasa al thriller. La incógnita del rostro de la protagonista hace que el espectador se revuelva intranquilo en el sillón por saber como será la nueva See-hee, y las consecuencias de los actos sicóticos de ella ante el amor verdadero. Todo ello enmarcado en el paso del tiempo como contenedor que dosifica los actos, y que ha sido el causante del desgaste de la relación, y por tanto de la locura de ella.

La belleza plástica de la que suele hacer gala el director cobra toda su magnitud al sobreexplotar, de forma presumiblemente simbólica, el parque de las esculturas de Baemigumi en la isla de Mo, del escultor Lee Il-Ho. Especialmente aquella que muestra la portada, que sirve de marco de ese paso del tiempo que ha desgastado la relación, mientras muestra a través de las fotos la evolución de la misma.

Pero es que lo mejor está aun por llegar. El punto de vista, tan determinante en el cine como en la literatura, Ki-duk lo maneja certeramente a su antojo, y lo va dosificando entre ambos protagonistas, mientras al espectador sólo le ofrece pequeños avances de información para crear el suspense, y luego ponerle temporalmente en la piel de quien lleve el peso dramático. Pero no contento con eso, el giro de timón que le da el personaje de Ji-woo, es más radical aun, pues era el único que parecía mantener la cordura. Nada más lejos de la realidad. Ella sufrirá en sus carnes lo mismo que a sufrido él, y por ende, la incertidumbre se traslada al espectador con los mismos elementos de repetición que en el anterior tramo.

Si la trama es atípica, también lo son los elementos que utiliza el narrador. La puesta en la picota de la cirugía estética, el paso por el horror para conseguir la belleza (al menos eso parece querer decir con la muestra explicita de las imágenes de las operaciones) trasladable a cualquier acto artístico (o no). Lo antinaturales de los diálogos en algunas secuencias (Ki-duk no es un guionista que dialogue mucho) me chirriaron como pocas veces.
Algunos recursos estéticos como las elipsis, con especial interés las del juego con la luz, o el final completamente circular que deja en alto la narración, hacen imprescindible el visionado de esta película del prolífico director Coreano.

Víctor Gualda.

EL INTERCAMBIO

2009-05-13T08:50:00.008+02:00

La primera reflexión después de ver “El intercambio” es lo curioso que resulta comprobar, como la penúltima película de Eastwood ha tenido menos reconocimiento que su última “Gran Torino”, y como la que hoy tratamos es mucho más compleja y completa (en sentido puramente cinematográfico) que la que interpreta el viejo actor. Lo cual demuestra que el cine no es una ciencia exacta, pero que el espectador medio prefiere las emociones básicas y directas relacionadas con el estereotipo (en aquel caso del viejo fascista obcecado y patriota) antes que identificarse con el drama de una madre que busca a su hijo, y todo lo que rodea los intereses políticos.

Antes de comenzar con el texto, tengo que reconocer que Angelina Jolie, bajo mi punto de vista, hace su mejor interpretación hasta la fecha (incluyendo “Inocencia Interrumpida” que le valió el Oscar) El personaje es un bombón para un mundo en el que personajes protagonistas de ese peso pocas veces caen en manos de una mujer. Pero ella defiende en casi todo momento con credibilidad el personaje. Sólo pondría el “pero” en algunas secuencias demasiado impostadas, o en las que el vestuario pesa más que la interpretación. La protagonista lleva tocados y gorros que no se quita ni para hablar desde el teléfono desde su casa, lo que le infiere cierto aire de antinaturalidad. Pero detalles aparte, la contención es difícil en papeles extremos, y tanto ella, como el actor que más muecas hace con la cara del mundo, John Malkovich, están dirigidos para evitar aspamientos y trasmitir sentimientos, sin caer en la fina línea que lleva al melodrama de sesión de tarde. Pero es que además, están parapetados por unos fantásticos actores secundarios, que regalan credibilidad.

Pero la película es mucho más que un puñado de buenas interpretaciones. Ya en el crédito inicial, el director deja claro que está basada en una historia real, y por lo tanto advierte al público que la realidad siempre es mucho más increíble e improbable que la ficción. El guionista J Michael Straczynski se basó un hecho real, para desarrollar este texto que crece sorprendentemente a partir del primer tercio de película. Si el arranque es frío y casi periodístico, con la presentación de la madre soltera que lucha por mantener a su hijo, es a partir de la desaparición de este, cuando la película arranca. Pero en vez de limitarse a la típica búsqueda, la excusa, o premisa, o giro o como quieras llamarlo, se produce cuando la policía (convenientemente presentada) le entrega a la madre un niño que no es el suyo. A partir de ese momento, una película convencional, se dedicaría a la búsqueda de la verdad por parte de la madre. No en esta, eso es sólo la excusa para mostrar (como en casi todas las últimas de Eastwood) la naturaleza humana. El guionista de apellido impronunciable, es capaz por medio de una historia secundaria, de crear una trama paralela que nos cuenta la historia de otro niño que por una investigación rutinaria, es víctima de la culpa (un peso a priori demasiado grande para un menor) La confesión de este, lleva a relacionar ambas tramas. El espectador descubre al tiempo que la madre Jolie, por lo que la identificación está garantizada. Pero la trama de superación no deja de crecer. Llevará a nuevas y sorprendentes situaciones. Mostrará la corrupción de la policía, la hipocresía de los políticos. El poder de los medios de comunicación en la masa civil, el poder casi Kafkiano del sistema frente al individuo…

Lo curioso es que una vez que todo está en su sitio y ambas tramas se cruzan, el texto nos invita a asistir al juicio del pederasta, simultáneamente con el de la actuación policial. La excusa principal de encontrar al desaparecido, no se mantiene como fin último, pero la protagonista manipulada por el reverendo presbiteriano y por su ansiedad materna, disuelve temas que con maestría se mantienen cada uno en su sitio. Las dos historias tienen en común a la Jolie, y sólo el niño puede unirlas. Un Eastwood siempre al límite con las acusaciones fascistoides, muestra una ejecución de pena de muerte hasta el último segundo. Está apoyado por lo salvaje de los hechos, pero no deja de resultar cruel y justificatorio si lo miras fríamente. Es en este tramo donde la película pierde más enteros. El metraje alargado durante dos horas sólo puede ser compensado con la liberación de la tensión como válvula de escape. Pero como no va a suceder, el espectador es manipulado por el monólogo de Jolie, en el que queda claro cual es el sentimiento primigenio que debemos sentir. “La esperanza”. Lo siento Clint. Esa costumbre del crédito manipulado por la palabra no es suficiente para descargar todos los sentimientos que dejas sobre la mesa.

De cualquier forma, una película más para la biografía de Eastwood magistralmente dirigida, austera en la forma, como es marca de la casa, que busca en el interior del individuo, pero con una intención de entretener y conmover casi a partes iguales. Lastima que el tono demasiado dramático (que siempre me hace malpensar que el fin era la búsqueda del Oscar) se adueñe del metraje, y ese final inconcluso sea un gatillazo en las emociones del espectador.

Víctor Gualda.

LOBEZNO: X-MEN ORIGENES

2009-05-09T14:18:00.005+02:00

Dado el éxito de las tres partes de X- Men, y en concreto del carismático Lobezno, que lanzó a la fama a Hugh Jackman, era inevitable que tuviese su propio spin off. Así, esta precuela se convierte por derecho propio en un interesante complemento de la trilogía, con vida propia y necesario para entender el espíritu de la luego celebre “Patrulla X” (así se llamaron en España en los 80).

Visualmente, es el prólogo en el que se cuenta la historia del pequeño Jimmy y su hermano Víctor, en un arranque un tanto shakesperiano, donde el niño y el espectador descubren los poderes de los hermanos. Si en apenas un minutos a ambos les corresponde asumir sus roles, es en el intenso arranque elíptico de batalla a batalla donde vemos como se desarrolla la personalidad combativa de ambos. También lo inevitable de sus destinos cruzados por sus personalidades antagónicas. La secuencia de la separación es un tanto ridícula, pero sirve de excusa además de antecedente para explicarnos qué es el adamantium que tanta importancia tendrá en el personaje, convirtiendo la lucha de egos de los hermanos en un ridículo enfrentamiento un tanto vacío.

Como en cualquier película de cualquier género, la necesaria premisa será una engañiza para que el personaje principal encuentre una motivación para intervenir y dar un giro necesario a su vida. El ardid servirá de excusa para que el protagonista busque la venganza a través de la sangre de su antagonista, en este caso “Dientes de Sable” Es tal vez el punto más interesante, porque se trata de una lucha de iguales, y lo que es mejor, de hermanos. Otro giro, de nuevo demasiado impostado, servirá para reforzar el esqueleto y los instintos asesinos del personaje de Wolverine. El trasfondo del experimento gubernamental para crear el soldado perfecto, hace que nuestro personaje entre en una lucha de valores del que ya había dado cuenta el arranque de la película. Y es que en realidad todo es circular en el libreto. Todo se repite al menos un par de veces con desigual resultado, pues donde el personaje fallaba, evoluciona para convertirse en más fuerte. También la premisa vuelve a la vida de Logan, por supuesto de la manera más justificada, y sirve de arranque para la primera parte de “X Men”. Pero antes, el enfrentamiento definitivo, en el que los hermanos volverán a unir sus espaldas para luchar contra el mal común, que no es otro que la naturaleza humana contra lo antinatural, creado por la ambición de control del hombre. Lastima que las consecuencias morales queden tan diluidas en los efectos especiales, y que al final el guión resulte completamente previsible y exento de sorpresa, porque el planteamiento, que ya aparecía en el cómic (aunque convenientemente manipulado), se autolimita al cambiar de formato. Y es que resulta difícil equilibrar el trasfondo, por la dictadura de lo que el público medio espera de una película de superhéroes.

Ninguna objeción al trabajo de Hugh Jackman, que sabe aprovechar para rendirle un homenaje al personaje que primero le convirtió en estrella, y que ahora le convierte en más millonario. Al parecer tanto él como Liev Schreiber pasaron meses de gimnasio para moldear el cuerpo que necesitaban los personajes, y tengo que reconocer que a pesar de la desconfianza que me ofrecía Schreiber (también a los productores), hace un buen trabajo, que deja la dureza de Lobezno a la altura de una señorita (como siempre que se le da peso al antihéroe antagonista), y que funciona a la perfección para crear las dudas del personaje moralmente irreprochable (demasiado estereotipado para mi gusto). Quedan enlazados además los términos en los que se desarrollará la biografía de Lobezno en el cómic, y presentados los personajes líderes de los X-Men. Los efectos son tan espectaculares como artificiales, pero cumplen con lo esperado. Ahora a luchar en la taquilla… pero esa guerra la tienen ganada de antemano.

Víctor Gualda.

WEEDS

2009-05-05T15:02:00.003+02:00

No me quiero cortar para definir “Weeds” como la mejor serie de la televisión desde “Los Soprano” y “A dos metros bajo tierra”. Y es que muchas han sido las pretendientes, y hay buenos ejemplos como “Mad Men”, o como la sobrevalorada “The Wire” (que particularmente me aburrió mortalmente en la primera temporada), pero para mi, esta las supera a todas de mano (a la espera de ver “In Treatment” que parece ser otra revelación, creada por Hagai Levi y en la que está involucrado Rodrigo García).

El argumento sobre el que arranca “Weeds” es sencillo. Una viuda (Mary Louise Parker) de clase media-alta, con dos hijos, tiene que dedicarse a vender marihuma para mantener su nivel de vida. Con esta premisa, y ya comenzada la trama, da comienzo la serie. En tono de comedia negra, sin importar los antecedentes, el creador Jenji Kohan nos mete de lleno en los problemas cotidianos y propios de su peligrosa profesión de esta mujer blanca, que está dispuesta a hacer lo que sea, paradójicamente ejerciendo un rol habitualmente masculino. Pero el trasfondo global va mucho más lejos. La serie le pega un repaso a la clase media acomodada americana que no deja títere con cabeza. La hierba es sólo una excusa para criticar de forma directa la hipocresía, la falsa doble moral, la estupidez de la religión (atención a la caña que le mete tanto a católicos como a judíos), el puritanismo, el racismo, la incomunicación, la falta de madurez, la eutanasia, el ejercito, la pornografía, las relaciones sexuales, la legalización de las drogas, la política y un largo etcétera que se va desarrollando a lo largo de hasta el momento cuatro temporadas (en nuestro país sólo tres editadas)

Mary Louise Parker les da sentido con su maravillosa interpretación a la cabecilla de este grupo humano asentado en la ciudad de chalets de Agrestic primero, Mayestic después, y un pueblo fronterizo finalmente. Su familia y un grupo de vecinos encabezados por la necesaria antagonista Celia Hobs (Elizabeth Perkins) darán vida frente a nuestros ojos a las miserias de su país con una pequeña muestra sociológica centrada en una comunidad.

Las dos primeras temporadas cierran una especie de bloque. Como un largo en el que todo encaja para llegar a una situación extrema. Tal vez sean las más blandas en cuanto al tono (aunque no en cuanto al fondo), aunque son las que más cohesión tienen. Los creadores huyen del realismo oscuro y sin perder el tono de comedia de situación (en realidad falsa sitcom), le imprimen una sensación de buen rollo que tal vez esté relacionado con los efectos de la maría. La tercera arranca más lenta, la crítica social es mucho más descarnada (sencillamente magistral la secuencia de la cruz robada que da luz a la plantación de maría) y se sustenta sobre los problemas políticos, administrativos con esa especie de telepredicador inmobiliario interpretado por Matthew Modine, y la necesidad de nuestra protagonista de seguir creciendo en el negocio. El final de la tercera temporada es de obra maestra. Si el fuego purifica los pecados, un incendio a gran escala purificara los de los habitantes de Mayestic. Pero los creadores supieron entender que para que la cuarta temporada tuviera sentido, había que dar un giro radical, desprenderse del lastre de personajes que no aportaban y darle un nuevo comienzo a la vida de nuestra protagonista. Por supuesto no se olvidan de los personajes que más vida le dan a la serie, y el nuevo renacer será una carga de futuro y pasado fronterizo.

El éxito deja ver más presupuesto, más escenografías, aun a riesgo de romper la monotonía endogámica que suele llevar acompañadas las sitcoms convencionales. Aun así hay que reconocer el merito de ser capaces de mantener el interés de los capítulos ,que a pesar de durar menos de media hora, están perfectamente estructurados para hacer seguir evolucionando una trama principal, y una o a veces dos tramas secundarias (en otras ocasiones para la segunda subtrama no son más que sencillos running gags). Como nada es perfecto, hay momentos, desenlaces sobre todo que se han alterado de manera algo antinatural, con reacciones que no corresponden a los roles de los protagonistas (en realidad reacciones muy humanas), en pos del efectismo, pero los guionistas saben llevar los capítulos hasta un desenlace que como buenos inventores del formato (los americanos) saben dejar en lo más alto del clímax, con nuevas sorpresas adicionales que van enganchando al espectador (sirva de ejemplo el previsible pero inesperado desenlace de la cuarta).

La serie, que se emite por cable (Showtimes) en Estados Unidos, y que sigue la estela de las HBO, ha sobrepasado la cuarta temporada y sigue agrandando su trayectoria (está claro que buscan un perfil de espectador muy específico. Demócrata, clase media, blanco, con televisiones de pago, que de alguna forma se ven reflejados en los perfiles y asumen la crítica por el tono cómico) En nuestro país se emite por Canal +, o sea que sólo unos pocos privilegiados la disfrutan, y Cuatro, con esa habilidad que tienen los programadores, la emiten los fines de semana a la una y pico de la mañana. Así que no queda otro remedio que alquilarla (a ver si La Devedeteca se anima de una vez por todas), o comprarla. Lo que puedo garantizar es que es una buena inversión que proporcionará horas de buen rollo y diversión. Por último, una reivindicación para las cadenas de nuestro país; - estaría bien si de una puta vez se respetan los formatos y no se estiran los capítulos como chicles. La duración es importante, y las series españolas de setenta minutos son un puto coñazo-.

Víctor Gualda.

LA DESCONOCIDA

2009-04-28T09:10:00.002+02:00

A nadie se le escapa la importancia de los títulos para definir el tono de una película. Y aunque es fácil relacionar a Tornatore con su homenaje amable al séptimo arte de “Cinema Paradiso”, al director italiano le gusta tocar diferentes palos. En este caso se atreve con un drama envuelto en thriller, y tengo que reconocer que después de seis años de espera desde su anterior “Malena”, el resultado es más que aceptable.

Como decía, el crédito que da título al metraje, cobra especial protagonismo. Toda la película está planteada como una especie de larga presentación del personaje principal. Para el espectador, Irena (Xenia Rappoport) es una desconocida de la que va descubriendo parcelas limitadas de su vida. Vemos que está recién llegada a la ciudad; Que le interesa vivir en una zona determinada; Que tiene una gran cantidad de dinero en efectivo, pero aun así quiere trabajar haciendo como limpiadora en un piso concreto. Piso en el que vive una familia acomodada con su hija.

El fantástico guión, firmado por el propio director, va dando detalles lentamente y generando la curiosidad del espectador que probablemente juegue a adivinar cuales son los verdaderos intereses de la protagonista. Unos flash-backs espaciados, con un estilo de fotografía rodaje y planificación diferentes, nos hablan de un pasado difícil, desarrollado en una trama paralela. La subtrama no está colocada de manera descuidada, también nos aporta pistas de sus intereses presentes. Nos presenta además a un antagonista que en el tercer tramo de película absorberá todo el conflicto, uniendo el pasado que representan los flash-backs y el presente, además de descubrirnos los motivos de nuestra protagonista. De esta forma entendemos el conflicto moral al que se ha enfrentado Irena a lo largo de todo el metraje.

Es tal vez este tercer bloque el que resulta más efectista, aunque algo precipitado, al girar radicalmente al thriler y dejar casi de trasfondo el drama, con algunas elipsis que tal vez den ritmo, pero que recortan el interés. El mayor problema de la cinta, se encuentra en un descubrimiento anticlímatico innecesario (¿será el pago moral necesario por sus actos? ya que el personaje lleva ese peso, sugerido por sus visitas a la antigua criada), que el director trata de compensar en un epílogo forzado y bajo mi punto de vista poco creíble, sólo con el fin de dejar un final positivo.

Tal vez haya espectadores que no aprecien el interés de la película por razones tan banales como el ritmo, acostumbrados al cine de género americano. Pero Tornatore es un director con muchas tablas, y tanto el tono, el ritmo, la mezcla de géneros, el suspense y la sorpresa (al más puro estilo Hitchcock) están llevados con una coherencia que se acomodan al estilo europeo, y aunque no haya sido una película especialmente taquillera en nuestro país, hay que rendirse ante el buen quehacer de este director lastrado por el éxito mundial de su oscarizada segunda película.

Víctor Gualda